Objectifs pédagogiques :
Enrichir et asseoir les connaissances artistiques liées à l’environnement anglo-saxon et les pratiques de la langue orale. Les cours d'anglais ont pour objectif d'améliorer l'aisance orale des étudiants dans des situations et contextes essentiellement liés au monde de l'art et à leurs études artistiques

Contenu :
Exposés (présentation d’un artiste et de l’une de ses oeuvres)
Etudes de vidéos, de photographies, de textes portant sur un artiste, un designer, un architecte...

Exercices sur le vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Bibliographie :
« The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
Cabinet Magazine, issue 42, forgetting, Summer 2011
Garbage Warrior, Oliver Hodge, 2009
Rikimbili, Cité du design Saint-Etienne, 2009

Support de cours :
Extraits de journaux, revues d'art / design et de livres, conférences filmées, documentaires

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Découvrir l’histoire de l’art en tant que discipline sous l’angle d’une histoire de l’art (en l’occurrence une histoire de l’art possible des avant-gardes en Europe de la première moitié du XXe siècle)
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Susciter le désir de voir, et de voir encore
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres, films…)
Ensuite, les cauchemars, ou peut-être les songes. Meret Oppenheim : « Tout ce que nous prenons pour la “Réalité” est le petit cauchemar coagulé dans le mental de l’homme qui domine notre espèce : “l’homme bien”, l’homme puissant. C’est-à-dire l’homme pétrifié dans son cauchemar quotidien, comme les mouches dans les faux cubes de glace qu’on achète en Amérique pour épouvanter les invités aux cocktails. »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Catherine Gonnard et Élisabeth Lebovici, Femmes artistes, artistes femmes : Paris, de 1880 à nos jours, éd. Hazan, 2007
- La subversion des images : surréalisme, photographie, film, éd. Centre Pompidou, 2009
- Au pays des merveilles : les aventures surréalistes des femmes artistes au Mexique et aux Etats-Unis, éd. LACMA, 2012

Support de cours :
Cours magistral, participation requise et appréciée

Objectifs pédagogiques :
Ce cours d’initiation à l’histoire et à la théorie du Design graphique se concentre sur un ensemble d’objets, de concepts et de designers dont l’analyse permet d’interroger nos usages des signes, des écritures et des images.

Contenu :
Pour ce faire, les cours s’articulent autour des notions de lisibilité, de reproduction, de politique des techniques ou d’économie de production. Une part importante est accordée à l’histoire de l’édition, à ses techniques de production et à ses modes de diffusion, ainsi qu’à ses pratiques contemporaines, qu’elles soient éditoriales ou numériques.

Objectifs pédagogiques :
Dans ce cours théorique et pratique, l'étudiant.e est invité.e à découvrir le champ des humanités numériques (de l'anglais « Digital Humanities »).

Contenu :
Plus généralement, il s'agira de s'interroger et de voir en quoi l'informatique impacte les manières de faire et d'expérimenter l'art aujourd'hui.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Sitographie :
Ressources cours : http://www.twitter.com/enbanf
« Erreur d’impression. Publier à l’ère du numérique » : http://espacevirtuel.jeudepaume.org/erreur-dimpression-1674/
Open Source Publishing : http://osp.kitchen


- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Support de cours :
Cours magistral augmenté d'exemples pratiques.

Objectifs pédagogiques :
Construire les traces de sa méthode, enregistrer et apprendre à organiser ce qui sert à réfléchir, à travailler.
Donner à voir ses approches, même si celles-ci sont incertaines ou en esquisses.
Savoir montrer les 'dessous' du travail.

Contenu :
Les questions les plus actuelles seront mises en échos, en dialogues avec les expériences passées.
Regards sur les processus de recherche des artistes, les notes, les écrits, les incertitudes, les projets non-réalisés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel collégial.

Bibliographie :
- « Les Carnets de Léonard de Vinci », préface de Paul Valéry, Gallimard
- « Passages : Victor Burgin », catalogue d'exposition Musée d'Art Moderne de Villeneuve d'Ascq

Support de cours :
Ateliers collectifs et cours magistral.

Objectifs pédagogiques :
× Connaître et identifier les fondements historiques d’une pratique définie par de nombreux contrats (social, moral, économique, esthétique, technique et avant tout politique) : le design.
× Questionner les liens historiques qui unissent avant-gardes artistiques et pionnier·ère·s du design.
× Révéler des lignées de concepteur·rice·s, des avancées techniques, des mutations sociales significatives afin de mieux comprendre les dynamiques qui animent aujourd’hui le design.
× Acquérir des méthodes d’analyse et un regard critique.

Contenu :
Les racines du design industriel à l’épreuve de la caricature.

Ce cours propose d’analyser une sélection d’images et de textes satiriques dépeignant à très gros traits la naissance du design industriel, comme autant de clés de compréhension et de jalons historiques majeurs.

En 1914, lors d’un débat assez confidentiel organisé à Cologne, des artistes menés par Henry van de Velde refusent de soumettre les formes qu’ils conçoivent aux normes industrielles et par là même de sacrifier leur individualité sur « l’autel du type », ainsi que l’aurait souhaité l’architecte Hermann Muthesius. Un caricaturiste, Karl Arnold, a tourné en dérision cette querelle dans Simplicissimus, un journal satirique à grand tirage : « Van de Velde propose une chaise individualiste, Muthesius une chaise standard et le menuiser réfléchit à une chaise pour s’asseoir. » Quelques années auparavant, les sources d’inspiration d’Adolf Loos, auteur d’un très polémique essai intitulé « Ornement et crime », avaient elles aussi été sévèrement moquées. Un dessin représentant l’architecte viennois en train de contempler une plaque d’égout est ainsi légendé : « L’homme vraiment moderne se promène dans la rue, plongé dans une réflexion sur l’art. Il s’arrête soudain pétrifié. Il a trouvé ce qu’il cherchait depuis si longtemps. » De la fantasmagorie médiévale de William Morris au rationalisme radical des maîtres du Bauhaus en passant par le « style Nouille » de Hector Guimard, les œuvres, controverses et idées fondatrices du design industriel ont fait l’objet de nombreuses caricatures au statut ambigu. Tout en tâchant de discréditer leur sujet, celles-ci révèlent en effet la progressive percée dans le quotidien d’une pratique encore avant-gardiste.

Mode d'évaluation :
En continu

Bibliographie :
GIEDION Sigfried, La Mécanisation au pouvoir : contribution à l'histoire anonyme, Centre Pompidou, CCI, 1980 (1948).
HAYDEN Dolores, The Grand Domestic Revolution: A History of Feminist Designs for American Homes, Neighborhoods, and Cities, MIT Press, 1981.
JARRIGE François, Technocritiques, du refus des machines à la contestation des technosciences, La Découverte, 2014.
MORRIS William, L’Âge de l’ersatz et autres textes contre la civilisation moderne, Paris, Encyclopédie des nuisances, 1996.
RICHARD Lionel, Comprendre le Bauhaus, Gollion, Infolio, 2009.
SCHIVELBUSCH Wolfgang, La Nuit désenchantée : à propos de l'histoire de l'éclairage artificiel au XIXe siècle, Paris, Le Promeneur, 1993 (1988).

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier a une double finalité : initier les étudiant.es aux formes de l’écrit propres aux champs de l’art et du design et les accompagner dans l’exercice d’écriture. Il s’agira de découvrir des textes classiques plus ou moins anciens, de se familiariser avec les formes de l’écrit dans les champs de l'art et du design, et plus largement dans le champ culturel contemporain : écrits théoriques, communiqués de presses, articles de presses, paratextes divers, etc.

Contenu :
On souhaite, pendant le premier semestre, aborder à l'occasion de chaque cour, une nouvelle figure de l'artiste contemporain, qui emprunte à une profession non-artistique ses caractéristiques : l'artiste comme historien, l'artiste comme militant, l'artiste comme soignant, l'artiste comme pédagogue, etc.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.
Notation : présence et production textuelle.

Bibliographie :
- Giorgio Vasari, Vie des artistes
-

Support de cours :
Les cours seront articulés en ateliers, accompagnés de quelques cours généraux.
Des visites d'exposition seront organisées.

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et développer l'activité de recherche d'informations et la constitution d'une base de données nécessaires à l'élaboration d'une méthode de travail et à la mise en place d'une problématique individuelle.

Contenu :
Le travail de documentation fait partie intégrante des enseignements théoriques et plastiques. Ses orientations et contenus sont directement liés à l'enseignement en question et aux décisions quant à la constitution même du travail de l'étudiant.
Ainsi, si la collection d'informations s'avère un moment indispensable à toute démarche de création (l'archive comme matière), en design tout autant qu'en art, il est tout aussi important de se poser la question des modalités de production d'informations et d'archives de cette démarche même (la matière comme archive), quand celle-ci ne va pas jusqu'à se superposer à elle pour construire un travail d'auteur qui se veuille 'documentariste'.
À noter que le travail de documentation est pour partie constitué d'éléments exogènes aux champs de la création et, qu'il peut, de par la nature de leur traitement, permettre d'interroger les limites de ces derniers.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Au semestre 1, cet enseignement est pleinement intégré aux différents cours et ateliers.

Objectifs pédagogiques :
Le programme pour l’atelier IMAGES/ ESPACES est construit sur la dynamique de la recherche et de l’expérimentation prolifique.
C’est un lieu où la transmission pédagogique n’est pas dissociable de la pratique.
Le travail dans l’atelier est un temps particulier et régulier de mise en commun des recherches.
Il s’agit d’apprendre à présenter son travail au sein du groupe et la rencontre individualisée en est le développement.

Contenu :
Le temps d’enseignement est construit en trois axes distincts :
Suites/Séries/Séquences ; ce sont des projets qui reposent sur l’approfondissement de l’expérimentation.
La confrontation aux expositions et aux œuvres est le préalable indispensable à la construction d’un socle de connaissances artistiques.
Nous travaillerons à saisir les écarts entre les intentions et les faits ; pendant et après l’accrochage toutes les semaines paires.

Mode d'évaluation :
L’évaluation est continue :
Assiduité, engagement personnel, qualités sémantiques, progressions des réalisations et précisions dans les spatialisations.

Bibliographie :
- François Soulages et Marc Tamisier, « Photographie contemporaine et art contemporain; l'image et les images », Klincksieck
- Régis Durand, « Habiter l’image », Marval, 1994
- « Art conceptuel, une entologie », MIX, 2008
-« L'expérience des images », Marc Augé, Georges Didi-Huberman, Umberto Eco, INA Editions, 2011
-«Architecture radicale» Iac, Seuil, 2001

Support de cours :
Nous examinerons les réalisations chaque semestre autour d’un archivage et d’une alternative éditoriale. L’ensemble comprendra des images et des textes issus des carnets de recherches.
Cette production exprimera les temps forts d’un parcours, d’un cheminement et les prémisses d’une position engagée.

Objectifs pédagogiques :
Initiation au design d'espace en année propédeutique

Contenu :
Dans le cours laps de temps imparti (5 séances) cet atelier se propose de donner à comprendre aux étudiant·es comment s’élabore un processus de projet en design d’espace. Plus précisément : comment à partir des désirs et intuitions personnels que suscite la relation à un contexte se construit un parti-pris ouvert, relié, intégrant la notion d’altérité, et générant un dispositif formel capable d’opérer sur le réel, ce qui est le propre du design.
Les propositions s’inscriront dans l’espace public, ou collectif. Cela posé comme une radicalité fondatrice.
L’esprit général est d’envisager les formes en liens avec les relations et les émotions, de développer de formes d’attention, de partage et d’alliances. De réfléchir sur l’en-commun.
Pour être très rapidement dans des choses concrètes, plusieurs points de départs, thématiques ou cadre de projets seront proposés lors de la première séance et discutés, complétés ou remplacés par d’autres lors d’un moment de brain-storming. Un cours introductif donnera des exemples et des notions-clés (échelle, contexte, adresse, situation et évènement, espace et temps, chorégraphie urbaine, corps et espace, care sapatial, inclusivités)

Le projet final convoquera différents registres tels que : micro architecture, dispositif, objet, installation, design d’événement. Et, sur tout ou partie du projet, génèrera une manière de le transcrire à une autre échelle (images, maquettes, etc....beaucoup de choses sont possibles)

L'atelier valorisera la dimension collective dans le travail : travail les projets en groupes (de deux à six personnes) - mise en lien si possible des projets entre eux -et en même temps attention portée à la conscience d’un enjeux personnel à définir par chacun.e

Mode d'évaluation :
Présence obligatoire : temps collectifs sur les 2 premiers cours et le dernier + RDV à chaque séance
Contrôle continu et accrochage lors de la dernière séance

Bibliographie :
FILMS DOCUMENTAIRES:
«Les visionnaires-Une autre histoire de l'architecture» de Julien DONADA, 2013 (à la Bibliothèque de Vaise)

«La bulle et l'architecte - Pascal Häusermann» de Julien DONADA, 2003 (à la Bibliothèque ENSBA)

Série «Architectures»- Stan NEUMANN, Richard COPANS - ARTE
C'est une série de petits films de 30mn très bien faits sur des projets historiques ou emblématiques.
Les 46 épisodes sont en ligne grâce à ce lien:
https://www.youtube.com/playlist?list=PLJ-b2bAmE1F3AzKWbsg3Hp0eyoUdavXLe

'Dona Haraway: Story telling for earthly survival' de Fabrizzio TERRANOVA, 2016
https://www.on-tenk.com/fr/documentaires/parole/donna-haraway-story-telling-for-earthly-survival

BIBLIOGRAPHIE:
«Être au monde - quelle expérience commune?» Philippe DESCOLA et Tim INGOLD - présenté par Miche LUSSAULT- Presses Universitaires de Lyon, 2014

«La pensée paysagère» Augustin BERQUE, 2016 -
Le site d'Augustin BERQUE est très riche aussi http://ecoumene.blogspot.com/

«Architecture Radicale» Frédéric MIGAYROU -­ Institut D'art Contemporain-IAC Villeurnanne, 2001

« La dimension cachée » Edward T. HALL, 1966

« New-York delire » Rem KOOLHAAS, 1978

« Manuel d'instruction pour le vaisseau spatial Terre », Richard BUCKMINSTER FULLER, 1969, réed. 2010 Lars Muller Editions
« The Manhattan transcripts», Bernard TSCHUMI, 1995

« L'architecture comme relation » Patrick BOUCHAIN , 2018

« Danses tracées: dessins et notation des chorégraphes», Laurence LOUPPE, 1991

« Histoires de gestes», Marie GLON et Isabelle LAUNAY, 2012

«L'art en commun – Réinventer les formes du collectif en contexte démocratique», Estelle ZHONG MENGUAL, 2019

«Habiter en lutte. Zad de Notre-Dame-des-Landes. Quarante ans de résistance », COLLECTIF COMM’UN, 2019,

«Des voix s'élèvent : féminismes et architecture» Stéphanie DADOUR, 2022

«Artistes mais femmes - Une enquête sociologique dans l'art contemporain», Mathilde PROVANSAL, 2023

«Le soin des choses, politiques de la maintenance» Jérôme DENIS et David PONTILLE, 2022

«Pourquoi le smartphone fera échouer la transition écologique»,Floyd NOVAK, 2023

PDF : Thèse de doctorat de Emmanuelle BECQUEMIN (ENSCI/Sorbonne) en 2021

'Performer l'usage, une poétique-fiction'

https://ecm.univ-paris1.fr/nuxeo/site/esupversions/2ae41414-6f35-4e65-9ab8-919264ac54b6

Support de cours :
Des éléments seront donnés lors des séances introductives, pistes de références pour des recherches en autonomie

Objectifs pédagogiques :
Découvrir le design textile de manière expérimentale.
Élargir son champs des possibles grâce au support tissu.
Travailler en groupe sur un projet et communiquer dessus.
Appréhender la surface tissu, sa matière, utiliser des techniques libres sur la matière.
Définir la notion de collection.

Contenu :
Aider l'élève à travailler des nouvelles techniques liées au médium tissu.
Découvrir des contemporains utilisant ce médium dans le champs de l'art et du design.

Mode d'évaluation :
Notation au projet

Bibliographie :
Bibliographie adaptée projet, et selon les besoins de l'élève.

Objectifs pédagogiques :
Les initiations techniques et technologiques se déroulent lors de l'année 1 et ont pour premier objectif la découverte et la connaissance du fonctionnement des pôles technologiques de l'école. Celles-ci se déroulent sous forme de stages où l'étudiant est conduit à acquérir les compétences minimum nécessaires à l’expérimentation plastique et à l'apprentissage des processus de création.

Contenu :
Les initiations consistent en l'apprentissage des outils et leur mise en pratique autour de médias ou de techniques spécifiques. Les initiations se déroulent dans les différents pôles technologiques de l'école et sont conduites par des équipes de professeurs de l'année 1 en collaboration avec les professeurs responsables des pôles et les différents techniciens.
Elles sont en résonance avec les divers champs de la création contemporaine et concernent des domaines tels qu'informatique, photographie argentique, photographie numérique, estampes (édition et multiple), volume et sculpture, etc.

Une présentation des contenus est proposée afin de percevoir l’articulation entre pratique et théorie et les enjeux historiques. Le travail pratique en atelier est guidé par un ou plusieurs enseignants référents.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier se propose de poursuivre avec énergie et mobilité le travail d'initiation engagé en début de première année dans les différents pôles techniques de l'école. Il s'agira de développer une pratique expérimentale de l'image – qu'elle soit photographique, imprimée ou dessinée – associée à des connaissances théoriques, et d'ouvrir ainsi un champ riche de travail pour chaque étudiant dans le domaine transdisciplinaire des arts graphiques. Nous prendrons en compte les « arts à la machine » (et notamment la caméra) comme des instruments de perception et de jeu, pour, je l'espère, en faire peu à peu des outils capables de produire des situations d'expériences. Ce projet ne se fera pas sans une grande attention à vos processus artistiques, à vos intérêts artistiques individuels et collectifs, à vos gestes et aux formes qui en découleront. Ils constitueront, en atelier, le socle de discussions communes.

Contenu :
Le travail de documentation fait déjà aujourd'hui partie de la transmission de votre pratique ; il participe aussi de toute recherche théorique sérieuse que l'on soit historien, scientifique ou artiste. Qu'est-ce qu'un document ? Comment une image, une reproduction d'oeuvre documente-elle un propos ? Nous nous intéresserons aussi aux enjeux du travail d’articulation d’une iconographie et à ses possibles mise-en-forme, en examinant notamment des tentatives diverses (livre d'artistes, éditions, films-essais, etc).
La photographie numérique et argentique, le montage vidéo, le montage photographique et le collage ou encore les techniques de la gravure et de l’impression seront des pratiques abordées en relation avec les trois pôles techniques de l’école : édition, images-mouvement, photographie. Des exercices collectifs et individuel pourront être proposés. L'atelier proposera ainsi une introduction à des problématiques propre au design graphique (le montage d'image) et au design textile (l'impression).

Mode d'évaluation :
Participation active à l'atelier et aux cours proposés, contrôle continu au regard de la qualité des travaux rendus et de l'évolution de la pratique et bilan semestriel

Bibliographie :
- Henri Focillon, Maîtres de l'estampes, Paris, Flammarion (coll.Images et Idées), 1969.
- Jean-François Chevrier, Entre les beaux-arts et les médias : photographie et art moderne, Paris, Éd. L'arachnéen, 2010, Les relations du corps, Éd. L'arachnéen, 2010, et Œuvre et activité, Éd. L'arachnéen, 2015
- Pierre Reverdy, Note éternelle du présent, écrits sur l'art (1923-1960), Paris, Flammarion, 1973
- Olivier Boulnois, Au delà de l'image, Une archéologie visuel au Moyen-Âge, Ve-XVIe siècle, Paris, Éd. du Seuil, 2018
- Charles Baudelaire, « Le public moderne et la photographie » et « le peintre de la vie moderne » dans le « Salon de 1859 », Critique d'art, Paris, Gallimard (coll.Folio essais n°183), 1992
- Jeff Wall, Essais et entretiens, 1984-2001, Paris, Ensba Éd., 2001
- « Le parti pris du document, littérature, photographie, cinéma et architecture au XXe siècle », revue Communication n°71, Éd. du Seuil, 2001
- Steen Eiler Rasmussen, Découvrir l'architecture, Paris, Le linteau, 2002
- Fanny Béguery et Adrien Malcor, Enfantillages outillés, un atelier sur la machine,Paris, Éd. L'arachnéen, 2016

Objectifs pédagogiques :
Ce cours apprend aux étudiants à reconnaître et à manipuler les éléments fondamentaux du dessin : la ligne, le volume, la forme, la composition et de l'espace. L'accent est mis sur le fait de voir activement et de travailler avec précision à partir de l'observation. Les élèves explorent une variété de matériaux et de méthodes, tout en travaillant directement à partir de l'observation, y compris la nature morte, le modèle vivant, l'espace architectural intérieur/extérieur et le monde naturel. Les travaux portent sur des questions techniques et conceptuelles liées à l'histoire de l'art et la pratique de l'art contemporain. Par l'observation intense, le dessin et la critique, les élèves développeront une pratique du dessin qui combine la pensée technique, expérimentale et critique.

Contenu :
· La capacité de dessiner à partir de l'observation.
· Articulation des préoccupations picturales de base, comme la ligne, le contour, la forme, la masse, la composition, l'espace.
· Comprendre l’importance du dessin à travers l’histoire de l’art.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu. Bilan semestriel

Bibliographie :
Drawing on the Right Side of the Brain: The Definitive, 4th Edition (Betty Edwards)
Josef Albers: To Open Eyes (Frederick A. Horowitz)
Drawing Lessons from the Great Masters (Robert Beverly Hale)
Contemporary Drawing: From the 1960s to Now (Katherine Stout)
John Berger: On Drawing

Objectifs pédagogiques :
Dans cet atelier pratique, il s’agit d’encourager le maximum d’expérimentation et de mobilité possible en structurant le travail pictural. Il ne vous sera pas demandé de circonscrire un territoire ou d’établir un projet, mais simplement de prendre conscience — lors des discussions et dans votre pratique entre les séances — des conséquences et des possibilités de vos choix formelles et de pousser le travail plus loin.

Contenu :
Un travail artistique résulte d’une accumulation de décisions prises de façon consciente ou inconsciente, par intuition ou par habitude, suivant, ou pas, des conventions ou des plans. Chacune de ces décisions modifie la qualité de la totalité de la construction.
Cette densité caractéristique des œuvres est particulièrement sensible en peinture, ou les couches se superposent et se cachent. Ce cours sera structuré pour nous permettre de prendre le temps de regarder attentivement ensemble tous les gestes qui constituent votre travail et ainsi de construire un espace de parole intermédiaire entre « l’espace mental » de chacun et « l’espace public » de présentation, en adoptant une position qui reste proche de celui ou celle qui fabrique et non pas de la critique qui interprète à partir de ce qu’il voit. La parole est active, elle fait partie du processus de travail et influe sur la production ; le travail sera toujours considéré comme un point dans une évolution et non comme une finalité.Au premier semestre, nous allons explorer et analyser les possibilités de combinaison de matériaux propres au champ pictural : liants, pigments et supports. Nous ferons un travail spécifique sur la couleur..

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Albers, J. (2010). Interaction of Color. Yale University Press.
Danilowitz, B., et Horowitz, F. A. (2009). Josef Albers : To Open Eyes. Phaidon Press.
Lippard, L. (1976). Eva Hesse. New York University Press.
Wall, J., (2018). Essais et entretiens. ed. Beaux-arts de Paris.
Wacker, N. (1984). La Peinture a Partir Du Materiau Brut Et Le Role De La Technique Dans La Creation D'Art. s.n..

Objectifs pédagogiques :
HÉMICORPS / HÉMICYCLE

Hémicorps n.m.
Moitié droite ou gauche du corps. [>Larousse]

Hémicycle, subst. masc.
A. − Lieu, espace ayant la forme d'un demi-cercle; en partic. amphithéâtre de forme demi-circulaire comportant des gradins. Hémicycle d'un théâtre, d'une cathédrale; abside en hémicycle; hémicycle de l'Assemblée Nationale [>cnrtl]

Dans notre atelier auront lieu des pratiques expérimentales (2/3 sculpture, 1/3 danse) à partir d’une réflexion à la fois anatomique, historique et spatiale sur l’hémicorps et l’hémicycle. Celles-ci prendront appui sur des œuvres et des textes spécifiques notamment celles de Yvonne Rainer, Oskar Schlemmer, Sami Ali, Hubert Godard, etc.

Contenu :
_ Le cours met en tension pratique de la performance et pratique sculpturale. Expérimentations spatiales et corporelles avec objets, sculptures, accessoires.

_Notre cours devrait permettre aux étudiant.e.s de tester, d’emprunter et d’élaborer des méthodes de travail évolutives ; celles-ci peuvent prendre pour point de départ des oeuvres ou déclarations d’artistes et créatures en tout genre. Nous travaillons notamment à partir de divers documents (vues d'expositions, textes, etc) relatifs à Monkey Island (1982-1983) de Mike Kelley (1954-2012). *Lors du premier cours, les étudiant.es ont par exemple dessiné les nombreux éléments de l'installation sans les avoir vus, à partir de leurs titres (la durée de réalisation du dessin était déterminée par la durée de morceaux de musique joués par Kelley lui-même).

-Tous les 15 jours, chacun.e partage des documents d’expérience élaborés en réponse à des instructions proposées pour la séance. Collectivement, nous regardons, analysons, associons.

-Mises en espace: dans la salle de cours, les étudiant.es doivent inventer des propositions spatiales élaborées collectivement à partir d'instructions relatives à l'hémicorps et à l'hémicycle. Tester des configurations, des situations, des points d’accroche présents dans le lieu, des modes de fixation, sans utiliser le mobilier habituellement présent dans la salle. Après un temps d’installation où les étudiant.e.s s’entraident, et font des photographies, le groupe analyse et ajuste l’ensemble des propositions.

Mode d'évaluation :
Les étudiant.e.s devront élaborer une recherche pratique à partir du cadre expérimental proposé. Les échanges critiques seront permanents.

Bibliographie :
Yvonne Rainer, Oskar Schlemmer, Sami Ali, Hubert Godard, Maria La Ribot, Didier Anzieu, Mike Kelley, Ericka Beckman, Paul B. Preciado, David Hammons, Lygia Pape, Xavier Leroy, Henrik Olesen, Charlotte Posenenske, André du Colombier, Constantin Brancusi, Pawel Althamer, Andrzej Wroblewski, Edward Krasinski, Pina Bausch, …

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Enrichir et asseoir les connaissances artistiques liées à l’environnement anglo-saxon, les stratégies d'écriture et d'écoute. Les cours d'anglais ont pour objectif d'améliorer l'aisance orale des étudiants dans des situations et contextes essentiellement liés au monde de l'art et à leurs études artistiques

Contenu :
Exposés (présentation d’un artiste et de l’une de ses oeuvres)
Etudes de vidéos, de photographies, de textes portant sur un artiste, un designer, un architecte...

Exercices sur le vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Bibliographie :
Cabinet Magazine, issue 41 infrastructure, Spring 2011
Burroughs W, Junkie, New York, 1953
The Saatchi 100, 53:23 mins, Illuminations, 2003

Support de cours :
Cours collectif, interventions individuelles, extraits de journaux, revues d'art / design et de livres, conférences filmées, documentaires

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
- Découvrir l’histoire de l’art en tant que discipline sous l’angle d’une histoire de l’art (en l’occurrence une histoire de l’art possible des avant-gardes en Europe de la première moitié du XXe siècle)
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Susciter le désir de voir, et de voir encore
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres, films…)
Ensuite, les désirs froids et l’inquiétude. Max Beckmann : « Je ne hais rien autant que la sentimentalité. Notre existence ébranlée me brûle. Plus est forte ma décision de fixer les choses indicibles de la vie, plus je serre les lèvres, tout à ma volonté froide de saisir cette monstrueuse et palpitante vitalité, de la supprimer et de l’étrangler, de l’emprisonner dans des lignes et des plans aussi nets comme du verre. »

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Allemagne, années 1920 : nouvelle objectivité, éd. Centre Pompidou, 2022
- La nouvelle objectivité : textes critiques, 1925-1935, éd. Centre Pompidou, 2022
- Max Beckmann, Écrits, éd. Ensba, 2002

Support de cours :
Cours magistral, participation toutefois requise

Objectifs pédagogiques :
Dans ce cours théorique et pratique, l'étudiant.e est invité.e à découvrir le champ des humanités numériques (de l'anglais « Digital Humanities »).

Contenu :
Plus généralement, il s'agira de s'interroger et de voir en quoi l'informatique impacte les manières de faire et d'expérimenter l'art aujourd'hui.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Sitographie :
Ressources cours : http://www.twitter.com/enbanf
« Erreur d’impression. Publier à l’ère du numérique » : http://espacevirtuel.jeudepaume.org/erreur-dimpression-1674/
Open Source Publishing : http://osp.kitchen


- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Support de cours :
Cours magistral augmenté d'exemples pratiques.

Objectifs pédagogiques :
Dans la perspective de l’examen du semestre 2, le projet-mémoire est une première approche d'un travail théorique personnel. Il consiste en l'élaboration d'un document portant sur les références artistiques de l'étudiant et son inscription personnelle dans le champ de la création ; il aborde l’énonciation d'une problématique et d’une pensée en relation avec la pratique plastique.

Contenu :
À partir des cours et séminaires ainsi que des recherches personnelles, l'étudiant choisira quelques notions qui lui paraissent importantes. Il est essentiel d'établir entre ces notions et l'iconographie choisie des liens qui permettent à l'étudiant d'envisager un champ de recherche à développer. Le projet/mémoire se compose d’un texte écrit accompagné d'images qui témoignent d'une recherche iconographique personnelle et d’un travail sur sa forme plastique. Cet ensemble doit être mis en forme de façon construite. Il devra permettre au jury d'évaluer à la fois la compréhension des lectures et des cours et la capacité d'établir des liens entre eux et les pratiques plastiques en vue de la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel dans le cadre de l'examen de fin d'année.

Support de cours :
Cours collectif et entretiens individuels.

Objectifs pédagogiques :
Donner aux étudiant.e.s des clés de compréhension théorique de leur pratique artistique et du milieu dans lequel elle s'inscrit.

Contenu :
Dans ce cours de deux heures, on traitera à partir de textes situés et analysés des questions philosophiques contemporaines. Il s’agira de faire connaître et d’expliquer les outils conceptuels permettant de penser, à titre d’exemples, le contemporain (lui-même) ou encore, l’hypothèse de l’anthropocène, la critique de l’appropriation culturelle, la question de l’identité (en explorant par exemple les féminismes, la figure de la sorcière mais aussi l’intersectionnalité). Autant de notions qui s’imposent à notre temps et dont il est utile, pour qui veut y inventer des propositions artistiques et poétiques, de connaître les soubassements philosophiques.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu (assiduité) + note de fiche de lecture

Bibliographie :
C. GREENBERG, Art et culture, trad. franç., Macula, Paris, 1988
S. GUILBAUT, « La Terrifiante Liberté du pinceau, Le Boston Institute of Contemporary Art et l'art moderne », in Voir, ne pas voir, faut voir, Jacqueline Chambon, Nîmes, 1993
Y. MICHAUD, L'Art à l'état gazeux, essai sur le triomphe de l'esthétique (2003), Hachette Littérature, Paris, 2004
C. MILLET, L'Art contemporain, histoire et géographie (1997), Flammarion, Paris, 2006.
※ Le marché de l'art contemporain
H.-S. BECKER, Les Mondes de l'art, ibid., 1988
H. BELLET, Le marché de l'art s'écroule demain à 18 h 30, Nil, Paris, 2001
F. BENHAMOU, L'Économie du star-system, Odile Jacob, Paris, 2002
J. BENHAMOU-HUET, Art Business (2), Assouline, Paris, 2007
L. BOLTANSKI et E. CHIAPPELLO, Le Nouvel Esprit du capitalisme, Gallimard, Paris, 1999
W. D. GRAMPP, Pricing the Priceless : Art, Artists and Economics, Basic Books, New York, 1989
X. GREFFE, Artistes et marchés, La Documentation française, Paris, 2007
N. HEINICH, L'Élite artiste, Gallimard, 2005
L. KARPIK, L'Économie des singularités, ibid., 2007
P.-M. MENGER, « L'Hégémonie parisienne. Économie et politique de la gravitation artistique », in Annales E.S.C., nov.-déc. 1993 ; Portrait de l'artiste en travailleur. Métamorphoses du capitalisme, La République des Idées-Seuil, Paris, 2003 ; Le Travail créateur, Seuil-Gallimard, 2009
C. MILLET, L'Art contemporain. Histoire et géographie, coll. Champs, Flammarion, 2006
R. MOULIN, L'Artiste, l'institution et le marché, ibid., 1997 ; Le Marché de l'art. Mondialisation et nouvelles technologies, Champs arts, 2009
N. MOUREAU et D. SAGOT-DUVAUROUX, Le Marché de l'art contemporain, La Découverte, Paris, 2006
A. QUEMIN, L'Art contemporain international : entre les institutions et le marché, Jacqueline Chambon-Artprice, Paris - Saint-Romain-au-Mont-d'Or, 2002
« L'Art dans la mondialisation », in Questions internationales, no 42, La Documentation française, Paris, 2010
J-M. SCHMITT, Le Marché de l'art, ibid., 2008
K. SIEGEL et P. MATTICK, Question d'art. Argent, trad. M. Hechter et M.-H. Dumas, Thames et Hudson, Londres, 2005.

Objectifs pédagogiques :
Construire les traces de sa méthode, enregistrer et apprendre à organiser ce qui sert à réfléchir, à travailler.
Donner à voir ses approches, même si celles-ci sont incertaines ou en esquisses.
Savoir montrer les 'dessous' du travail.

Contenu :
Les questions les plus actuelles seront mises en échos, en dialogues avec les expériences passées.
Regards sur les processus de recherche des artistes, les notes, les écrits, les incertitudes, les projets non-réalisés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel collégial.

Bibliographie :
- « Les Carnets de Léonard de Vinci », préface de Paul Valéry, Gallimard
- « Passages : Victor Burgin », catalogue d'exposition Musée d'Art Moderne de Villeneuve d'Ascq

Support de cours :
Ateliers collectifs et cours magistral.

Objectifs pédagogiques :
× Connaître et identifier les fondements historiques d’une pratique définie par de nombreux contrats (social, moral, économique, esthétique, technique et avant tout politique) : le design.
× Questionner les liens historiques qui unissent avant-gardes artistiques et pionnier·ère·s du design.
× Révéler des lignées de concepteur·rice·s, des avancées techniques, des mutations sociales significatives afin de mieux comprendre les dynamiques qui animent aujourd’hui le design.
× Acquérir des méthodes d’analyse et un regard critique.

Contenu :
Les racines du design industriel à l’épreuve de la caricature.

Ce cours propose d’analyser une sélection d’images et de textes satiriques dépeignant à très gros traits la naissance du design industriel, comme autant de clés de compréhension et de jalons historiques majeurs.

En 1914, lors d’un débat assez confidentiel organisé à Cologne, des artistes menés par Henry van de Velde refusent de soumettre les formes qu’ils conçoivent aux normes industrielles et par là même de sacrifier leur individualité sur « l’autel du type », ainsi que l’aurait souhaité l’architecte Hermann Muthesius. Un caricaturiste, Karl Arnold, a tourné en dérision cette querelle dans Simplicissimus, un journal satirique à grand tirage : « Van de Velde propose une chaise individualiste, Muthesius une chaise standard et le menuiser réfléchit à une chaise pour s’asseoir. » Quelques années auparavant, les sources d’inspiration d’Adolf Loos, auteur d’un très polémique essai intitulé « Ornement et crime », avaient elles aussi été sévèrement moquées. Un dessin représentant l’architecte viennois en train de contempler une plaque d’égout est ainsi légendé : « L’homme vraiment moderne se promène dans la rue, plongé dans une réflexion sur l’art. Il s’arrête soudain pétrifié. Il a trouvé ce qu’il cherchait depuis si longtemps. » De la fantasmagorie médiévale de William Morris au rationalisme radical des maîtres du Bauhaus en passant par le « style Nouille » de Hector Guimard, les œuvres, controverses et idées fondatrices du design industriel ont fait l’objet de nombreuses caricatures au statut ambigu. Tout en tâchant de discréditer leur sujet, celles-ci révèlent en effet la progressive percée dans le quotidien d’une pratique encore avant-gardiste.

Mode d'évaluation :
En continu

Bibliographie :
GIEDION Sigfried, La Mécanisation au pouvoir : contribution à l'histoire anonyme, Centre Pompidou, CCI, 1980 (1948).
HAYDEN Dolores, The Grand Domestic Revolution: A History of Feminist Designs for American Homes, Neighborhoods, and Cities, MIT Press, 1981.
JARRIGE François, Technocritiques, du refus des machines à la contestation des technosciences, La Découverte, 2014.
MORRIS William, L’Âge de l’ersatz et autres textes contre la civilisation moderne, Paris, Encyclopédie des nuisances, 1996.
RICHARD Lionel, Comprendre le Bauhaus, Gollion, Infolio, 2009.
SCHIVELBUSCH Wolfgang, La Nuit désenchantée : à propos de l'histoire de l'éclairage artificiel au XIXe siècle, Paris, Le Promeneur, 1993 (1988).

Objectifs pédagogiques :
Il s'agit pour l'étudiant·e de porter son attention sur des pratiques artistiques et culturelles contemporaines (tous domaines et médiums confondus) et de cerner, au travers de leur comparaison, les différentes façons dont ces pratiques abordent des objets similaires. La préparation du mémoire sera l'occasion d'effectuer un travail de recherche documentaire et iconographique.

Contenu :
La première partie du second semestre sera consacrée à l'accompagnement de la préparation et rédaction des mémoires. Il sera conduit par groupes de discussion afin que les étudiant.e.s échangent sur les phases de recherche et de rédaction. Les cours de la fin de l'année seront consacrés à des questions d'esthétique.

Mode d'évaluation :
Texte à rendre.

Objectifs pédagogiques :
Découvrir et développer l'activité de recherche d'informations et la constitution d'une base de données nécessaires à l'élaboration d'une méthode de travail et à la mise en place d'une problématique individuelle.

Contenu :
Le travail de documentation fait partie intégrante des enseignements théoriques et plastiques. Ses orientations et contenus sont directement liés à l'enseignement en question et aux décisions quant à la constitution même du travail de l'étudiant.
Ainsi, si la collection d'informations s'avère un moment indispensable à toute démarche de création (l'archive comme matière), en design tout autant qu'en art, il est tout aussi important de se poser la question des modalités de production d'informations et d'archives de cette démarche même (la matière comme archive), quand celle-ci ne va pas jusqu'à se superposer à elle pour construire un travail d'auteur qui se veuille 'documentariste'.
À noter que le travail de documentation est pour partie constitué d'éléments exogènes aux champs de la création et, qu'il peut, de par la nature de leur traitement, permettre d'interroger les limites de ces derniers.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Support de cours :
Au semestre 2, cet enseignement est pleinement intégré aux différents cours et ateliers.

Objectifs pédagogiques :
Introduction aux options art et design de l'école ; approche des différentes démarches, thématiques et contenus et méthodes de travail à travers documentation, références et expérimentation.

Contenu :
Au cours d'une série de workshops proposés par les options art et design, l'accent est mis sur les différences d'approche méthodologique et les enjeux significatifs de chaque option. Un travail de documentation et un travail final se construit en résonance avec les contraintes et thématiques plastiques proposées.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu pendant la durée du workshop et synthèse lors du bilan semestriel dans le cadre de l'examen de fin d'année.

Bibliographie :
Les références bibliographiques changent en fonction des intervenants, elles sont communiquées avant chaque workshop.

Objectifs pédagogiques :
L’intégration progressive d’un travail d’articulation des formes entre elles dans votre pratique et une prise en considération des enjeux des situations spatiales dans le travail en atelier.

Contenu :
Pour ce travail, vous pouvez mobiliser tous les travaux des cours pratiques et éventuellement les images et documents de votre iconographie.

Mode d'évaluation :
collégiale

Objectifs pédagogiques :
L’atelier est le lieu où les formes liées aux pratiques de l’image sont étudiées :
- Ressentir les relations entre ce qui est observé et l’espace construit des images.
- Construire une relation au monde par l’observation et sa transformation dans un projet sensible.
- Apprendre à chercher, à développer, à inventer, à expérimenter des formes en relation avec le temps, l’espace et le corps.

Contenu :
À partir des travaux dirigés ; le cours sera centré sur la production d'images bi ou tridimensionnelles.
La photographie, la vidéo, le dessin, l’installation… Seront les médiums non exclusifs de cette approche, mais tous interrogeront nôtre relation aux images.
Quelles décisions suis-je amené(e) à prendre au cours du processus ? Comment ? Quels sont les outils que j’utilise ? Pourquoi ? Quelles décisions sont prises au cours de la présentation ?
Les différentes étapes permettront d’analyser et de différencier les statuts de l’image.

Mode d'évaluation :
L’évaluation est continue :
Assiduité, engagement personnel, qualités sémantiques, progressions des réalisations et précisions dans les spatialisations.

Bibliographie :
- François Soulages et Marc Tamisier, « Photographie contemporaine et art contemporain; l'image et les images », Klincksieck
- Régis Durand, « Habiter l’image », Marval, 1994
- « Art conceptuel, une entologie », MIX, 2008
-« L'expérience des images », Marc Augé, Georges Didi-Huberman, Umberto Eco, INA Editions, 2011
-«Architecture radicale» Iac, Seuil, 2001

Support de cours :
Nous examinerons les réalisations chaque semestre autour d’un archivage et d’une alternative éditoriale. L’ensemble comprendra des images et des textes issus des carnets de recherches.
Cette production exprimera les temps forts d’un parcours, d’un cheminement et les prémisses d’une position engagée.

Objectifs pédagogiques :
Initiation à la pratique du design graphique, ses outils et ses enjeux.

Contenu :
Au cours de quatre ateliers, les étudiants découvriront l’élaboration d’un objet éditorial depuis le signe, son élément constitutif le plus petit (micro), jusqu’au développement d’un objet autonome déployant une séquence de pages mêlant texte et images (macro). Les ateliers s’appuieront sur des objets d’études ainsi que sur l’initiation aux questions d’impression et de fabrication.

Mode d'évaluation :
Assiduité, participation et capacité de production.

Objectifs pédagogiques :
Les étudiants seront amenés à observer précisément leurs stratégies de travail, d'affiner leur critères de comparaison et donc de choix, de préciser leurs gestes, d'inventer des stratégies et des règles de jeu.

Contenu :
Afin de familiariser les étudiant-es aux pratiques pédagogiques de l'année 2 art, des professeur-es du premier cycle art 2/3 interviennent directement avec l'ensemble des étudiant-es sur une proposition précise qui leur demande un positionnement personnel, plastique pour mesurer leurs capacités à envisager le travail de projet.

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier se propose de poursuivre avec énergie et mobilité le travail d'initiation engagé en début de première année dans les différents pôles techniques de l'école. Il s'agira de développer une pratique expérimentale de l'image – qu'elle soit photographique, imprimée ou dessinée – associée à des connaissances théoriques, et d'ouvrir ainsi un champ riche de travail pour chaque étudiant dans le domaine transdisciplinaire des arts graphiques. Nous prendrons en compte les « arts à la machine » (et notamment la caméra) comme des instruments de perception et de jeu, pour, je l'espère, en faire peu à peu des outils capables de produire des situations d'expériences. Ce projet ne se fera pas sans une grande attention à vos processus artistiques, à vos intérêts artistiques individuels et collectifs, à vos gestes et aux formes qui en découleront. Ils constitueront, en atelier, le socle de discussions communes.

Contenu :
Le travail de documentation fait déjà aujourd'hui partie de la transmission de votre pratique ; il participe aussi de toute recherche théorique sérieuse que l'on soit historien, scientifique ou artiste. Qu'est-ce qu'un document ? Comment une image, une reproduction d'oeuvre documente-elle un propos ? Nous nous intéresserons aussi aux enjeux du travail d’articulation d’une iconographie et à ses possibles mise-en-forme, en examinant notamment des tentatives diverses (livre d'artistes, éditions, films-essais, etc).
La photographie numérique et argentique, le montage vidéo, le montage photographique et le collage ou encore les techniques de la gravure et de l’impression seront des pratiques abordées en relation avec les trois pôles techniques de l’école : édition, images-mouvement, photographie. Des exercices collectifs et individuel pourront être proposés. L'atelier proposera ainsi une introduction à des problématiques propre au design graphique (le montage d'image) et au design textile (l'impression).

Mode d'évaluation :
Participation active à l'atelier et aux cours proposés, contrôle continu au regard de la qualité des travaux rendus et de l'évolution de la pratique et bilan semestriel

Bibliographie :
- Henri Focillon, Maîtres de l'estampes, Paris, Flammarion (coll.Images et Idées), 1969.
- Jean-François Chevrier, Entre les beaux-arts et les médias : photographie et art moderne, Paris, Éd. L'arachnéen, 2010, Les relations du corps, Éd. L'arachnéen, 2010, et Œuvre et activité, Éd. L'arachnéen, 2015
- Pierre Reverdy, Note éternelle du présent, écrits sur l'art (1923-1960), Paris, Flammarion, 1973
- Olivier Boulnois, Au delà de l'image, Une archéologie visuel au Moyen-Âge, Ve-XVIe siècle, Paris, Éd. du Seuil, 2018
- Charles Baudelaire, « Le public moderne et la photographie » et « le peintre de la vie moderne » dans le « Salon de 1859 », Critique d'art, Paris, Gallimard (coll.Folio essais n°183), 1992
- Jeff Wall, Essais et entretiens, 1984-2001, Paris, Ensba Éd., 2001
- « Le parti pris du document, littérature, photographie, cinéma et architecture au XXe siècle », revue Communication n°71, Éd. du Seuil, 2001
- Steen Eiler Rasmussen, Découvrir l'architecture, Paris, Le linteau, 2002
- Fanny Béguery et Adrien Malcor, Enfantillages outillés, un atelier sur la machine,Paris, Éd. L'arachnéen, 2016

Objectifs pédagogiques :
Ce cours apprend aux étudiants à reconnaître et à manipuler les éléments fondamentaux du dessin : la ligne, le volume, la forme, la composition et de l'espace. L'accent est mis sur le fait de voir activement et de travailler avec précision à partir de l'observation. Les élèves explorent une variété de matériaux et de méthodes, tout en travaillant directement à partir de l'observation, y compris la nature morte, le modèle, l'espace architectural intérieur/extérieur et le monde naturel. Les travaux portent sur des questions techniques et conceptuelles évoquées par l'histoire de l'art et la pratique de l'art contemporain. Par l'observation intense, le dessin et la critique, les élèves développeront une pratique du dessin qui combine la pensée technique, expérimentale et critique.

Contenu :
· La capacité de dessiner à partir de l'observation.
· Articulation des préoccupations picturales de base, comme la ligne, le contour, la forme, la masse, la composition, l'espace.
· Comprendre l’importance du dessin à travers l’histoire de l’art.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu. Bilan semestriel

Bibliographie :
Drawing on the Right Side of the Brain: The Definitive, 4th Edition (Betty Edwards)
Josef Albers: To Open Eyes (Frederick A. Horowitz)
Drawing Lessons from the Great Masters (Robert Beverly Hale)
Contemporary Drawing: From the 1960s to Now (Katherine Stout)
John Berger: On Drawing

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit de poser les fondations qui permettront le maximum d’expérimentation et de mobilité possible dans le champs pictural dans vos années d'études.
Plutôt que de circonscrire un territoire ou d’établir un projet, nus chercherons à prendre le plus possible conscience des conséquences et des possibilités de vos choix formelles et de pousser le travail plus loin.

Contenu :
Ce semestre, nous allons étudier ensemble des modèles picturaux complexes, éloignés, dans leurs structures et leurs formes, des images enregistrées qui sont omniprésentes dans notre culture contemporaine.
Lors des séances collectives, nous regarderons attentivement les gestes et les choix qui constituent le travail de chacun.e en nous efforçant de décrire le plus précisément possible ce que l’on voit.
Il vous sera demandé de travailler par variations pour gagner en précision, et de mettre en place une dynamique de travail régulier en atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Blake, W. (2001). William Blake : The Complete Illuminated Books. Thames et Hudson.
Clark, T. J. (2006). The Sight of Death : An experiment in art writing. Yale University Press.
Clark, T. J. (1999). Farewell to an Idea : Episodes from a history of modernism. Yale University Press.

Objectifs pédagogiques :
HÉMICORPS / HÉMICYCLE

Hémicorps n.m.
Moitié droite ou gauche du corps. [>Larousse]

Hémicycle, subst. masc.
A. − Lieu, espace ayant la forme d'un demi-cercle; en partic. amphithéâtre de forme demi-circulaire comportant des gradins. Hémicycle d'un théâtre, d'une cathédrale; abside en hémicycle; hémicycle de l'Assemblée Nationale [>cnrtl]

Dans notre atelier auront lieu des pratiques expérimentales (2/3 sculpture, 1/3 danse) à partir d’une réflexion à la fois anatomique, historique et spatiale sur l’hémicorps et l’hémicycle. Celles-ci prendront appui sur des œuvres et des textes spécifiques notamment celles de Yvonne Rainer, Oskar Schlemmer, Sami Ali, Hubert Godard, etc.

Contenu :
_ Le cours met en tension pratique de la performance et pratique sculpturale. Expérimentations spatiales et corporelles avec objets, sculptures, accessoires.

_Notre cours devrait permettre aux étudiant.e.s de tester, d’emprunter et d’élaborer des méthodes de travail évolutives ; celles-ci peuvent prendre pour point de départ des oeuvres ou déclarations d’artistes et créatures en tout genre. Nous travaillons notamment à partir de divers documents (vues d'expositions, textes, etc) relatifs à Monkey Island (1982-1983) de Mike Kelley (1954-2012). *Lors du premier cours, les étudiant.es ont par exemple dessiné les nombreux éléments de l'installation sans les avoir vus, à partir de leurs titres (la durée de réalisation du dessin était déterminée par la durée de morceaux de musique joués par Kelley lui-même).

-Tous les 15 jours, chacun.e partage des documents d’expérience élaborés en réponse à des instructions proposées pour la séance. Collectivement, nous regardons, analysons, associons.

-Mises en espace: dans la salle de cours, les étudiant.es doivent inventer des propositions spatiales élaborées collectivement à partir d'instructions relatives à l'hémicorps et à l'hémicycle. Tester des configurations, des situations, des points d’accroche présents dans le lieu, des modes de fixation, sans utiliser le mobilier habituellement présent dans la salle. Après un temps d’installation où les étudiant.e.s s’entraident, et font des photographies, le groupe analyse et ajuste l’ensemble des propositions.

Mode d'évaluation :
Les étudiant.e.s devront élaborer une recherche pratique à partir du cadre expérimental proposé. Les échanges critiques seront permanents.

Bibliographie :
Yvonne Rainer, Oskar Schlemmer, Sami Ali, Hubert Godard, Maria La Ribot, Didier Anzieu, Mike Kelley, Ericka Beckman, Paul B. Preciado, David Hammons, Lygia Pape, Xavier Leroy, Henrik Olesen, Charlotte Posenenske, André du Colombier, Constantin Brancusi, Pawel Althamer, Andrzej Wroblewski, Edward Krasinski, Pina Bausch, …

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
L’atelier consiste à appréhender l’écriture de façon utile au parcours des étudiant.e.s autant que de façon sincère, par le choix d’une approche centrée sur la sensibilité. Qu’est-ce qu’écrire et parler de façon sensible ? Comment trouver et convoquer des modèles d’écriture, qui soient tant théoriques, littéraires, musicaux, cinématographiques que manifestes ? Cet atelier a ainsi vocation à permettre à chacun.e de conduire des recherches propres sur sa sensibilité personnelle au monde, aux autres et à sa propre pratique et mettre en œuvre cette sensibilité à travers une série d’exercices d’écriture pratiqués lors des différentes séances. L’enjeu de ce cours est d’apprendre à éviter les discours pré-fabriqués, les clichés et les évidences et de forger un rapport fluide, franc et précis à l’expression, orale comme écrite.

Contenu :
Des textes modèles sont proposés pour engager la composition de l’anthologie de textes

Mode d'évaluation :
Réalisation d’une anthologie personnelle
Production de travaux écrits

Objectifs pédagogiques :
Mieux comprendre et analyser les textes (de portée critique, artistique, littéraire, historique, articles de presse).
Affiner la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Développer l'expression orale informelle dans des contextes divers.
Utiliser des supports d'internet tels que 'Voicethread' pour faire des présentations de ses travaux.

Contenu :
Analyse de textes suivi par des présentations et discussions.
Analyse de films, enregistrement sonores et d'autres supports en rapport avec le monde de l'art.
Visites d'expositions avec l'objectif d'analyser et de parler des œuvres présentées.
Présentations des travaux (écrit, oral, outils d'internet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit.
Bilan semestriel.

Bibliographie :
J. Gaiger, « Art of the Twentieth Century », Yale University Press
'Ways of Seeing', John Berger, Penguin Modern Classics
'On Photography', Susan Sontag, Penguin Modern Classics
'CTRL [SPACE], Rhetorics of Surveillance from Bentham to Big Brother', MIT Press

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur les expositions dédiées à l'enfance (premier semestre) et sur les expositions dédiées aux enfants (au second semestre). Cela sera l'occasion d'aborder la question des expositions d'art contemporaines, comprises comme 'site' de l'art : comment les appréhender conceptuellement ? Quel type de connaissances permettent-elles de transmettre, et quelle portée, descriptive ou normative, faut-il leur reconnaître ? La question des expositions sur l'enfance sera l'occasion de répondre à ces questions, en analysant d'abord des expositions dédiées à la question du jeu de l'enfant, et en se posant la question de savoir dans quelle mesure elles n'en naturaliseraient pas des compréhensions culturelles et sociales. L'analyse d'expositions dédiées aux enfants sera l'occasion d'aborder la question de la domination de l'enfance en philosophie politique.

Mode d'évaluation :
texte à rendre en fin de semestre

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 jusqu’à aujourd’hui sous le prisme de l’invisible, du peu visible, du caché et du mystérieux, de l’interstice.
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres, films…)
Ensuite, faire le vide. Yoko Ono, Oeuvre Terre, 1963 : 'Écoutez la terre qui tourne.'

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Denys Riout, Portes closes et œuvres invisibles, éd. Gallimard, 2019
- Vides, une rétrospective, éd. Centre Pompidou, 2009
- Lucy Lippard, Six years: the dematerialization of the art object from 1966 to 1972, éd. Praeger, 1973

Support de cours :
Cours magistral, participation requise et appréciée

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Cours sur les documents numériques, de la conception à la conservation.

Apprentissage des enjeux liés à l'écologie et à l'éthique des oeuvres numériques (logiciels Open Source, droits d'auteurs...).
Initiation et perfectionnement aux logiciels d'édition multimédia à travers différents exercices.

Contenu :
Découverte, analyse et pratique des oeuvres numériques, plus particulièrement celles réalisées pour le réseau Internet (netart).
Ce cours se propose de dresser un panorama des pratiques numériques dans le domaine de la documentation d'artiste et la PAO, mais aussi la DAO et CAO .
Le cours se propose de donner les bases nécessaires aux étudiants pour envisager une pratique critique liée aux outils d'édition contemporains.
Quels supports pour quels usages ?
Chaque exercice permettra d’explorer les logiciels ou les langages convoqués par des contraintes particulières.
L'utilisation de logiciels et de formats libres sera encouragée. Les étudiants seront sollicités pour effectuer une veille informatique et artistique sur le réseau Internet : évolution des approches graphiques et éditoriales, évolution des logiciels et langages informatiques, évolution des pratiques liées aux différents supports numériques, édition numérique (livres d'artistes numériques...), etc...

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et rendu personnel.

Bibliographie :
Sitographie :
Ressources cours : http://www.twitter.com/enbanf
« Erreur d’impression. Publier à l’ère du numérique » : http://espacevirtuel.jeudepaume.org/erreur-dimpression-1674/
Open Source Publishing : http://osp.kitchen


- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture de recyclage dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet à partir des déchets*
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et étudiés en utilisant les déchets et les problématiques de recyclage.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture basée sur le réutilisation.

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio et la fin de l’année, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude d’ABC Déchets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets et spécifiques
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet d’ABC Déchets.
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un, ou plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture de recyclage dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet à partir des déchets*
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et étudiés en utilisant les déchets et les problématiques de recyclage.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture basée sur le réutilisation.

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio et la fin de l’année, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude d’ABC Déchets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets et spécifiques
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet d’ABC Déchets.
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un, ou plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
ABC Déchets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture à partir de la notion du déchet. Le mot déchet étant pris dans le sens le plus étendu; d’abord c’est une matière sans valeur et inutile qui est rejetée, mais c’est également ce qui tombe d’une matière qu’on travaille ; résidus, débris et dans le sens figuré une personne déchue, un déchet de la société. Ce qui est, certainement, un aspect plus compliqué à travailler, mais rien n’est impossible.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Le studio est mixte et est ouverts aux étudiant(e)s 2 et 3 art.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des images et objets qui relèvent de la problématique de déchets* en produisant de l’assemblage, de la sculpture et de l’installation ?
Quelles sont les possibilités et quoi est les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions de recyclage et de mise à niveau qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication d’assemblages, objets, sculptures et installations.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes utilisant les déchets ou le recyclage. Les présentations sont commentées et corrigées par le professeur et les étudiant.e.s .
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

* Déchet : https://fr.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9chet

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et la deuxième session du studio.

- Vies d’ordures, de l'économie des déchets, catalogue de l'exposition, sous la direction de Denis Chevallier et Yann-Philippe Tastevin, coédition Mucem/Artlys, Marseille, 2017
- Quand l’Art fait les poubelles, Julie Ackermann, Beaux-Arts Magazine, Paris, 2017
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage

- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/
- Vers un art anthropocène. L’art écologique américain pour prototype, Bénédicte Ramade, Dijon, Presses du réel, 2022.
- Rehab, l'art de re-faire
Éditions Gallimard - Ouvrage broché - 40 pages - Textes en Français - Publié en 14/10/2010
- L’Exforme : art, idéologie et rejet / Nicolas Bourriaud, PUF, Paris, 2017
Une méditation étonnante sur notre condition à l'âge de la multiplication des déchets - déchets du capitalisme, de la consommation, de l'industrialisation, des rêves nucléaires.
- Du périssable dans l'art des années 1960-1970. Thèse de Camille Paulhan, La Sorbonne, Paris 2014

Sur le web :

- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
Chapitre L’art et les déchets https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production et de discussion consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. A partir de travaux d’artistes que vous aurez choisis et que nous examinerons ensemble, nous viendrons interroger votre propre partique, votre propre rapport à ce que l’on appelle dessin et que nous essaierons ensemble de re-définir.
Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition…).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Vos projets s’élaborent autant par ce que vous apprenez qu’avec ce que vous savez déjà.
Sans le savoir, sans même le vouloir vous opérez un montage plus ou moins solide avec les éléments qui vous interrogent. Qu’elles soient choisies délibérément ou qu’elles se présentent à vous par hasard, les choses qui vous interpellent et qui constituent votre projet en cours, sont là sous vos yeux et tentent de formuler une question claire.
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, de formuler, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers, de changer d’échelle : mettre en place une pratique de la factographie.
Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
C’est ce travail de montage que nous examinerons collectivement lors de nos séances de travail. Chacun, chacune viendra partager sa recherche sous quelque forme que ce soit ( sur table, au mur, sur ecran, dans vos gestes ou les 4 à la fois…) mixant des éléments produits par vous avec des éléments qui en constituent l’origine, la source.
A partir de cela vous construirez des hypothèses que nous tenterons de verifier à la logique des murs, des espaces investis. L’alternance des séances de travail devra permettre ce mouvement entre vos recherches, vos montages et ce que vous en faites.

Vos methodes de travail et d’investigations seront au coeur de nos interrogations pour arriver à monter vos projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Activer le corps comme médium, ce n’est pas en faire un sujet, un thème, mais le mettre au centre comme une puissance agissante radicale et comme une ressource pour réorganiser les savoirs et les intuitions, investir notre présence au monde et aux autres, à travers des formes et des process qui s’inscrivent dans l’espace, le temps et la perception en mouvement.

Contenu :
En première partie d’année, un atelier nomade dans différents lieux où on commencera par ouvrir un champ d’expériences à travers des propositions très concrètes : des pratiques corporelles accessibles à toustes, l’observation et l’écriture de situations, la notation d’événements, le déploiement de protocoles. On fera avec le corps tel qu’il est - ses possibles, ses fragilités et ses énergies changeantes. Corps individuels et corps collectif à densité variable.
Au deuxième semestre, le Musée des beaux-arts de Lyon sera investi par l’écriture collective de propositions qui seront présentée publiquement lors de la nuit des musées le 17 mai 2025

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'investir le médium de la maquette. Il s'agira d'expérimenter comment la maquette peut devenir un moyen d'anticipation du travail, de compréhension des gestes que la pratique met en place et d'appréhension de l'espace.

Contenu :
Nous partirons du principe que la maquette peut être le premier geste pour matérialiser une idée. Nous questionneront alors quels sont les gestes qu’il engendre. La maquette comme l’esquisse du volume. Quelle échelle peut ou doit prendre le projet final.
Entre espace de projection et jeux d'échelle, la maquette pourra être un simple entrainement quotidien ou la finalité de la pièce. En effet, est-ce la maquette ne peut-elle pas devenir un moyen de réfléchir le travail mais aussi un médium à part entière qui questionne nos espaces et les relations qu’il engendre.
Nous expérimenterons la place qu'elle peut prendre dans le travail et les enjeux qu'elle sous-tend.
Lors de ce studio, nous prendrons un temps pour réfléchir aux gestes d’atelier et qu’il implique tant formellement que conceptuellement.
Ce studio se déroulera principalement au pôle volume dans l’idée d’un temps d’atelier. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
A partir des travaux de Erwin Panofsky et Max Imdahl nous réfléchirons sur la stratification des couches d'information, et donc de lecture, d'une oeuvre d'art. La prise en compte de ces couches nécessite une définition de la distance que le spectateur souhaite entretenir avec cette même oeuvre. Le studio constitue une tentative de comprendre ce “choix de distance” comme outil de travail plastique.

Contenu :
Chaque séance sera centrée sur UN travail d'UN(E) étudiant(e) ou UNE Oeuvre à choisir dans des Institutions lyonnaises.
Sur la base d'un description minutieuse (voir ergoteuse) – et donc lente – par l'ensemble des participants du studio, nous allons tenter une analyse / lecture critique du phénomène plastique en question, non pas dans le but de son “amélioration”, sa “correction”, sa “déconstruction” ou son “enrichissement”, mais dans l'optique de nommer sa place dans le monde. Il s'agit d'une tentative -évidemment vouée à l'échec- d'épuisement des informations contenues dans un phénomène plastique, et des possibilités de sa liaison au monde.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.

Connaître les supports et techniques.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
Depuis une pratique déjà affirmée de l’édition ou partant d’une autre pratique — dessinée, photographique, filmique, textuelle —, ébauches de travaux, carnets de notes, pièces déjà réalisées ou projets abandonnés par ailleurs, il s’agit de penser et réaliser une ou plusieurs éditions imprimées sur papier ou numériques.
Afin de trouver la forme appropriée à chaque projet, sont abordées les composantes d’une édition d’artiste et la singularité propre à ce médium à part entière.
Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est nécessaire, tant pour une première approche des outils — sérigraphie, offset, jet d’encre grand format, laser, façonnage — qu’un usage approfondi.
En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
D’octobre à janvier, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Christoph Keller et Michael Lailach, « Kiosk – Modes of Multiplication: A Sourcebook on Independent Art Publishing 1999-2009 », JRP/Ringier, 2009
« L'effet papillon, 1989-2007 », Centre d'édition contemporaine, Genève, 2008
Jörg Adolph et Gereon Wetzel, « How to Make a Book with Steidl », dvd, 2011; « How to Make a Book with Carlos Saura et Steidl », dvd, 2017

Support de cours :
Actualité d’éditeur.ices, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : artothèque de la Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Offprint, Paris; Missread, Berlin

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'envisager le volume non pas comme une fin en soi mais comme un tissus de relation à travailler et qui le détermine.

Contenu :
Dans ces relations, il y a l'espace que l'on pourrait considérer comme la réciprocité du volume, le vide que ce dernier crée, l'espace que ce dernier prend et les dialogues qu'il opèrent. Il y a les matériaux et leur rapport de forces, leur fusion, leur tension, leurs états. Il y a l'atelier : les techniques que l'on rencontre, l'énergie de construction que l'on déploie et la rencontre avec l'autre qui permet de développer le travail. Il y a l'extérieur : notre rapport au monde, l'imaginaire que les formes et les matériaux convoque. Ce rapport au monde est loin d'un rapport individuel mais bien dans l'expertise d'une conscience collective et d'une inscription dans le monde.

Tout ceci est intrinsèque à la production d'un volume, à sa forme et sa présence dans l'espace. Qu'il soit sculpture installation ou accessoire, il se compose et se construit par différentes expériences.

C'est toute ces étapes que nous travaillerons, nous questionnerons dans une dynamique de production régulière et en mouvement. Ce vis vers ça c'est aussi déjouer l'ordres des étapes que l'on pense généralement comme unilatéral : idée, atelier, espace de monstration. Nous ferons donc des allez retour, des détours et des répétitions pour augmenter le travail et envisager le projet non pas comme ce qui arrive à la fin mais ce qui ce fait maintenant en jouant de ces capacités.

Ce studio se déroulera donc en différents lieux et en différents temps pour qu’alterne espace de monstration et espace de travail. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
L’atelier consiste à appréhender l’écriture de façon utile au parcours des étudiant.e.s autant que de façon sincère, par le choix d’une approche centrée sur la sensibilité. Qu’est-ce qu’écrire et parler de façon sensible ? Comment trouver et convoquer des modèles d’écriture, qui soient tant théoriques, littéraires, musicaux, cinématographiques que manifestes ? Cet atelier a ainsi vocation à permettre à chacun.e de conduire des recherches propres sur sa sensibilité personnelle au monde, aux autres et à sa propre pratique et mettre en œuvre cette sensibilité à travers une série d’exercices d’écriture pratiqués lors des différentes séances. L’enjeu de ce cours est d’apprendre à éviter les discours pré-fabriqués, les clichés et les évidences et de forger un rapport fluide, franc et précis à l’expression, orale comme écrite.

Contenu :
Des textes modèles sont proposés pour engager la composition de l’anthologie de textes

Mode d'évaluation :
Réalisation d’une anthologie personnelle
Production de travaux écrits

Objectifs pédagogiques :
Mieux comprendre et analyser les textes (de portée critique, artistique, littéraire, historique, articles de presse).
Affiner la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Développer l'expression orale informelle dans des contextes divers.
Utiliser des supports d'internet tels que 'Voicethread' pour faire des présentations des travaux.

Contenu :
Analyse de textes avec présentation et discussion.
Analyse de films, enregistrement sonores et d'autres supports en rapport avec le monde de l'art.
Visites d'expositions avec l'objectif d'analyser et de parler des œuvres présentées.
Présentation de travaux (écrit, oral, outils d'internet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit.
Bilan semestriel

Bibliographie :
'The Oxford Guide to English Usage', Oxford University Press
M. Swan, « Intermediate Language Practice », Macmillan
'Back to the Drawing Board', Ed Ruscha Art and Design, Yale University Press

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur les expositions dédiées à l'enfance (premier semestre) et sur les expositions dédiées aux enfants (au second semestre). Cela sera l'occasion d'aborder la question des expositions d'art contemporaines, comprises comme 'site' de l'art : comment les appréhender conceptuellement ? Quel type de connaissances permettent-elles de transmettre, et quelle portée, descriptive ou normative, faut-il leur reconnaître ? La question des expositions sur l'enfance sera l'occasion de répondre à ces questions, en analysant d'abord des expositions dédiées à la question du jeu de l'enfant, et en se posant la question de savoir dans quelle mesure elles n'en naturaliseraient pas des compréhensions culturelles et sociales. L'analyse d'expositions dédiées aux enfants sera l'occasion d'aborder la question de la domination de l'enfance en philosophie politique.

Mode d'évaluation :
texte à rendre en fin de semestre

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 jusqu’à aujourd’hui sous le prisme de l’invisible, du peu visible, du caché et du mystérieux, de l’interstice.
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres, films…)
Ensuite, palper l'invisible : 'Mais on ne devrait pas rire de l’idée d’invisible. L’invisible est partout autour de nous. (...)
Le monde de l’invisible est réel.
On ne devrait pas l’exclure de la sculpture ni du monde de l’art.'
Walter De Maria, « Projet d’une grande Earthsculpture. Munich – Site des Jeux olympiques 1972 » (extraits), 1970

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Denys Riout, Portes closes et œuvres invisibles, éd. Gallimard, 2019
- Vides, une rétrospective, éd. Centre Pompidou, 2009
- Lucy Lippard, Six years: the dematerialization of the art object from 1966 to 1972, éd. Praeger, 1973

Support de cours :
Cours magistral, participation requise et appréciée

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage d'une méthode critique d'analyse d'oeuvres numériques.
Apprentissage des enjeux liés à la conservation des oeuvres numériques, sites Internet, photographie numérique... (indexation,conservation et valorisation des créations...).
Apprentissage des enjeux liés à l'écologie et à l'éthique des oeuvres numériques (logiciels Open Source, droits d'auteurs...).
Initiation et perfectionnement aux logiciels d'édition multimédia à travers différents exercices.
Edition numérique (livres d'artistes numériques...).
Initiation au fonctionnement du Commons'Lab (3D, impression 3D...)
Acquisition d'une culture net art.

Contenu :
Le studio propose de dresser un panorama des pratiques artistiques liées au réseau Internet de ces 20 dernières années.
Découverte, analyse et pratique des oeuvres numériques, plus particulièrement celles réalisées pour le réseau Internet.

Tous connecté ? Web 2.0, Web sémantique, Internet mobile, livre numérique, Arduino, réalité augmentée ou puces RFID...autant de champs d'expression et de réflexion à disposition des artistes.

Ce studio se propose d'offrir aux étudiants les bases nécessaires pour envisager une pratique numérique en cohérence avec leurs différents projets artistiques.

Chaque exercice permettra d’explorer les logiciels ou les langages convoqués par des contraintes particulières. Ces exercices individuels et de groupe devront répondre à des sujets liés à l’actualité culturelle, sociale... La réactivité, à l’image de ce qu’il se passe sur les réseaux, sera valorisée. L'utilisation de logiciels et de formats libres sera encouragée. Les étudiants seront sollicités pour effectuer une veille informatique et artistique sur le réseau Internet : évolution des approches graphiques et éditoriales, évolution des logiciels et langages informatiques, évolution des pratiques liées aux différents supports numériques.
Les étudiants seront aussi invités à pratiquer des outils pour apprendre à maitriser leur communication sur le réseau (PAO, liste de diffusion...).
Ce studio est impliqué dans la programmation de l'ARC @ le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et rendu personnel.

Bibliographie :
- Nicolas Thély, « Vu à la webcam (essai sur la web-intimité) », Les Presses du réel, 2002
- Nicolas Thély, « Mes favoris », MIX, 2008
- Nicolas Thély, « Basse def : Partage de données », Les Presses du réel, 2008
- Fred Forest, « Pour un art actuel : L'art à l'heure d'Internet », L'Harmattan, 1998
- Annick Bureaud, Nathalie Magnan, « Connexions : Art, réseaux, media », Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, 2002
- Camille Paloque-Berges, « Poétique des Codes sur le Réseau Informatique », Archives Contemporaines, 2009
- Dragan Espenschied, Olia Lialina, « Digital Folklore », Merz Akademie, 2009
- Leszek Brogowski, « Editer l'art », La Transparence, 2010
- Anne Moeglin-Delcroix , « Esthétique du livre d'artiste 1960-1980 : Une introduction à l'art contemporain », Le mot et le reste, 2012
- Edmond Couchot, « La Technologie dans l'art : De la photographie à la réalité virtuelle », Jacqueline Chambon, 2002
- Norbert Hillaire , Edmond Couchot, « L'Art numérique : Comment la technologie vient au monde de l'art », Flammarion, 2003
- Jean-Paul Fourmentraux, « Art et Internet : Les nouvelles figures de la création », CNRS, 2005
- Rachel Greene, « L'Art Internet », Thames et Hudson, 2005
- Mark Tribe, Reena Jana, « Art des nouveaux médias »,Taschen, 2006
- Fred Forest, « Art et Internet », Cercle d'Art, 2008
- « 15 ans de création artistique sur Internet », Les guides MCD, Musique et cultures digitales, 2009
- « ART++ », collectif, HYX, 2011
- Nicolas Bourriaud, « Radicant : Pour une esthétique de la globalisation », Denoël, 2009
- Jean Michel Oullion, « Les métiers d'internet - Le guide 2010-2011 », L’étudiant, 2010
- Anne Laforet., « Le Net Art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne », Questions théoriques, coll. L>P, 2010
- Collectif, « Recherche et Création. Art, technologie, pédagogie,innovation », Editions du Parc, ENSA Nancy, 2009
- Wasting Time on the Internet - Goldsmith, Kenneth - 2016

Webographie :
Ressources du cours consultables à cette adresse : http://www.twitter.com/enbanf
http://www.poptronics.fr http://culturevisuelle.org/icones/

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture de recyclage dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet à partir des déchets*
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et étudiés en utilisant les déchets et les problématiques de recyclage.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture basée sur le réutilisation.

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio et la fin de l’année, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude d’ABC Déchets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets et spécifiques
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet d’ABC Déchets.
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un, ou plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
ABC Déchets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture à partir de la notion du déchet. Le mot déchet étant pris dans le sens le plus étendu ; d’abord c’est une matière sans valeur et inutile qui est rejetée, mais c’est également ce qui tombe d’une matière qu’on travaille ; résidus, débris et dans le sens figuré une personne déchue, un déchet de la société. Ce qui est, certainement, un aspect plus compliqué à travailler, mais rien n’est impossible.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Le studio est mixte et est ouverts aux étudiant(e)s 2 et 3 art.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des images et objets qui relèvent de la problématique de déchets* en produisant de l’assemblage, de la sculpture et de l’installation ?
Quelles sont les possibilités et quoi est les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions de recyclage et de mise à niveau qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication d’assemblages, objets, sculptures et installations.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes utilisant les déchets ou le recyclage. Les présentations sont commentées et corrigées par le professeur et les étudiant.e.s .
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

* Déchet : https://fr.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9chet

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et la deuxième session du studio.

- Vies d’ordures, de l'économie des déchets, catalogue de l'exposition, sous la direction de Denis Chevallier et Yann-Philippe Tastevin, coédition Mucem/Artlys, Marseille, 2017
- Quand l’Art fait les poubelles, Julie Ackermann, Beaux-Arts Magazine, Paris, 2017
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/
- Vers un art anthropocène. L’art écologique américain pour prototype, Bénédicte Ramade, Dijon, Presses du réel, 2022.
- Rehab, l'art de re-faire
Éditions Gallimard - Ouvrage broché - 40 pages - Textes en Français - Publié en 14/10/2010
- L’Exforme : art, idéologie et rejet / Nicolas Bourriaud, PUF, Paris, 2017
Une méditation étonnante sur notre condition à l'âge de la multiplication des déchets - déchets du capitalisme, de la consommation, de l'industrialisation, des rêves nucléaires.
- Du périssable dans l'art des années 1960-1970. Thèse de Camille Paulhan, La Sorbonne, Paris 2014

Sur le web :

- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
Chapitre L’art et les déchets https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production et de discussion consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. A partir de travaux d’artistes que vous aurez choisis et que nous examinerons ensemble, nous viendrons interroger votre propre partique, votre propre rapport à ce que l’on appelle dessin et que nous essaierons ensemble de re-définir.
Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition…).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Vos projets s’élaborent autant par ce que vous apprenez qu’avec ce que vous savez déjà.
Sans le savoir, sans même le vouloir vous opérez un montage plus ou moins solide avec les éléments qui vous interrogent. Qu’elles soient choisies délibérément ou qu’elles se présentent à vous par hasard, les choses qui vous interpellent et qui constituent votre projet en cours, sont là sous vos yeux et tentent de formuler une question claire.
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, de formuler, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers, de changer d’échelle : mettre en place une pratique de la factographie.
Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
C’est ce travail de montage que nous examinerons collectivement lors de nos séances de travail. Chacun, chacune viendra partager sa recherche sous quelque forme que ce soit ( sur table, au mur, sur ecran, dans vos gestes ou les 4 à la fois…) mixant des éléments produits par vous avec des éléments qui en constituent l’origine, la source.
A partir de cela vous construirez des hypothèses que nous tenterons de verifier à la logique des murs, des espaces investis. L’alternance des séances de travail devra permettre ce mouvement entre vos recherches, vos montages et ce que vous en faites.

Vos methodes de travail et d’investigations seront au coeur de nos interrogations pour arriver à monter vos projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Activer le corps comme médium, ce n’est pas en faire un sujet, un thème, mais le mettre au centre comme une puissance agissante radicale et comme une ressource pour réorganiser les savoirs et les intuitions, investir notre présence au monde et aux autres, à travers des formes et des process qui s’inscrivent dans l’espace, le temps et la perception en mouvement.

Contenu :
En première partie d’année, un atelier nomade dans différents lieux où on commencera par ouvrir un champ d’expériences à travers des propositions très concrètes : des pratiques corporelles accessibles à toustes, l’observation et l’écriture de situations, la notation d’événements, le déploiement de protocoles. On fera avec le corps tel qu’il est - ses possibles, ses fragilités et ses énergies changeantes. Corps individuels et corps collectif à densité variable.
Au deuxième semestre, le Musée des beaux-arts de Lyon sera investi par l’écriture collective de propositions qui seront présentées publiquement lors de la nuit des musées le 17 mai 2025.

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'investir le médium de la maquette. Il s'agira d'expérimenter comment la maquette peut devenir un moyen d'anticipation du travail, de compréhension des gestes que la pratique met en place et d'appréhension de l'espace.

Contenu :
Nous partirons du principe que la maquette peut être le premier geste pour matérialiser une idée. Nous questionneront alors quels sont les gestes qu’il engendre. La maquette comme l’esquisse du volume. Quelle échelle peut ou doit prendre le projet final.
Entre espace de projection et jeux d'échelle, la maquette pourra être un simple entrainement quotidien ou la finalité de la pièce. En effet, est-ce la maquette ne peut-elle pas devenir un moyen de réfléchir le travail mais aussi un médium à part entière qui questionne nos espaces et les relations qu’il engendre.
Nous expérimenterons la place qu'elle peut prendre dans le travail et les enjeux qu'elle sous-tend.
Lors de ce studio, nous prendrons un temps pour réfléchir aux gestes d’atelier et qu’il implique tant formellement que conceptuellement.

Ce studio se déroulera principalement au pôle volume dans l’idée d’un temps d’atelier. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
A partir des travaux de Erwin Panofsky et Max Imdahl nous réfléchirons sur la stratification des couches d'information, et donc de lecture, d'une oeuvre d'art. La prise en compte de ces couches nécessite une définition de la distance que le spectateur souhaite entretenir avec cette même oeuvre. Le studio constitue une tentative de comprendre ce “choix de distance” comme outil de travail plastique.

Contenu :
Chaque séance sera centrée sur UN travail d'UN(E) étudiant(e) ou UNE Oeuvre à choisir dans des Institutions lyonnaises.
Sur la base d'un description minutieuse (voir ergoteuse) – et donc lente – par l'ensemble des participants du studio, nous allons tenter une analyse / lecture critique du phénomène plastique en question, non pas dans le but de son “amélioration”, sa “correction”, sa “déconstruction” ou son “enrichissement”, mais dans l'optique de nommer sa place dans le monde. Il s'agit d'une tentative -évidemment vouée à l'échec- d'épuisement des informations contenues dans un phénomène plastique, et des possibilités de sa liaison au monde.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.
Connaître les supports et techniques.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
Depuis une pratique déjà affirmée de l’édition ou partant d’une autre pratique — dessinée, photographique, filmique, textuelle —, ébauches de travaux, carnets de notes, pièces déjà réalisées ou projets abandonnés par ailleurs, il s’agit de penser et réaliser une ou plusieurs éditions imprimées sur papier ou numériques.
Afin de trouver la forme appropriée à chaque projet, sont abordées les composantes d’une édition d’artiste et la singularité propre à ce médium à part entière.
Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est nécessaire, tant pour une première approche des outils — sérigraphie, offset, jet d’encre grand format, laser, façonnage — qu’un usage approfondi.
En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
De janvier à mai, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Fort accent mis sur l'exposition et la diffusion.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Christoph Keller et Michael Lailach, « Kiosk – Modes of Multiplication: A Sourcebook on Independent Art Publishing 1999-2009 », JRP/Ringier, 2009
« L'effet papillon, 1989-2007 », Centre d'édition contemporaine, Genève, 2008
Jörg Adolph et Gereon Wetzel, « How to Make a Book with Steidl », dvd, 2011; « How to Make a Book with Carlos Saura et Steidl », dvd, 2017

Support de cours :
Actualité d’éditeur.ices, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : artothèque de la Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Offprint, Paris; Missread, Berlin

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'envisager le volume non pas comme une fin en soi mais comme un tissus de relation à travailler et qui le détermine.

Contenu :
Dans ces relations, il y a l'espace que l'on pourrait considérer comme la réciprocité du volume, le vide que ce dernier crée, l'espace que ce dernier prend et les dialogues qu'il opèrent. Il y a les matériaux et leur rapport de forces, leur fusion, leur tension, leurs états. Il y a l'atelier : les techniques que l'on rencontre, l'énergie de construction que l'on déploie et la rencontre avec l'autre qui permet de développer le travail. Il y a l'extérieur : notre rapport au monde, l'imaginaire que les formes et les matériaux convoque. Ce rapport au monde est loin d'un rapport individuel mais bien dans l'expertise d'une conscience collective et d'une inscription dans le monde.

Tout ceci est intrinsèque à la production d'un volume, à sa forme et sa présence dans l'espace. Qu'il soit sculpture installation ou accessoire, il se compose et se construit par différentes expériences.

C'est toute ces étapes que nous travaillerons, nous questionnerons dans une dynamique de production régulière et en mouvement. Ce vis vers ça c'est aussi déjouer l'ordre des étapes que l'on pense généralement comme unilatéral : idée, atelier, espace de monstration. Nous ferons donc des allez retour, des détours et des répétitions pour augmenter le travail et envisager le projet non pas comme ce qui arrive à la fin mais ce qui ce fait maintenant en jouant de ces capacités.

Ce studio se déroulera donc en différents lieux et en différents temps pour qu’alterne espace de monstration et espace de travail. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Faciliter l'intégration des étudiants dans la vie universitaire ou professionnelle et sociale du pays d’accueil dans le cadre d'un séjour à l'étranger.
Prendre conscience des différentes étapes d'adaptation généralement rencontrées lors du séjour et au retour, et tenter d’apprendre à les gérer.

Contenu :
Rédaction d’un CV, d’une lettre de motivation, dégager des pistes de recherche, rédiger et parler de ses travaux et de leurs enjeux.
Apprendre à concevoir un portfolio (choix iconographiques, rédaction).
Améliorer la prononciation en anglais.
Maitriser un vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique.
Développer l'aisance orale pour la présentation des travaux.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu associé à une présentation orale et un examen écrit lors des deux bilans semestriels.

Bibliographie :
'How to Write About Contemporary Art', Gilda Williams, Thames et Hudson
'Confident Public Speaking : How to Communicate Effectively', C. Godefroy, Piatkus Books
S. Barnet, 'A Short Guide to Writing About Art'
M. Curtis, 'Oxford Guide to Plain English'

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur les expositions dédiées à l'enfance (premier semestre) et sur les expositions dédiées aux enfants (au second semestre). Cela sera l'occasion d'aborder la question des expositions d'art contemporaines, comprises comme 'site' de l'art : comment les appréhender conceptuellement ? Quel type de connaissances permettent-elles de transmettre, et quelle portée, descriptive ou normative, faut-il leur reconnaître ? La question des expositions sur l'enfance sera l'occasion de répondre à ces questions, en analysant d'abord des expositions dédiées à la question du jeu de l'enfant, et en se posant la question de savoir dans quelle mesure elles n'en naturaliseraient pas des compréhensions culturelles et sociales. L'analyse d'expositions dédiées aux enfants sera l'occasion d'aborder la question de la domination de l'enfance en philosophie politique.

Mode d'évaluation :
texte à rendre en fin de semestre

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 jusqu’à aujourd’hui sous le prisme de l’invisible, du peu visible, du caché et du mystérieux, de l’interstice.
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres, films…)
Ensuite, faire le vide. Yoko Ono, Oeuvre Terre, 1963 : 'Écoutez la terre qui tourne.'

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Denys Riout, Portes closes et œuvres invisibles, éd. Gallimard, 2019
- Vides, une rétrospective, éd. Centre Pompidou, 2009
- Lucy Lippard, Six years: the dematerialization of the art object from 1966 to 1972, éd. Praeger, 1973

Support de cours :
Cours magistral, participation requise et appréciée

Objectifs pédagogiques :
En vue de la préparation du séminaire du second semestre, le premier sera consacré à la préparation des conférences-performances qui seront performées en fin de semestre. Le cours sera dédié à la présentation de la conférence-performance comme médium, notamment au travers d'extraits projetés et de textes partagés.

Mode d'évaluation :
Conférence-performance

Bibliographie :
Vangelis Athanassopoulos.Quand le discours se fait geste – Regards croisés sur la conférence-performance, Dijon, Les presses du réel, 2018

Laurence Corbel et Christophe Viart (éds.), Paperboard : conférence performance : artistes et cas d'étude, Paris : T et P publishing, 2021

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier a pour finalité d’accompagner l’étudiant·e dans la production d’un texte explicatif sur sa recherche plastique. Il lui servira notamment pour ses demandes ERASMUS et son portfolio. Il s’agira de cerner les problématiques qu’aborde ce travail et la spécificité des moyens mis en œuvre pour y parvenir.

Contenu :
Cet atelier d’écriture se fera à partir de commandes répétés et ponctuelles de textes de formats divers de ton et de style non artistiques (tweet, argumentaire, etc.). Il s’agira de réaliser des exercices de style.

Mode d'évaluation :
Production textuelle et assiduité.

Bibliographie :
Raymond Queneau, Exercices de style
Pierre Bayard, Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ?

Objectifs pédagogiques :
Sensibiliser les étudiant.e.s à la documentation de leur pratique.

Réfléchir et concevoir les moyens de rendre compte de la recherche et de la production. Seront ainsi considérés l’écriture, la captation et l'apport de documents sources.

Une attention particulière sera portée à l’adéquation entre les moyens employés et l’objectif de la documentation, ce qu’elle tend à montrer et veut mettre en avant. En n'imposant aucun formatage, nous tenterons de trouver avec chaque étudiant.e comment documenter un corpus, d’une pratique et d’une démarche.

Contenu :
Chaque séance du premier semestre est ouverte par la présentation de livres, catalogues, portfolios et documents d'artistes choisis en fonction de leur exemplarité, leur diversité, leur singularité.

‘La documentation’ a pour finalité la production d’un portfolio. Sont donc abordées l’ensemble des notions afférentes à la documentation d’œuvre : les notions de rédaction de textes et de légendes, prises de vues, mise en page, d'impression et de diffusion.

Mode d'évaluation :
Évaluation sur la présence et la production d’un portfolio.

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et les quelques des 1234 objets étudiés.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude de 1234 objets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet de 1234 objets
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un au plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture de recyclage dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet à partir des déchets*
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et étudiés en utilisant les déchets et les problématiques de recyclage.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture basée sur le réutilisation.

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio et la fin de l’année, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude d’ABC Déchets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets et spécifiques
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet d’ABC Déchets.
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un, ou plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
ABC Déchets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture à partir de la notion du déchet. Le mot déchet étant pris dans le sens le plus étendu ; d’abord c’est une matière sans valeur et inutile qui est rejetée, mais c’est également ce qui tombe d’une matière qu’on travaille ; résidus, débris et dans le sens figuré une personne déchue, un déchet de la société. Ce qui est, certainement, un aspect plus compliqué à travailler, mais rien n’est impossible.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Le studio est mixte et est ouverts aux étudiant(e)s 2 et 3 art.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des images et objets qui relèvent de la problématique de déchets* en produisant de l’assemblage, de la sculpture et de l’installation ?
Quelles sont les possibilités et quoi est les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions de recyclage et de mise à niveau qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication d’assemblages, objets, sculptures et installations.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes utilisant les déchets ou le recyclage. Les présentations sont commentées et corrigées par le professeur et les étudiant.e.s .
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

* Déchet : https://fr.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9chet

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à completer. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et la deuxième session du studio.

- Vies d’ordures, de l'économie des déchets, catalogue de l'exposition, sous la direction de Denis Chevallier et Yann-Philippe Tastevin, coédition Mucem/Artlys, Marseille, 2017
- Quand l’Art fait les poubelles, Julie Ackermann, Beaux-Arts Magazine, Paris, 2017
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/
- Vers un art anthropocène. L’art écologique américain pour prototype, Bénédicte Ramade, Dijon, Presses du réel, 2022.
- Rehab, l'art de re-faire
Éditions Gallimard - Ouvrage broché - 40 pages - Textes en Français - Publié en 14/10/2010
- L’Exforme : art, idéologie et rejet / Nicolas Bourriaud, PUF, Paris, 2017
Une méditation étonnante sur notre condition à l'âge de la multiplication des déchets - déchets du capitalisme, de la consommation, de l'industrialisation, des rêves nucléaires.
- Du périssable dans l'art des années 1960-1970. Thèse de Camille Paulhan, La Sorbonne, Paris 2014

Sur le web :

- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
Chapitre L’art et les déchets https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/

Objectifs pédagogiques :
Comme à l’apparition de tout nouveau médium, les artistes se sont emparés, depuis plusieurs années, de la sphère du numérique pour l’explorer comme « nouvelle frontière ». L’idée est d’investir cette réalité, non comme outil, mais comme espace de projet - d’utopie. Trouver des « données » spécifiques qui permettront d’élaborer des projets de réalités [diffé-rentes], (la réalité augmentée par exemple !).

Contenu :
La lecture d’œuvres, associée à une approche théorique, sera un des temps de travail pour comprendre où se situe le 'numérique' et comment s’emparer de ses éléments singuliers et de ses territoires connexes. Le studio propose aussi de s’aventurer dans des projets sans pré-requis. Il s’agira dans un deuxième temps d’en définir les conditions de production (économie des compétences et des contingences) et de mettre en œuvre, si possible, des réalisations.
Ce studio est impliqué dans la programmation de l'ARC @ le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, projet personnel et bilan semestriel.

Bibliographie :
Chaos Computer Club https://fr.wikipedia.org/wiki/Chaos_Computer_Club

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production et de discussion consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. A partir de travaux d’artistes que vous aurez choisis et que nous examinerons ensemble, nous viendrons interroger votre propre partique, votre propre rapport à ce que l’on appelle dessin et que nous essaierons ensemble de re-définir.
Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition…).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Vos projets s’élaborent autant par ce que vous apprenez qu’avec ce que vous savez déjà.
Sans le savoir, sans même le vouloir vous opérez un montage plus ou moins solide avec les éléments qui vous interrogent. Qu’elles soient choisies délibérément ou qu’elles se présentent à vous par hasard, les choses qui vous interpellent et qui constituent votre projet en cours, sont là sous vos yeux et tentent de formuler une question claire.
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, de formuler, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers, de changer d’échelle : mettre en place une pratique de la factographie.
Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
C’est ce travail de montage que nous examinerons collectivement lors de nos séances de travail. Chacun, chacune viendra partager sa recherche sous quelque forme que ce soit ( sur table, au mur, sur ecran, dans vos gestes ou les 4 à la fois…) mixant des éléments produits par vous avec des éléments qui en constituent l’origine, la source.
A partir de cela vous construirez des hypothèses que nous tenterons de verifier à la logique des murs, des espaces investis. L’alternance des séances de travail devra permettre ce mouvement entre vos recherches, vos montages et ce que vous en faites.

Vos methodes de travail et d’investigations seront au coeur de nos interrogations pour arriver à monter vos projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
La participation au studio est évaluée en contrôle continu et en bilan semestriel.
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
Activer le corps comme médium, ce n’est pas en faire un sujet, un thème, mais le mettre au centre comme une puissance agissante radicale et comme une ressource pour réorganiser les savoirs et les intuitions, investir notre présence au monde et aux autres, à travers des formes et des process qui s’inscrivent dans l’espace, le temps et la perception en mouvement.

Contenu :
En première partie d’année, un atelier nomade dans différents lieux où on commencera par ouvrir un champ d’expériences à travers des propositions très concrètes : des pratiques corporelles accessibles à toustes, l’observation et l’écriture de situations, la notation d’événements, le déploiement de protocoles. On fera avec le corps tel qu’il est - ses possibles, ses fragilités et ses énergies changeantes. Corps individuels et corps collectif à densité variable.
Au deuxième semestre, le Musée des beaux-arts de Lyon sera investi par l’écriture collective de propositions qui seront présentées publiquement lors de la nuit des musées le 17 mai 2025.

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'investir le médium de la maquette. Il s'agira d'expérimenter comment la maquette peut devenir un moyen d'anticipation du travail, de compréhension des gestes que la pratique met en place et d'appréhension de l'espace.

Contenu :
Nous partirons du principe que la maquette peut être le premier geste pour matérialiser une idée. Nous questionneront alors quels sont les gestes qu’il engendre. La maquette comme l’esquisse du volume. Quelle échelle peut ou doit prendre le projet final.
Entre espace de projection et jeux d'échelle, la maquette pourra être un simple entrainement quotidien ou la finalité de la pièce. En effet, est-ce la maquette ne peut-elle pas devenir un moyen de réfléchir le travail mais aussi un médium à part entière qui questionne nos espaces et les relations qu’il engendre.
Nous expérimenterons la place qu'elle peut prendre dans le travail et les enjeux qu'elle sous-tend.
Lors de ce studio, nous prendrons un temps pour réfléchir aux gestes d’atelier et qu’il implique tant formellement que conceptuellement.

Ce studio se déroulera principalement au pôle volume dans l’idée d’un temps d’atelier. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
A partir des travaux de Erwin Panofsky et Max Imdahl nous réfléchirons sur la stratification des couches d'information, et donc de lecture, d'une oeuvre d'art. La prise en compte de ces couches nécessite une définition de la distance que le spectateur souhaite entretenir avec cette même oeuvre. Le studio constitue une tentative de comprendre ce “choix de distance” comme outil de travail plastique.

Contenu :
Chaque séance sera centrée sur UN travail d'UN(E) étudiant(e) ou UNE Oeuvre à choisir dans des Institutions lyonnaises.
Sur la base d'un description minutieuse (voir ergoteuse) – et donc lente – par l'ensemble des participants du studio, nous allons tenter une analyse / lecture critique du phénomène plastique en question, non pas dans le but de son “amélioration”, sa “correction”, sa “déconstruction” ou son “enrichissement”, mais dans l'optique de nommer sa place dans le monde. Il s'agit d'une tentative -évidemment vouée à l'échec- d'épuisement des informations contenues dans un phénomène plastique, et des possibilités de sa liaison au monde

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.
Articuler la pensée de l'œuvre imprimée avec la notion de 'populaire'.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
La proposition en S5 prolonge celle des S3 et S4, augmentée d'une réflexion sur les formes empruntées au 'populaire'.
Le terme 'populaire' est interrogé par l'étudiant.e et exposé pendant le cours.
Nous verrons comment la notion est perçue par chacun.e, à l'aune des formes imprimées et du champ de l'art.
Chaque proposition de pièce imprimée doit porter la pensée de cette notion et son articulation esthétique ou plastique.

Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est recommandée, tant pour une approche des outils qu’un usage approfondi.

En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
D’octobre à janvier, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Rémy Zaugg, 'Constitution d'un tableau – Journal – 1963-1968/1988', Les presses du réel
Tristan Garcia, 'L'image', Atlante, 'Clefs-concours', 2007

Support de cours :
Actualité d’éditeur.ices, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : artothèque de la Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Offprint, Paris; Missread, Berlin

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'envisager le volume non pas comme une fin en soi mais comme un tissus de relation à travailler et qui le détermine.

Contenu :
Dans ces relations, il y a l'espace que l'on pourrait considérer comme la réciprocité du volume, le vide que ce dernier crée, l'espace que ce dernier prend et les dialogues qu'il opèrent. Il y a les matériaux et leur rapport de forces, leur fusion, leur tension, leurs états. Il y a l'atelier : les techniques que l'on rencontre, l'énergie de construction que l'on déploie et la rencontre avec l'autre qui permet de développer le travail. Il y a l'extérieur : notre rapport au monde, l'imaginaire que les formes et les matériaux convoque. Ce rapport au monde est loin d'un rapport individuel mais bien dans l'expertise d'une conscience collective et d'une inscription dans le monde.

Tout ceci est intrinsèque à la production d'un volume, à sa forme et sa présence dans l'espace. Qu'il soit sculpture installation ou accessoire, il se compose et se construit par différentes expériences.

C'est toute ces étapes que nous travaillerons, nous questionnerons dans une dynamique de production régulière et en mouvement. Ce vis vers ça c'est aussi déjouer l'ordre des étapes que l'on pense généralement comme unilatéral : idée, atelier, espace de monstration. Nous ferons donc des allez retour, des détours et des répétitions pour augmenter le travail et envisager le projet non pas comme ce qui arrive à la fin mais ce qui ce fait maintenant en jouant de ces capacités.

Ce studio se déroulera donc en différents lieux et en différents temps pour qu’alterne espace de monstration et espace de travail. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit, oral).
Faciliter l'intégration des étudiants dans la vie universitaire ou professionnelle et sociale du pays d’accueil dans le cadre d'un séjour à l'étranger.
Prendre conscience des différentes étapes d'adaptation généralement rencontrées lors du séjour et au retour, et tenter d’apprendre à les gérer.

Contenu :
Rédaction d’un CV, d’une lettre de motivation, dégager des pistes de recherche, rédiger et parler de ses travaux et de leurs enjeux.
Apprendre à concevoir un portfolio (choix iconographiques, rédaction).
Améliorer la prononciation en anglais.
Maitriser un vocabulaire spécifique lié à la pratique artistique.
Développer l'aisance orale pour la présentation des travaux.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu associé à une présentation orale et un examen écrit lors des deux bilans semestriels.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- « Dictionnaire bilingue », Robert et Collins
- C. Godefroy, S. Godefroy , « Confident Public Speaking : How to Communicate Effectively », Piatkus Books
- S. Barnet, « A Short Guide to Writing About Art »
- M. Curtis, « Oxford Guide to Plain English »

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre :
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.




Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Le cours portera sur les expositions dédiées à l'enfance (premier semestre) et sur les expositions dédiées aux enfants (au second semestre). Cela sera l'occasion d'aborder la question des expositions d'art contemporaines, comprises comme 'site' de l'art : comment les appréhender conceptuellement ? Quel type de connaissances permettent-elles de transmettre, et quelle portée, descriptive ou normative, faut-il leur reconnaître ? La question des expositions sur l'enfance sera l'occasion de répondre à ces questions, en analysant d'abord des expositions dédiées à la question du jeu de l'enfant, et en se posant la question de savoir dans quelle mesure elles n'en naturaliseraient pas des compréhensions culturelles et sociales. L'analyse d'expositions dédiées aux enfants sera l'occasion d'aborder la question de la domination de l'enfance en philosophie politique.

Mode d'évaluation :
texte à rendre en fin de semestre.

Objectifs pédagogiques :
- Proposer une porte d’entrée possible vers l’art des années 1960-1970 jusqu’à aujourd’hui sous le prisme de l’invisible, du peu visible, du caché et du mystérieux, de l’interstice.
- Se confronter avec les écrits (journaux, manifestes, déclarations, propos recueillis…) d’artistes
- Se situer dans une ou plusieurs généalogies artistiques
- Mettre en lien l’histoire de l’art avec l’actualité de l’art, ancien comme contemporain

Contenu :
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres, films…)
D’abord l’aujourd’hui (actualité, expositions, livres, films…)
Ensuite, palper l'invisible : 'Mais on ne devrait pas rire de l’idée d’invisible. L’invisible est partout autour de nous. (...)
Le monde de l’invisible est réel.
On ne devrait pas l’exclure de la sculpture ni du monde de l’art.'
Walter De Maria, « Projet d’une grande Earthsculpture. Munich – Site des Jeux olympiques 1972 » (extraits), 1970

Mode d'évaluation :
Participation en cours, rendu écrit en fin de semestre.

Bibliographie :
- Denys Riout, Portes closes et œuvres invisibles, éd. Gallimard, 2019
- Vides, une rétrospective, éd. Centre Pompidou, 2009
- Lucy Lippard, Six years: the dematerialization of the art object from 1966 to 1972, éd. Praeger, 1973

Support de cours :
Cours magistral, participation requise et appréciée

Objectifs pédagogiques :
La définition classique d'un séminaire ('Groupe d'étudiants effectuant un travail pratique de recherche sous la direction d'un enseignant; ensemble des séances de ce groupe'. http://www.cnrtl.fr/lexicographie/s%C3%A9minaire) sera ici inversée : loin que l'enseignant dirige un 'enseignement', chaque étudiant.e de 3ème année sera invité à produire un texte de recherche, qui soit personnel, et dont la présentation comptera pour la validation du DNA. Il s'agira d'une production théorique sur sujet libre, idéalement réalisé à partir d'un choix d'oeuvres ou objets culturels éventuellement disparates. Plusieurs ateliers permettront, au cours de l'année, d'accompagner à la production du texte personnel en question : définition d'un sujet, discussion sur des types d'approches possibles, lectures partagées, etc. Il s'agira, alors cette fois dans le sens correct du terme 'séminaire', d'en retranscrire les possibles enseignements.

Mode d'évaluation :
bilan semestriel + présence en cours

Objectifs pédagogiques :
Cet atelier a pour finalité d’accompagner l’étudiant·e dans la production d’un texte explicatif sur sa recherche plastique. Il lui servira notamment pour ses demandes ERASMUS et son portfolio. Il s’agira de cerner les problématiques qu’aborde ce travail et la spécificité des moyens mis en œuvre pour y parvenir.

Contenu :
Cet atelier d’écriture se fera à partir de commandes répétés et ponctuelles de textes de formats divers de ton et de style non artistiques (tweet, argumentaire, etc.). Il s’agira de réaliser des exercices de style.

Mode d'évaluation :
Production textuelle et assiduité.

Bibliographie :
Raymond Queneau, Exercices de style
Pierre Bayard, Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ?

Objectifs pédagogiques :
Sensibiliser les étudiant.e.s à la documentation de leur pratique.

Réfléchir et concevoir les moyens de rendre compte de la recherche et de la production. Seront ainsi considérés l’écriture, la captation et l'apport de documents sources.

Une attention particulière sera portée à l’adéquation entre les moyens employés et l’objectif de la documentation, ce qu’elle tend à montrer et veut mettre en avant. En n'imposant aucun formatage, nous tenterons de trouver avec chaque étudiant.e comment documenter un corpus, d’une pratique et d’une démarche.

Contenu :
Chaque séance du second semestre fait le suivi des propositions d’étudiant.e.s.

‘La documentation’ a pour finalité la production d’un portfolio, pièce obligatoire du passage du Dna. Sont donc abordées les notions de mise en page, d'impression et de diffusion.

Mode d'évaluation :
Évaluation sur la présence et la production d’un portfolio.

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.

Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc, sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Tout au long du cursus, depuis le 'sujet' imposé et la thématique, jusqu'à la problématique spécifique du projet individuel et de la recherche, il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Dans la continuité de l'organisation et de l'évolution plastique du travail (cf. fiche mise en œuvre et développement), l'étudiant est amené à prendre en charge la dimension de finition des travaux en adéquation avec les enjeux plastiques, conceptuels et méthodologiques du projet.

Contenu :
En option art, depuis le 'non-fini' jusqu'à 'l'hyper-poli', du 'trash' au 'clinquant' en passant par 'l'esthétique du fragment' ou le 'non-visible', il semble évident que la qualité des réalisations ne puisse être définie que de façon singulière et relativement à l'orientation du projet personnel de l'étudiant jusque dans son approche des consignes et contraintes données sous forme de thématique ou territoire dans le cadre du 'programme' d'atelier.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture de recyclage dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet à partir des déchets*
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et étudiés en utilisant les déchets et les problématiques de recyclage.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture basée sur le réutilisation.

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio et la fin de l’année, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude d’ABC Déchets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets et spécifiques
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet d’ABC Déchets.
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un, ou plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
1234 objets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture dans toute sa dimension actuelle.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Ce sont des semaines au numéros paires. Il y a deux sessions, d’une journée. Les étudiant(e)s 2 et 3 art sont mélangés.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des objets qui relèvent du territoire, de la sculpture et de l’art ?
Quelles sont les possibilités et quoi sont les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication des objets et des sculptures.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes. Les présentations sont commentées et corrigées par les professeurs.
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Présence au cours et participation aux activités de groupe-10 %
- la présence au studio
– Écoute attentive
– Participation dynamique
– Singularité
– Ponctualité

Différents stades du projet-40 %
La capacité de mettre en œuvre une sculpture en utilisant les moyens de l’école et plus spécifiquement le pôle volume
– Qualité d’exécution des stades de recherche
– Ouverture à la recherche et à l’exploration
– Singularité
Projets personnels-40 %
la réalisation de travaux pratiques personnels
–Qualités d’interrelation du processus de travail
–Qualités formelles des réalisations.
–Qualités formelles de présentation du travail

Capacités critiques et autocritiques-10%
La capacité de l’étudiant à exercer un regard critique/autocritique à propos du projet réalisé.
– Capacité à communiquer son point de vue vis-à-vis des projets entrepris.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et deuxième session du studio.

- Histoire de la sculpture moderne, Herbert Read, Paris : Arted Éditions d'Art, 1985 ISBN 2-85067-068-5
- Qu’est-ce que la sculpture moderne ? Centre Georges Pompidou , 1986 ISBN2-85850-333-8
- Passages. Une histoire de la sculpture de Rodin à Smithson, Rosalind Krauss, Édition Macula, Paris, 1995-2015, ISBN 978-2-86589-056-9
- La Sculpture Aujourd'hui Judith Collins Phaidon ,Paris 2008, ISBN 978 07148 5861 6
- Qu’est-ce que la sculpture aujourd'hui ? Beaux-Arts Éditions Caroline Cros 2008
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Status of sculpture : [exposition itinérante, 1990] / [organisée par l'Espace lyonnais d'art contemporain] éditeur : Espace Lyonnais d'art contemporain, ISBN 2-906709-28-X br. 120 F
-Dictionnaire international de la sculpture moderne et contemporaine, Alain Monvoisin
ISBN: 978-2841052110
- Out of actions between performance and the object 1949 -1979, MOCA Los Angeles 1998 Isbn 0-500-28050-9

Objectifs pédagogiques :
1.1 Objectifs généraux :

1.1.1 Savoir identifier quelques problématiques de la sculpture de recyclage dans le champ de l’art contemporain
1.1.2 Savoir produire un objet à partir des déchets*
1.1.3 Savoir présenter/accrocher les objets réalisés
1.1.4 Savoir analyser et formuler les concepts basés sur les objets réalisés et étudiés en utilisant les déchets et les problématiques de recyclage.
1.1.5 Savoir utiliser une technique spécifique de la sculpture basée sur le réutilisation.

1.2 Objectifs spécifiques :
À la fin de ce studio et la fin de l’année, l’étudiant devrait être capable de :

1.2.1 Définir quelques concepts rencontrés lors de l’étude d’ABC Déchets.
1.2.2.1 Réaliser des phases d’études d'objets concrets et spécifiques
1.2.2.2 Entreprendre des travaux pratiques, études, expérimentations en relation avec son projet d’ABC Déchets.
1.2.2.3 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation des objets
1.2.2.4 Utiliser les résultats de l’expérimentation pour la réalisation d’un objet ou une série d’objets dans un des secteurs du pôle volume.
1.2.3 Savoir construire des dispositifs de présentation en relation avec l’objet ou les objets réalisés
1.2.4 Savoir représenter toutes les phases du projet dans un document en utilisant, texte et image et références
1.2.5 Savoir utiliser un, ou plusieurs techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.

Contenu :
ABC Déchets est un studio, un atelier d’enseignement pratique et réflexif, pour expérimenter les enjeux de la sculpture à partir de la notion du déchet. Le mot déchet étant pris dans le sens le plus étendu ; d’abord c’est une matière sans valeur et inutile qui est rejetée, mais c’est également ce qui tombe d’une matière qu’on travaille ; résidus, débris et dans le sens figuré une personne déchue, un déchet de la société. Ce qui est, certainement, un aspect plus compliqué à travailler, mais rien n’est impossible.
Ce studio se passe pendant une journée complète par deux semaines. Le studio est mixte et est ouverts aux étudiant(e)s 2 et 3 art.
Les problématiques abordées sont :
Comment produire des images et objets qui relèvent de la problématique de déchets* en produisant de l’assemblage, de la sculpture et de l’installation ?
Quelles sont les possibilités et quoi est les contraintes de la fabrication, en relation avec les questions de recyclage et de mise à niveau qui sont au centre aujourd’hui ?
Bien sûr, cette question est toujours en relation avec le contexte du pôle volume de l’ENSBA-Lyon, sa ville et sa région.
On apprend, d’utiliser un savoir-faire pragmatique, pour aborder les problématiques de fabrication d’assemblages, objets, sculptures et installations.
Cette production est toujours accompagnée de réflexions techniques, pragmatiques, culturelles, historiques, philosophiques et politiques…
Le studio propose des plages horaires à orientation théorique, nourri par les étudiant(e)s par un exposé, passant en revue un artiste ou un groupe d’artistes utilisant les déchets ou le recyclage. Les présentations sont commentées et corrigées par le professeur et les étudiant.e.s .
L’expérimentation est individuelle et toujours en étroite relation avec les techniciens du pôle volume.
En premier semestre, en plus de son travail individuel, l’étudiant doit produire un travail avec une des techniques disponibles au pôle volume, pour augmenter ces capacités techniques et d’autonomie.
La réalisation est suivie par les techniciens du pôle volume et accompagnée, validée et évaluée par les professeurs.

* Déchet : https://fr.wikipedia.org/wiki/D%C3%A9chet

Mode d'évaluation :
Évaluation à la fin de chaque semestre.

Bibliographie :
Cette bibliographie est à compléter. Il s'agit d'un exercice collectif, proposé aux étudiants entre la première et la deuxième session du studio.

- Vies d’ordures, de l'économie des déchets, catalogue de l'exposition, sous la direction de Denis Chevallier et Yann-Philippe Tastevin, coédition Mucem/Artlys, Marseille, 2017
- Quand l’Art fait les poubelles, Julie Ackermann, Beaux-Arts Magazine, Paris, 2017
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/
- Vers un art anthropocène. L’art écologique américain pour prototype, Bénédicte Ramade, Dijon, Presses du réel, 2022.
- Rehab, l'art de re-faire
Éditions Gallimard - Ouvrage broché - 40 pages - Textes en Français - Publié en 14/10/2010
- L’Exforme : art, idéologie et rejet / Nicolas Bourriaud, PUF, Paris, 2017
Une méditation étonnante sur notre condition à l'âge de la multiplication des déchets - déchets du capitalisme, de la consommation, de l'industrialisation, des rêves nucléaires.
- Du périssable dans l'art des années 1960-1970. Thèse de Camille Paulhan, La Sorbonne, Paris 2014

Sur le web :

- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/de-la-recuperation-au-recyclage
- https://www.centrepompidou.fr/fr/videos/video/art-ecologie/art-et-ecologie-quelles-origines
- https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
Chapitre L’art et les déchets https://journals.openedition.org/tc/6321#tocto1n3
- https://blogterracycle.fr/2018/07/20/histoire-des-dechets-dans-lart/

Objectifs pédagogiques :
Comme à l’apparition de tout nouveau médium, les artistes se sont emparés, depuis plusieurs années, de la sphère du numérique pour l’explorer comme « nouvelle frontière ». L’idée est d’investir cette réalité, non comme outil, mais comme espace de projet - d’utopie. Trouver des « données » spécifiques qui permettront d’élaborer des projets de réalités [diffé-rentes], (la réalité augmentée par exemple !).

Contenu :
La lecture d’œuvres, associée à une approche théorique, sera un des temps de travail pour comprendre où se situe le 'numérique' et comment s’emparer de ses éléments singuliers et de ses territoires connexes. Le studio propose aussi de s’aventurer dans des projets sans pré-requis. Il s’agira dans un deuxième temps d’en définir les conditions de production (économie des compétences et des contingences) et de mettre en œuvre, si possible, des réalisations.
Ce studio est impliqué dans la programmation de l'ARC @ le Labo NRV.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, projet personnel et bilan semestriel.

Bibliographie :
Chaos Computer Club https://fr.wikipedia.org/wiki/Chaos_Computer_Club

Objectifs pédagogiques :
interroger sa relation au dessin dans toutes les acceptations de ce terme au travers une pratique directe de production en atelier.
Comprendre et analyser le rapport entre les modes de production et les objectifs de l'étudiant-e au fur et à mesure qu'en apparaisse les enjeux.

Contenu :
Cosmicomics est un studio de production et de discussion consacré aux multiples expériences possibles du dessin contemporain. A partir de travaux d’artistes que vous aurez choisis et que nous examinerons ensemble, nous viendrons interroger votre propre partique, votre propre rapport à ce que l’on appelle dessin et que nous essaierons ensemble de re-définir.
Même si il ne requiert aucune compétence technique préalable il s'adresse à celles et ceux qui souhaitent approfondir leur relation à la chose dessinée. Il s'agira de délaisser, le temps du studio, les projets en cours pour se laisser dériver dans les espaces, les lignes, les couleurs, les supports et surfaces qui constituent le territoire du dessin.
Sous la forme de courtes cessions successives avec parfois des contraintes imposées, le studio propose d'explorer par le concret de la pratique les ressources propres au dessin, ses capacités singulières à proposer une autre lecture aux sujets, aux points de  vues. Cadrages, supports, conservation, changements d’échelles ,reproductions...etc seront autant de questions à aborder à partir du dessin lui même ainsi que dans sa capacité d'articulation aux autres médium ( photo, vidéo, édition…).

Lundi après midi  ( Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière).

Mode d'évaluation :
contrôle continu
Le temps réduit du studio suppose une rigueur aux horaires stricts et à la présence régulière.

Bibliographie :
tous support nécessaire au développement de la pratique.

Support de cours :
Entretiens et conversation autour de la table ou en accrochages informels.

Objectifs pédagogiques :
Interroger les enjeux des visibilités des projets depuis leurs origines jusqu’à leurs finalités.

Tout d’abord, il s’agira de développer la relation que peut entretenir chaque étudiant avec la diversité et la complexité des représentations, discours et informations que le monde contemporain produit sur lui-même : Définir des champs d’investigations, soustraire des fragments au réel (empreintes ou documents), les manipuler à travers une pratique ouverte de l’expérimentation pour interroger la manière dont ces formes parcellaires sont susceptibles d’alimenter le processus artistique.

Ensuite, au travers des expériences d’accrochages situés ou non il s’agira de questionner la rencontre entre les productions et les espaces qui les soutiennent, les entourent, les supportent.
Détendre les murs, déplacer les touches, les gestes, monter sur les pots et retendre les liens.
Interroger la place du regardeur, les enjeux de sa présence physique.
Relancer les dés qui régissent lieux de productions et lieux de monstration.

Contenu :
Vos projets s’élaborent autant par ce que vous apprenez qu’avec ce que vous savez déjà.
Sans le savoir, sans même le vouloir vous opérez un montage plus ou moins solide avec les éléments qui vous interrogent. Qu’elles soient choisies délibérément ou qu’elles se présentent à vous par hasard, les choses qui vous interpellent et qui constituent votre projet en cours, sont là sous vos yeux et tentent de formuler une question claire.
Tout vient s’entasser, parfois sans raison apparente.
Vient le moment de trier, de formuler, d’accrocher, de prolonger, d’agrandir, de copier, de multiplier, de jeter, de tout reprendre à l’envers, de changer d’échelle : mettre en place une pratique de la factographie.
Le projet a besoin de temps et d’espace, de rencontres et d’imprévus.
C’est ce travail de montage que nous examinerons collectivement lors de nos séances de travail. Chacun, chacune viendra partager sa recherche sous quelque forme que ce soit ( sur table, au mur, sur ecran, dans vos gestes ou les 4 à la fois…) mixant des éléments produits par vous avec des éléments qui en constituent l’origine, la source.
A partir de cela vous construirez des hypothèses que nous tenterons de verifier à la logique des murs, des espaces investis. L’alternance des séances de travail devra permettre ce mouvement entre vos recherches, vos montages et ce que vous en faites.

Vos methodes de travail et d’investigations seront au coeur de nos interrogations pour arriver à monter vos projets.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Roland Barthes, « L’effet de réel », Communications, n° 11, 1968
Giovanna Zapperi (dir.) : L’avenir du passé / Art contemporain et politiques de l’archive. Presses universitaires de Rennes. (2016).
Aline Caillet et Fréderic Pouillaude : Un art documentaire: Enjeux esthétiques, politiques et éthiques. Presses universitaires de Rennes. (2017).
Marie-Jeanne Zenetti / Factographies : l’enregistrement du réel en littérature, Classiques Garnier, collection « Littérature, histoire, politique », (2014).Georges Didi-Huberman : Images malgré tout, Les éditions de minuit. 2005
Jacques Derrida, A dessein, le dessin suivi de Derrida, à l’improviste par Ginette Michaud Le Havre : Franciscopolis, 2013
Revue Tête à tête. Revue d’art et d’esthétique / www.revuetat.com. Rouge profond.
Roven. Revue critique sur le dessin contemporain. Roven éditions
Jean-Luc Nancy, « le plaisir au dessin », 2007.

Objectifs pédagogiques :
Le studio a pour but de permettre à l’étudiant de donner de l’ampleur à ses projets, de lui proposer une expérience collective et d’engager avec le groupe une réflexion sur la production à la base de l’oeuvre.

Contenu :
Le Groupe d’Entraide pour la Pratique et la Production est un système d’échange du temps et des savoir-faire. Les étudiants proposent des projets pour lesquels ils ont besoin d’aide. Le studio fonctionne comme un Système d’Échange Local, chaque étudiant est à la fois porteur de ses projets et participant dans les projets des autres.
Preneur de son, performeur, figurant, régisseur, photographe, décorateur, danseur, céramiste, monteur, modèle, déménageur, traducteur, mathématicien, musicien… Les étudiants s’entourent dans leur démarche et chacun prend divers postes selon les besoins. La communauté formée par le travail donne une réalité aux projets. Dans ce studio, les oeuvres ne sont pas dissociables de leur processus de production, ce lien constitue une base conceptuelle et méthodologique au développement des projets et à la réflexion.

Mode d'évaluation :
Le travail de production se passe en dehors du temps du studio : les projets se développent entre les étudiants. Le studio sert de base et de lieu de réflexion, on y prépare les projets et on y présente ce qui a été produit. Il est basé sur la participation et requiert une présence, une participation, une attention.

Bibliographie :
Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, Dehors, 2017
Jacques Rancière, Le maître ignorant, 1987
William Golding, Sa Majesté des Mouches, 1954

Objectifs pédagogiques :
sujet, un thème, mais le mettre au centre comme une puissance agissante radicale et comme une ressource pour réorganiser les savoirs et les intuitions, investir notre présence au monde et aux autres, à travers des formes et des process qui s’inscrivent dans l’espace, le temps et la perception en mouvement.

Contenu :
En première partie d’année, un atelier nomade dans différents lieux où on commencera par ouvrir un champ d’expériences à travers des propositions très concrètes : des pratiques corporelles accessibles à toustes, l’observation et l’écriture de situations, la notation d’événements, le déploiement de protocoles. On fera avec le corps tel qu’il est - ses possibles, ses fragilités et ses énergies changeantes. Corps individuels et corps collectif à densité variable.
Au deuxième semestre, le Musée des beaux-arts de Lyon sera investi par l’écriture collective de propositions qui seront présentées publiquement lors de la nuit des musées le 17 mai 2025.

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'investir le médium de la maquette. Il s'agira d'expérimenter comment la maquette peut devenir un moyen d'anticipation du travail, de compréhension des gestes que la pratique met en place et d'appréhension de l'espace.

Contenu :
Nous partirons du principe que la maquette peut être le premier geste pour matérialiser une idée. Nous questionneront alors quels sont les gestes qu’il engendre. La maquette comme l’esquisse du volume. Quelle échelle peut ou doit prendre le projet final.
Entre espace de projection et jeux d'échelle, la maquette pourra être un simple entrainement quotidien ou la finalité de la pièce. En effet, est-ce la maquette ne peut-elle pas devenir un moyen de réfléchir le travail mais aussi un médium à part entière qui questionne nos espaces et les relations qu’il engendre.
Nous expérimenterons la place qu'elle peut prendre dans le travail et les enjeux qu'elle sous-tend.
Lors de ce studio, nous prendrons un temps pour réfléchir aux gestes d’atelier et qu’il implique tant formellement que conceptuellement. Ce studio se déroulera principalement au pôle volume dans l’idée d’un temps d’atelier. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Initiation théorique et pratique.
Maitrise de l’outil photographique et compréhension de ses enjeux.
Développement d’une démarche personnelle.

Contenu :
'L'acte photographique n'est pas juste une captation, un simple enregistrement, mais la construction consciente et volontaire d'une image.' Stephen Shore.

La fabrication d’une image photographique est sous-tendue notamment par la question du point de vue, tant spatial que mental. On évoque souvent la question de la place du spectateur, nous tenterons ici de réfléchir aussi sur la place de l’artiste lorsqu’il se pose dans et/ou devant le monde pour en construire une représentation.

Le studio s'appuie sur une pratique photographique régulière de votre part, sur le développement d'une démarche personnelle, et une analyse critique collective des travaux produits.

Ce sera l'occasion d'aborder quelques problématiques liées à l' apparition de la photographie depuis son invention jusqu'à aujourd'hui, nous exposerons et commenterons de nombreux documents et oeuvres photographiques contemporains ou historiques (lecture des textes fondateurs, approche des enjeux actuels...)

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilans semestriels.

Bibliographie :
« Histoire de la photographie », Lemagny/Rouillé, Bordas.

« L’ invention d’ un regard, 1839-1918 » Musée d’ Orsay, RMN .

« Le public moderne et la photographie » Charles Baudelaire .

'Hommes du XXème siècle', August Sander.

« Sur l’ art et la photographie », Walter Benjamin, arts et esthétique.

'Louons maintenant les grands hommes', Walker Evans et James Agee, Terre humaine Plon.

« American photographs » Walker Evans, Moma .

« Le style documentaire 1920-1945 » Olivier Lugon, Macula . 

La dénivelée » Hubert Damisch, Seuil 
.
« Le photographique » Rosalind Krauss, Macula
.
« Platitudes » Eric de Chassey, Gallimard
.
« La chambre claire » Roland Barthes.
Pour une philosophie de la photographie. Wilém Flusser. éd Circé.
Les raisons du paysage. Augustin Berque. éd. Hazan.
Revues : « Etudes photographiques », SFP
« Les cahiers de la photographie: Robert Frank, Henri Cartier Bresson, William Klein etc... »
également, bien sûr : les monographies des photographes,
(et différents textes communiqués au fur et à mesure de nos questionnements, de nos rencontres et de nos besoins).

Support de cours :
Présentation régulière sous forme de cours et de projections liés à l'Histoire ansi qu'à l'usage de la photographie aujourd'hui.

Objectifs pédagogiques :
A partir des travaux de Erwin Panofsky et Max Imdahl nous réfléchirons sur la stratification des couches d'information, et donc de lecture, d'une oeuvre d'art. La prise en compte de ces couches nécessite une définition de la distance que le spectateur souhaite entretenir avec cette même oeuvre. Le studio constitue une tentative de comprendre ce “choix de distance” comme outil de travail plastique.

Contenu :
Chaque séance sera centrée sur UN travail d'UN(E) étudiant(e) ou UNE Oeuvre à choisir dans des Institutions lyonnaises.
Sur la base d'un description minutieuse (voir ergoteuse) – et donc lente – par l'ensemble des participants du studio, nous allons tenter une analyse / lecture critique du phénomène plastique en question, non pas dans le but de son “amélioration”, sa “correction”, sa “déconstruction” ou son “enrichissement”, mais dans l'optique de nommer sa place dans le monde. Il s'agit d'une tentative -évidemment vouée à l'échec- d'épuisement des informations contenues dans un phénomène plastique, et des possibilités de sa liaison au monde

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel

Objectifs pédagogiques :
Développer une pratique d’édition.
Opérer un rapprochement avec le film.
Penser l’exposition et la diffusion.

Contenu :
Le terme 'populaire' est interrogé par l'étudiant.e et exposé pendant le cours.
Nous verrons comment la notion est perçue par chacun.e, à l'aune des formes imprimées et du champ de l'art.
Chaque proposition de pièce imprimée doit porter la pensée de cette notion et son articulation esthétique ou plastique.

Les séances de travail sont collectives, prolongées au besoin de rendez-vous individuels. La fréquentation active du pôle édition est recommandée, tant pour une approche des outils qu’un usage approfondi.

En début de chaque séance, présentation d’éditions d’artistes, aventures éditoriales, portraits d’éditeur.ices.

Mode d'évaluation :
De janvier à mai, suivi continu — travail d’atelier, discussion collective, réalisation.
Fort accent mis sur l'exposition et diffusion.
Évaluation en fin de semestre.

Bibliographie :
Rémy Zaugg, 'Constitution d'un tableau – Journal – 1963-1968/1988', Les presses du réel
Tristan Garcia, 'L'image', Atlante, 'Clefs-concours', 2007

Support de cours :
Actualité d’éditeur.ices, distributeurs, librairies, galeries, artothèques produisant et diffusant des éditions d’artistes : artothèque de la Maison du livre de l’image et du son, Villeurbanne; After 8 Books, Paris; Florence Loewy, Paris; Centre des livres d’artistes, Saint-Yrieix la Perche; Centre d’édition contemporaine, Genève; Nieves, Zürich; Roma Publications, Amsterdam; Motto Berlin-Vancouver-Bruxelles-Zürich; Printed Matter, New York, entre autres.

Salons : Offprint, Paris; Missread, Berlin

Objectifs pédagogiques :
Découverte et approfondissement théorique et pratique des outils numériques à partir des travaux de l'étudiant lors de séances de Lectures d'Images.

Les Lectures d’Images qui accompagnent le travail pratique se positionnent comme un laboratoire d’analyse du regard et de la multitude des angles possibles dans le développement de l'écriture et de la pensée filmique. C'est un lieu de recherche et de propositions.
Les vidéos présentées sont la matière d'échanges collectifs, étudiants/enseignant(s), où sont questionnés les modes et les enjeux filmiques pour développer et aboutir les projets. C'est un temps d'accompagnement qui agit et fait le lien entre le travail solitaire et le temps où le projet est partagé et rendu public.

Contenu :
Les outils de prise de vue d’aujourd’hui se multiplient à partir d’un « tronc commun » qui est l’image HD (haute définition 2K, 4K). Dans le choix de ces outils pour construire une recherche filmique se pose maintenant la question de leurs spécificités propres (haute définition, rapidité de traitement et de communication, texture cinématographique…) et de la pertinence de leur mise en œuvre et de leur adaptation à la démarche artistique. Ce choix, au-delà de l’aspect technique et formel des outils, implique de prendre en considération les aspects plastique, éthique, politique, artistique qui les accompagnent. Comment ces outils déclinés peuvent-ils permettre à chaque étudiant un accès parcellaire à l’ensemble des formes revendiquées comme filmiques aujourd’hui (cinéma, télévision, art vidéo…) et donner lieu au développement de travaux cohérents et singuliers ? Quel est le moment charnière où des images numériques deviennent film ? Intention, prise de vue, direction, montage, générique de fin, diffusion ?
Ces questions seront abordées lors des Lectures d’Images (intensives en année 3) durant lesquelles, à chaque session, l'étudiant sera invité à présenter une vidéo aboutie ou des éléments de recherches, en cours de projet, devant tous les inscrits au studio et en présence de l’enseignant. En plus de la présentation formelle et critique, l'étudiant devra formuler une (des) question(s) précise(s) sur le film ou la séquence présentée, en relation avec une interrogation pratique, esthétique voire éthique sur le film ou une partie du film. Elle sont l'amorce et l'axe de l'échange collectif et paritaire en vue de trouver une ou des solutions ou proposer une orientation de travail à venir. Les séances de présentation de travaux de Lectures d’Images peuvent s’accompagner du visionnage de films sélectionnés par l'enseignant du studio.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
- André Bazin, « Qu’est-ce que le cinéma ? », Cerf, coll. 7e art, 1976, 372 p.
- Raymond Bellour, « L’entre-images », La Différence, coll. Essais, 2002, 349 p.
- Bernard Benoliel, « Opération Dragon de Robert Clouse », Yellow Now, coll. Côté Films n° 17, 2010, 128 p.
- Robert Bresson, « Notes sur le cinématographe », Gallimard, coll. Folio, 1995, 137 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 1. L’image-mouvement », Minuit, 1983, 298 p.
- Gilles Deleuze, « Cinéma, tome 2. L’image-temps », Minuit, 1985, 378 p.
- Serge Daney, Serge Toubiana , « Persévérance », P.O.L, coll. Essais, 1994, 171p.
- Michel Rush, Christian-Martin DIiebold, « Les nouveaux media dans l’art », Thames and Hudson, coll. L’univers de l’art, 2005, 248 p.
- André Gardies, « Le récit filmique », Hachette, coll. Contours littéraires, 1993, 151p.
- Guy Gauthier, « Le documentaire, un autre cinéma », Armand Colin, coll. Cinéma, 2008, 428 p.
- Michel Chion, « Ecrire un scénario », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 344 p.
- Henri Colpi, Nathalie Hureau, « Lettres à un jeune monteur », Seguier, coll. Carré ciné, 2006, 176 p.
- Dominique Païni, « Le temps exposé : Le Cinéma de la salle au musée », Cahiers du cinéma, coll. Essais, 2007, 142 p.
- Andrei Tarkovski, « Le temps scellé », Cahiers du Cinéma, coll. Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma, 2004, 288 p.

Objectifs pédagogiques :
Ce studio propose d'envisager le volume non pas comme une fin en soi mais comme un tissus de relation à travailler et qui le détermine.

Contenu :
Dans ces relations, il y a l'espace que l'on pourrait considérer comme la réciprocité du volume, le vide que ce dernier crée, l'espace que ce dernier prend et les dialogues qu'il opèrent. Il y a les matériaux et leur rapport de forces, leur fusion, leur tension, leurs états. Il y a l'atelier : les techniques que l'on rencontre, l'énergie de construction que l'on déploie et la rencontre avec l'autre qui permet de développer le travail. Il y a l'extérieur : notre rapport au monde, l'imaginaire que les formes et les matériaux convoque. Ce rapport au monde est loin d'un rapport individuel mais bien dans l'expertise d'une conscience collective et d'une inscription dans le monde.

Tout ceci est intrinsèque à la production d'un volume, à sa forme et sa présence dans l'espace. Qu'il soit sculpture installation ou accessoire, il se compose et se construit par différentes expériences.

C'est toute ces étapes que nous travaillerons, nous questionnerons dans une dynamique de production régulière et en mouvement. Ce vis vers ça c'est aussi déjouer l'ordre des étapes que l'on pense généralement comme unilatéral : idée, atelier, espace de monstration. Nous ferons donc des allez retour, des détours et des répétitions pour augmenter le travail et envisager le projet non pas comme ce qui arrive à la fin mais ce qui ce fait maintenant en jouant de ces capacités.

Ce studio se déroulera donc en différents lieux et en différents temps pour qu’alterne espace de monstration et espace de travail. Il sera le moment d’échanges collectifs autour du travail de chacun.

Mode d'évaluation :
Bilan et contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Acquisition de connaissances dans le cadre d'un atelier intensif d'enseignement dirigé par une personnalité extérieure à l'école, qu'il soit artiste designer ou auteur en collaboration ou non avec un ou des professeurs.

Contenu :
La durée (entre 2 et 5 jours) et le fonctionnement du workshop varient selon les enjeux pédagogiques. Les contenus sont très diversifiés et en corrélation avec le travail des personnalités invitées.
Le workshop peut s’inscrire dans un ensemble thématique d’enseignements du type arc/atelier de recherche et de création.

Mode d'évaluation :
Evaluation lors du bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
L'épreuve du diplôme national d'art, d'une durée de trente minutes, prend la forme d'un entretien avec le jury comprenant la présentation par l'étudiant d'un projet plastique accompagné par une sélection de travaux plastiques et d'un document écrit sélectionné parmi ceux réalisés pendant les semestres 5 et 6.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).
Être capable d'écrire des applications pour des résidences ainsi des applications dans d'autres institutions/écoles.

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
'How to Write About Contemporary Art', Gilda Williams, Thames et Hudson
20th Century Words, Oxford University Press
'Berger On Drawing', J. Berger, Occasional Press
Allen Ginsberg 'Collected Poems - 1947-1997', Penguin

Support de cours :
The studio as a space of presentation, discussion and debate

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche ACTH Art contemporain et temps de l'histoire. Il se propose de développer chez l’étudiant.e un point de vue d'artiste fondé sur une méthodologie théorique spécifique. Le séminaire s’organise autour de l’étude d’une œuvre particulière en convoquant les « régimes d’historicité » que cet objet met au travail.

Contenu :
Le séminaire a traité les années précédentes de la relation entre art et violence et a porté son attention sur ces moments particuliers où le langage et la perception sont suspendus. L'expérience cognitive du langage, comme celle de la production d’images, se fonde sur un travail d'élaboration, au sens de la transformation qui se produit en nous quand nous formulons, ou quand nous écoutons un récit et quand nous produisons, ou quand nous observons une image. C’est un travail de trans-laboration.
L’expérience de la violence, comme celle du rire, mettent le langage hors service. Notre corps éructe interrompant toute élaboration. Ces états de suspension peuvent être vitaux, comme le fait de rire pour sortir d’une situation intenable, ou alors profondément négatifs, comme une sidération qui affecte toute notre capacité motrice.

Nous allons nous intéresser cette année à une forme particulière du rire, celle que la divinité Baubô, arrivée en Grèce antique via l’Asie mineure, déclenche auprès de la déesse Déméter, réarmant sa vitalité et avec elle toute celle de la nature. Selon ce mythe grecque, la déesse a ainsi donné vie à l’agriculture.
Friedrich Nietzsche parle dans la préface du Gai Savoir (2e éd., 1886) de cette force vitale comme d’une vérité : « Peut-être la vérité est-elle une femme qui est fondée à ne pas laisser voir son fondement ? Peut-être son nom, pour parler grec, est-il Baubô ? »
Baubô était représentée comme une tête sur jambe dont les lèvres des deux orifices, celles de la vulve et celles de la bouche étaient si proches qu’on ne saurait pas dire laquelle des deux bouches est en train de nous parler. Ce fondement (Grund en allemand, ou « raison ») que la Nature dissimule à l’intellect des philosophes – comme elle le dissimule au regard des voyeurs et de l’omnipuissant patriarche – est au centre des travaux d’Anna Holveck et des recherches qu’elle porte au sein de l’unité ACTH sur la voix, la bouche, le corps féminin et le lieu du souffle d’où naît la parole.
Le séminaire se propose d’articuler ces contenus à partir de la lecture du film de Paul Vecchiali, Femmes femmes, de 1974 (https://www.youtube.com/watch?v=xJaadg2wBbw) qu’on va regarder et commenter avec Anna Holveck au premier semestre.
Le rapport irrésolu que le film décrit entre vie (vraie ou fausse, vécue ou rêvée, celle du corps ou celle de l’esprit) et mort (là aussi physique ou mnémonique, agie ou procrastinée) éclate dans un rire qu’on ne saurait pas classer. C’est ce rire, porté par les mêmes actrices jouant la même pantomime, que Pier Paolo Pasolini fait apparaitre comme une citation dans son dernier film Salò, où les 120 journées de Sodome. Il nous indique au début du dernier Giron du sang que devant tant d’horreur la seule solution vitale est le rire ; le rire de Femmes femmes.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- AAVV, “Découper le temps en son lieu. Parcours expérimental / Cutting out Time in its Place. Experimental journey,” B.Rüdiger (dir.), éd. ENSBA Lyon, 2019, avec Y.Annicchiarico, A.Bonnard, J.Lauro‐Mariani.
- AAVV, “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, G. Careri et B.Rüdiger (dir.), éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016, avec les contributions de L.Acquarelli, Y.Annicchiarico, S.Bergala, B.Duvernay, A.Mengoni, J.Lauro-Mariani, Th.Léon, M.Montazami, Ph.Rousseau, E.L.Santner, A.Tournon et R.Ubl.
- AAVV, “Face au Réel, éthique de la forme dans l’art contemporain”, G.Careri et B.Rüdiger (dir.), un séminaire de recherche avec P.Montani, A.Gunthert, Th.Schütte, L.Fabro, A.Sekula, E.Van Alphen, M.Bal. Avec les contributions de B.Seror, A.Elis, F.Morandini, M.Montazami, A.Bourse, A.Janevski, É.Parendeau, Ph.Rousseau, A.Abramov, K.Poltowicz, É.Amet, A.Creissels.
- Yann Annicchiarico, “De papillons de nuit et de l’échelle de Muybridge / Of Moths and Muybridge’s Scale”, éd. ENSBA Lyon, 2022.
- Bernhard Rüdiger, 'Horizon de formes , langages vivants de l'art contemporain', Ensba Lyon, 2024

Objectifs pédagogiques :
Accompagner de jeunes artistes dans la construction de leur espace de recherche et dans la fabrication de leurs outils conceptuels et esthétiques dans un monde en mutation.
Apprendre à penser ensemble les questions artistiques et les enjeux économiques, technologiques et sociaux.
Apprendre à questionner les imaginaires contemporains dans la perspective de mettre à jour les impensés issus de la fabrication des représentations coloniales.
Apprendre à se décentrer sans s'approprier.
Construire des relations d’instruction réciproque, évolutives et dynamiques autour d’un objet de recherche et des formes singulières émanant de la proposition artistique.

Contenu :
Le séminaire de cette année s’inscrit dans la continuité des axes de recherche amorcés l’année précédente visant à appliquer une démarche décoloniale à la construction des représentations. L’accent sera mis sur la possibilité de penser d’autres configurations, de comprendre comment adviennent des changements qui rendent la période / le présent obsolètes. Pour reprendre une direction inspirée par la figure d’Octavia Butler, les séances seront « l'occasion de réfléchir de manière critique aux outils et aux compétences dont nous avons besoin en tant qu'êtres humains pour créer le monde que nous voulons » (Adrienne Maree Brown à propos des livres d’Octavia E. Butler). Nous tenterons de penser ces enjeux à partir d’ouvrages clés et en croisant théorie des médias, positions féministes et militantes minoritaires et écologie décoloniale. Les questions de genre, de racialisation et d’expérience étant au cœur de ces prises de positions. Les ouvrages seront mis en regard de travaux d’artistes s’inscrivant et instruisant ces démarches. Une attention particulière est accordée à la puissance de la spéculation et à la production d'un savoir en commun.

Les titres du séminaire sont empruntés aux essais de Philip K. Dick, « Et si ce monde vous déplaît… et autres récits », (Traducteur) Christophe Wall-Romana, 2015, editions de l’éclat, et de Kwame Anthony Appiah, « Le code d'honneur - Comment adviennent les révolutions morales », (Traducteur) Jean-François Sené, 2012, Gallimard.

Objectifs pédagogiques :
A la jonction de l’anthropologie du visuel, de la sociologie et de la biologie, HA24 (92-2024) prospecte les bases et les intrications des formes du vivant, des productions humaines et des correspondances polymorphes (géo-spatio-temporelles). Pour une écologie de l’esprit, une science nouvelle. A partir de fondamentaux et de textes clefs, il s’agira de relire et relier des champs entrelacés par les pratiques artistiques du 21è siècle.
Entre rupture et symbiose, transformations des arts contemporains.


En 2022-2023 nous avions abordé la notion de cadre et dé-cadrage à partir de la figure/des figurations.
En 2023-24 la trame sera celle des nouveaux matérialismes, d'une histoire de l'art en strates, non linéaire et critique: transformationnelle.
A l'injonction de représentation une partie de la modernité a répondu par un art 'non représentationnel' Le post-structuralisme a convoqué le texte et la nature des langages pour 'lire le monde'. Qu'en est-il de la 'mondernité' comme projet inachevé à l'heure de la glocalisation et du global warming?
Quelles formes, projections et positions construisent les mythes d'aujourd'hui?
Non -linéaire:Il s'agira de déjouer le principe linéaire d'une histoire par dates pour une histoire en strates, qui fasse plis et replis de manière critique. Ainsi 2024 regarde 1994, mais aussi les différents 92 (1492, 1792 par exemple); dans une prospective où l'anachronisme, l'oralité et l'anecdote sont des outils tous aussi valides. Non pas une Histoire mais des histoires, par constellation, qui forment des polysphères.
De Post-Human (1992, Uncanny( 1992-93) Hors Limites l'art et la vie (1994) jusqu'aux rétrospectives de Mike Kelley (2024-2025), la biennale de Venise 2024, une pensée hors cadre, hors frontières nait et s'oppose. C'est à la fois celle du post-medium et de ce qu'on a nommé anthropocène, capitalocène, plantianocène....en quoi les oeuvres des artistes nous informent sur ces transformations.
En conjonction: du symbiotique au symbolique.
Sphère du vivant, organique, de l'économie, des formes, des désirs et des circulations, à la croisée de disciplines : poésie, épistémologie, anthropologie, sociologie, mais résolument ancrée dans les oeuvres. A partir de leur écoute, regard, il s'agira de préciser nos positions.
Située: puisant dans une pensée de l'Hominiscience (Michel Serres), des éco-féminismes (Karen Barad, Dona Harraway, Rosi Bradotti) mais surtout à partir de dialogues avec les artistes et les formes qu'ils fabriquent.

Pour cela, revenir sur des fondamentaux, contredire nos apriori et redéfinir nos acquis, parce que l'histoire se fait au présent.
Qu'en est-il de notre contrat naturel et des théories des formes à l'heure de l'exformation? En quoi le style, les styles peuvent-ils encore être des outils critiques? On verra comment les anachronismes et 'anarchives' constituent de nouvelles trames pour de nouveaux récits.



Fondamentaux:
injonction de représentation et mimésis: Qu'en est-il de l'image au temps du screen-time?
Canon/canons= questions de styles
Les Mots et la choses/on n'y voit rien: une image n'est pas la chose, revenir sur l'index
Cadre-hors cadre-hors champs-marges: extension du parergon

Contenu :
Cours en amphi pour toutes et tous, textes et références, débat, à partir de comparaison et de présentation d’artistes et d'oeuvres.
Exemples de cours, sujets à variation selon l'actualité.


0 Peut-on encore faire de l'Histoire de l'art? Contre-leçon inaugurale.
1 Du champignon de la fin du monde à Nour Moubarak: un spore de combat? Expo Symbionts, Lucas Ajemian
2 la Nature n'existe pas: l'invention du paysage, Intime Nature, Chrysallis, Michael Mc Millen, Eva Nielsen, Lucas Ajemian, Luigi Serafini, Samuel Richardot
3 Hors frontières, Reverse Universe,
4 Exformation-Extrusion: Brandon Lattu, Agnieszka Kurant, Magnus Frederic Klausen
5 Les corps combattants, histoires croisées de danse et de performance, Maya Deren, Simone Forti, Yvonne Rainer
6 Les corps politiques: Ana Mandieta, Jenny Holzer, Jack Smith
7 Mike Kelley: rétrospective: Post-Human, Uncanny, Ericka Beckman
8 Ericka Beckman, monopoly, Jack and Magic Bean: la dette
9 Frivolités de la valeur; du Merhvert au Merhlust, Plus Value:, plus que jouir; fétiche, fétichisation marchande. Coleman Collins. Merlin Carpenter
10 mythe et fabrique, double projection, exformation, extrusion: Lap-See Lam, Ming Wong, Agniezska Kurant, Sondra Perry....


En partant de l'actualité contemporaine et de figures clefs de celles-ci, qui en sont les acteurs, on s'interrogera sur des notions de style, d'image, de production et de formes. Métahistorique, l'histoire de l'art est un outil vivant qui évolue et se situe par rapport aux contextes. Au-delà des chronologies linéaires, et des listes on fera appel à la pluralité des approches , afin d'envisager des histoires des arts.
En s'appuyant sur des artistes dont l'actualité permet une visibilité directe, et des expositions qui font questions.
De Post-Human à Chrysallide, le rêve du papillon, la métmorphose, le post-anthropocène et post-entropique, la symbiose (Symbiotrons) et la symbolique
font retour. On s'interrogera sur les racines de ces notions et leur actualité.
On envisagera ces figures singulières à partir de rétrospectives (Mike Kelley, Mika Rothenberg, Isaac Julien...) mais aussi en faisant retour sur des thématiques actuelles (La symbiose, La Ruine, l'Apocalypse, la Transformation) mais aussi de sujets prospectifs et transversaux: le rêve, le parergon, la performativité, l'hybridation et l'agentivité. Ne pas laisser la méta-histoire au Méta-Logo mais inventer sa méthode.

Mode d'évaluation :
Présence régulière.

Bibliographie :
Une bibliographie sera donnée dans le cours, textes fondamentaux et écrits d'artistes.
La conjuration des imbéciles, Kennedy O' Toole
Et on tuera tous les affreux, Boris Vian
Meeting the Universe Half Way, Karen Barad
Sous-culture, le sens du style, Dick Hebdige
Under Blue Cup, Rosalind Krauss
Fear of Small Numbers, Arjun Appadurai
Emanuele Coccia, La Vie des Plantes, Métamoprhoses
All Art is Ecological, Timothy Morton
Limbo, Dan Fox

J'irai cracher sur vos tombes, Boris Vian
Les Choses, Georges Pérec

Support de cours :
Projections images, films, textes. Visites d'expositions et d'ateliers encouragées.

Objectifs pédagogiques :
Réfléchir à partir de l'actualité de l'art contemporain et apprendre à s'y positioner de façon critique

Contenu :
Le séminaire est un lieu de réflexion et de discussion collective sur ce qui fait l’actualité de l’art contemporain. Celle-ci ne se résume pas, loin s’en faut, au calendrier des expositions « importantes », « marquantes », « influentes », etc. qui sont présentées, vernies, tout au long d’une année ici ou là. L’actualité est ici entendue davantage comme celle qui résonne et s’y mêlent aussi bien l’actualité artistique que théorique, ou politique. Le séminaire « les Ondes Courtes » s’intéressera principalement aux projets, aux pensées, aux pratiques et aux engagements de celles et ceux qui redéfinissent leurs environnements immédiats et le périmètre de leur terrain d’action, et notamment la notion de public qui reste toujours, et peut être plus que jamais à réinventer. Les pratiques contemporaines de radiodiffusion – les nouvelles radios libres, pirates, militantes, communautaires, indépendantes, webradios, et plus généralement les utilisations que les artistes ou non artistes font de ce medium/media aujourd’hui – servent de fil rouge au séminaire, non seulement car elles offrent quantité d’exemples où se traduisent et sont expérimentées de nouvelles manières de faire, de penser et d’agir, mais aussi car elles peuvent faire figure de modèles susceptibles d’inspirer toutes autres formes de pratiques artistiques sans lien direct avec la diffusion radiophonique.

Mode d'évaluation :
Assiduité et écrit remis en fin d'année

Objectifs pédagogiques :
Par un travail de réflexion commun, approfondir les questions liées au numérique en art et élaborer des projets en cohérence avec les enjeux contemporains d'une telle pratique.
Pour les étudiants en cycle recherche, l'objectif sera de poursuivre et d'approfondir leurs travaux en cours tout en s'inscrivant dans la dynamique commune de l'atelier.

Ce séminaire se déroulera dans les locaux du labo NRV de l'ENSBA Lyon.

Contenu :
Après un rappel historique des différents moments qui ont balisé les dernières décennies, il s'agira de :
- Connaître les artistes actuels qui privilégient le médium numérique sous toutes ses formes ou ceux qui font appel au numérique de manière singulière, conceptuellement ou techniquement.
- Repérer les œuvres ou les productions numériques signifiantes.
- Répertorier les lieux (institutions, galeries, festivals, site internet, etc.) qui présentent un intérêt pour le numérique ou qui affichent une spécialisation dans le domaine.
- Comprendre les réflexions contemporaines (théoriques, critiques, esthétiques...) liées aux pratiques et à la société numérique.
- S'inscrire par un projet dans ce contexte général en soulevant une problématique originale.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et présentation d'un projet élaboré durant l'année dans le cadre du séminaire.

Bibliographie :
BROWN (Paul), GERE (Charlie), LAMBERT (Nicholas) et MASON (Catherine) (Sous la dir. de), White Heat Cold Logic: British Computer Art 1960-1980, The MIT Press, coll. « Leonardo », Cambridge (MA)/Londres, 2008.
COX (Geoff), Antithesis : The Dialectics of Software Art, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University, Danemark, 2010, http://www.anti-thesis.net/contents/thesis/antithesis.pdf
CRAMER (Florian), Words Made Flesh: Code, Culture, Imagination, Media Design Research, Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy Hogeschool Rotterdam, Rotterdam, 2005, http://www.netzliteratur.net/cramer/wordsmadefleshpdf.pdf
FULLER (Matthew) (Sous la dir. de), Software Studies: A Lexicon, The MIT Press, Cambridge (MA)/Londres, 2008, http://dm.ncl.ac.uk/courseblog/files/2010/02/softwarestudies.pdf
GORIUNOVA (Olga) et SHULGIN (Alexei) (Sous la dir. de), Read_Me. Software Art and Cultures, catalogue Read_Me 2004, University of Aarhus, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus, 2004.
HIMANEN (Pekka), L’éthique du hacker, Exils, Paris, 2001.
KITTLER (Friedrich ), Gramophone, Film, Typewriter, Les Presses du Réel, Dijon/Paris, 2018.
LIALINA (Olia) et ESPENSCHIED (Dragan) (Sous la dir. de), Digital Folklore, Merz et Solitude, Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung, Stuttgart, 2009.
MAIGRET (Nicolas) et ROSZKOWSKA (Maria), The Pirate Book, Aksioma, Ljubljana, 2015.
MANSOUX (Aymeric) et VALK (Marloes de) (Sous la dir. de), FLOSS + ART, GOTO10, Poitiers, 2008.
STERLING (Bruce), 'An Essay on the New Aesthetic', Wired, 2 avril 2012, https://www.wired.com/2012/04/an-essay-on-the-new-aesthetic/
VIERKANT (Artie), The Image Object Post-Internet, http://jstchillin.org/artie/pdf/The_Image_Object_Post-Internet_us.pdf

(Bibliographie en cours)

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.
Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Permettre à l'étudiant de concrétiser et finaliser les éléments issus de la recherche et du développement du projet ou du travail.

Contenu :
Le terme de production vient ici qualifier le travail d'atelier en phase projet et, dans un registre un peu différent, en phase préparatoire du diplôme DNAT.
On peut raisonnablement considérer que dans le cadre d'un projet personnel pleinement orienté du côté d'une activité de recherche, la finesse de la réflexion sur l'économie générale du travail et sa faisabilité d'une part, et, d'autre part,
l'ajustement du niveau de 'l'agir' dans la complémentarité au 'faire', pour la concrétisation des travaux, pièces et objets, conduisent l'étudiant à 'produire' les signes tangibles et manifestes de son projet.
Production donc, tant dans son acception de 'production de l'esprit', au double sens littéral et ici très adapté de 'génération' et de 'formation', que dans son acception de 'production d'objet' tel que tableau, film, etc.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Entretiens individuels et semi-collectifs en atelier.

Objectifs pédagogiques :
L’exercice d’accrochage se veut un moment d’échange qui vise à exposer le travail dans l’espace et dans la parole pour que son autonomie de pensée et sa singularité puissent émerger.

Contenu :
PUBLICO ! est un lieu, et un temps, pour tester et présenter des travaux en cours ou pas encore complètement terminés, comme s'il s'agissait d'une répétition en public, où les intuitions sont partagées et discutées avec l'ensemble de la classe du Master (élèves et enseignants) et ensuite avec l'école dans son ensemble.
Chaque session de Público est préparée à l'avance par le biais d'une discussion avec un binôme d'enseignants choisis, l'auteur d'un texte et la réalisation d'un poster annonçant la séance.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Renforcer sa conscience critique et son positionnement en connaissance des enjeux du milieu de l’art contemporain et des problématiques sociétales actuelles.

Poser la question de « l’engagement » artistique aujourd’hui et trouver les formes les plus justes pour en traduire les enjeux.

Contenu :
STUDIO 00:00 (anciennement arpentage)


Studio 00:00 (minuit) est un moment d’échange autour des conditions de vie et de travail des artistes, sur l’étude du monde de l’art et de ses alternatives, sur son économie dites du « marché de l’art » et celles plus en marges, de ses économies parallèles.

Les années précédentes le studio s’est concentré en deux temps distincts: le lundi sur la réalité du monde de l’art et le mardi sur les alternatives à ce milieu, tout en visant l’intervalle entre les deux, à savoir : celle de trouver la justesse d’une position d’artiste dans le contexte de l’art et de ses institutions, mais aussi en dehors, en cohabitation avec des enjeux d’engagements, en éveil sur les potentiels écueils de la contradiction et en construction progressive d’un format à la fois autonome et collaboratif au sein de différents projets concrets.

Exemples de sessions passées :

Jeux de roles, arpentage de livres, inventaires des formes de refus, études de contrats, analyses de cas d’institutions et de pédagogies alternatives, observation des structures hiérarchiques, considérations des financements, reflexion autour du modèle coopératif, discussions autour de la question du salaire pour les artistes, ateliers avec divers.es invité.es actif.ves dans le monde de l’art et/ou en dehors, etc.

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Cette année Le studio 00:00 (minuit) aura lieu sur une dizaine de sessions les mardis des semaines impaires de 16h à 19h et réunira les mêmes questions abordées dans le studio mais cette fois-ci orientées autour d’un projet en collaboration avec L’école de philosophie (voir: ecoledephilosophie.org).


Ces sessions seront dédiées à la préparation d’un projet de workshops dont vous serez les initiateur-ices et dont la restitution aura lieu en juin 2024, à l’école de philosophie, à Verfeil, dans le Tarn.

Lors des sessions du mardi (planning à venir), parfois en présence de Ghislain Casas, d’un des fondateurs de l’école, nous mettrons en place le projet : réalisation de mini-workshop, arpentages de textes, invitations extérieures, reflexion sur la structure collective, gestion du budget, choix du format culinaire sur place, transport, etc. Notez qu’il est possible que ce projet demande de la préparation d’une session sur l’autre.

Une session de 3 jours aura lieu en Mars aux Laboratoires d’Aubervilliers.

En écho aux pratiques de l’école de philosophie et si souhaitée par le groupe, une chorale de chants de lutte pourra être mise en place.


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Les autres mardis seront parfois consacrés à des rendez-vous individuels, à des temps avec les membres du post-diplôme, ou à des sessions spéciales autour du marché de l’art et à ses alternatives (celles-ci seront davantage développées cette année en Masterclasses avec Thomas Boutoux). Un planning vous sera transmis au fil de l’année.


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Infos pratiques:

Studio limité à 10 places + alumnis

Quelques dates :
Première rencontre Projet École de philo: 24 octobre - 16h - Salle de cours du 1 er étage. En présence de Ghislain Casas

Mars 2024: 3 jours aux laboratoires d’aubervilliers
Juin 2014 : 3-5 jours à Verfeil, Tarn

Mode d'évaluation :
À définir avec les étudiant.es.

Bibliographie :
Maria Eichhorn, Cady Noland, Andrea Fraser, Hito Steyerl, Michael Asher, Ben Kinmont, Maurizio Lazzarato, Yves Citton, Chantal Mouffe, Giorgio Agamben, Georges Bataille, Grégoire Chamayou, Pierre-Michel Menger, Arundhati Roy, Wage, Wage for Wage Against, Art Worker’s coalition, Aurélien Catin…

Objectifs pédagogiques :
This course is a creative and critical exploration into the art of the moving images. Through viewing sessions we will focus on artist film and video works that are interdisciplinary in nature and relate to the rest of your body of work. We will discuss works that explore our relationship to positions of difference, opposition and empathy as well as the roles of personal and social narratives informing our practice. We will engage with the genre of memoir, auto-fiction and fictionalized realities, among other strategies. We will have open sessions inviting you to show your work and receive feedback.

Ce cours est une exploration créative et critique de l'art des images en mouvement. Au travers de séances de visionnage, nous nous concentrerons sur des films et des vidéos d'artistes qui sont interdisciplinaires par nature et qui se rapportent au reste de votre travail. Nous discuterons d'œuvres qui explorent notre relation aux positions de différence, d'opposition et d'empathie, ainsi que le rôle des récits personnels et sociaux dans notre pratique. Nous aborderons le genre des mémoires, de l'auto-fiction et des réalités fictives, entre autres stratégies. Nous aurons des sessions ouvertes qui vous inviteront à montrer votre travail et à recevoir de feedback.

Contenu :
Lemon, Hollis Frampton, 1969
https://www.youtube.com/watch?v=GmEVvv5CT8U

Untitled Fall, Alex Bag , 1995
https://www.ubu.com/film/bag_fall95.html 

Why I never became a Dancer, Tracey Emin 1995
https://www.artforum.com/video/tracey-emin-why-i-never-became-a-dancer-1995-165734/

I love Dick, Chris Krauss 1997 (Ensba Library)

Film #11 : Mirror animations (1962-1979, 10 mn)
Harry Smith
DVD Ensba biblio: Film #11 : Mirror animations (1962-1979, 10 mn)

Raúl Ruíz, Poetics of Cinema, For a Shamanic Cinema
in French at the library:
https://catalogue.bm-lyon.fr/ark:/75584/pf0000629578?posInSet=3 et queryId=c858335d-6b06-4bf2-a8d7-c494e12ab179

Tropical Malady, Apichatpong Weerasethakul, 2005
https://catalogue.bm-lyon.fr/ark:/75584/pf0001415800?posInSet=2 et queryId=9e961aad-0f9c-4423-b902-fbb79e116f27

El Obscuro Objeto del Deseo (Cet obscur objet du désir), Luis Buñuel, 1977
Memorias del Subdesarrollo, Tomás Gutierrez Alea, 1968
https://www.youtube.com/watch?v=O_mHBlwnGPs

Mount Song, Shambhavi Kaul, 2013
https://mubi.com/en/fr/films/mount-song

Vivir para Vivir / Live to Live, Laida Lertxundi, 2015
https://laidalertxundi.com/vivir_para_vivir.html

Polycephaly in D, Michael Robinson 2021
https://www.poisonberries.net/films/polycephaly

Mode d'évaluation :
Présence, engagement et respect des autres.

Bibliographie :
So Far November 2022- Janvier 2023 this has been the contents // Jusqu'à présent, de novembre 2022 à janvier 2023, le contenu a été le même ::
Tropical Malady, Apichatpong Weerasethakul, 2004
That Obscure Object of Desire, Luis Buñuel, 1977
Vivir para Vivir/Live to Live, Laida Lertxundi, 2015
Raúl Ruíz, Poetics of Cinema, 2006
The Emancipated Spectator, Jacques Rancière 2004
Polycephaly in D, Michael Robinson, 2021
Memorias del Subdesarrollo - Memories of Underdevelopment
Tomás Gutierrez Alea 1968
Vanalyne Green, Saddle Sores, 1999
Alex Bag Untitled Fall, 1995
I love Dick, Chris Kraus, 1997
SEI SHONOGON, PILLOW BOOK
Peggy Ahwesh- From Romance to Ritual
Sophie Calle, Double Blind
Sadie Benning - Compilation
My Best Thing, Frances Stark, 2011 excerpt
Notes on Gesture, Giorgio Agamben
Simone Weil, Gravity and Grace. 1947
How to do Nothing, Jenny Odell, 2019
Radical Attention, Julia Bell, 2020
Audre Lorde, Sister Outsider
Nostalgia, Hollis Frampton, 1971
Om, John Smith, 1986
Red Hollywood, Thom Andersen and Noel Burch, 1996
Bas Jan Ader Selected Works, 1971
MGM, Jack Goldstein, 1975
Official Welcome, Andrea Fraser, 2003
Collapse of the Expanded Field, 2007, Alex Hubbard
Heads in the Dark, 2009, Alex Hubbard
Me Broni Ba, Akosua, Adoma, Owusu, 2009
Mount Sond, Shambhavi Kaul, 2013
Onions, Angie Keefer- from here recommend:
All that Heaven Allows, Douglas Sirk (film)
Why Fred Sandback Makes me Cry, Andrea Fraser

Objectifs pédagogiques :
Accompagner les étudiant.e.s dans leur réflexion sur la place du son, de la mise en son, de l'accrochage sonore ou de la performance vocale dans leurs travaux, au croisement entre pratiques savantes et populaires.

Contenu :
Le studio CANTOS (d’après le canto, qui signifie en poésie la partie principale d’un long poème, et vient étymologiquement de cantus en latin, le chant, la chanson) mettra en pratique des hypothèses de composition du texte et du son : voix proférées, field recordings, agencement de samples. Il fera la part belle à la technique de l’enregistrement et aux possibilités de transformation du signal qu’il offre, en pré ou en post-production. Sans jamais perdre de vue le jeu possible entre ce que se dit, à la marge ou au bord de ce que peuvent être une chanson ou un poème, CANTOS jouera sur ce qui résonne.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
A Voice and Nothing More, Mladen Dolar, trad. éd. Nous, 2011
Le son et la voix entretien avec Michel Chion, L’Harmattan
Dire/chanter : passages : Etudes musicologiques, ethnomusicologiques et poétiques (XXe et XXIe siècles) (Français), 2014
Tacet n° 03 – De l'espace sonore, Numéro dirigé par Yvan Etienne, Bertrand Gauguet et Matthieu Saladin, 2014
Une Histoire de la modernité sonore, Jonathan Sterne, La rue musicale / La Découverte
The Rest is noise :à l'écoute du XXe siècle, Alex Ross, Actes Sud, 2010
Unsound, Undead, éd. Steve Goodman, Tobi Heys, Eleni Ikoniadou, Urbanomic, 2019
L’expérience de l’expérimentation, dirigé par Matthieu Saladin, Les presses du réel
Avant-Gardes sonores en architecture, Carlotta Daro, Les presses du réel
Dialectique de la pop, Agnès Gayraud, La Découverte, 2018

Support de cours :
Studio de 3h tous les quinze jours. Matériel : microphones pédaliers, samplers, etc.

Objectifs pédagogiques :
Il y a une première histoire de la photographie, qui commence avec la description et l’invention de la chambre noire. Sa première description remonte au quatrième siècle avant notre ère, par le philosophe chinois Mozi. Il explique comment une image inversée se forme à travers un sténopé, par l'intersection des rayons lumineux. Un peu plus tard, on trouve également mention de la camera obscura dans le livre XV des problèmes d'Aristote.
David Hockney, dans son livre « Savoirs Secrets : Les Techniques Perdues Des Maîtres Anciens, 2001 » et plus encore avec le film qu’il réalise avec la BBC « David Hockney’s secret knowledge » disponible sur YouTube, nous montre les techniques « pré-photographiques » que les peintres ont utilisé à partir de la renaissance. 
En 1827, Nicéphore Niepce avec le point de vue du Gras, qui représente la vue depuis sa maison à Saint-Loup de Varennes à côté de Chalon-sur-Saone. Il arrive à fixer cette image sur une plaque d’étain recouverte de bitume de Judée.
La rupture majeure dans cette histoire de la photographie est l’invention en 1969 par Georges Smith et Willard Boyle dans les laboratoires Bell du premier CCD (Charge Coupled Device) qui a permis la numérisation de l’image analogique.
Il faut attendre les années 90 pour que l’industrie propose ce matériel. L’historien de la photographie Michel Poivert parle de la photographie « anté-numérique » pour qualifier la période analogique.
À partir des années 2010, avec l’apparition des smartphones et des réseaux sociaux, la photographie devient un langage, où chaque individu peut produire et diffuser des images.
La dernière évolution de la photographie réside dans les innovations de l’intelligence artificielle. La notion cadrage peut disparaître au profit d’une notion de « centrage ». Le reste, le « hors-champs » peut être recréé, réinventé avec le remplissage génératif.
En 2024, nous en sommes là, avec cette longue histoire des représentations, de cette pulsion scopique (pas celle de Freud et de la psychanalyse, mais celle de l’optique).

C’est l’objet de ce studio Fragment : travailler avec vous, que vous fassiez des portraits avec une chambre photographique 18X24 cm ou que vous écriviez des prompts pour Stable Diffusion afin d'établir un dialogue permettant un achèvement suffisant des productions.

Contenu :
Le studio se construit, se nourrit des propositions des participants, de leur interaction. Les références se construisent autour des centres d'intérêt des participants et participantes. les projets éditoriaux, la « photographie horizontale », sont encouragés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Bibliographie

- Geoffrey Batchen, 'Suspending time', 'Snapshot, l'histoire de l'art et le tournant ethnographique'
- Nathalie Boulouch 'Histoire de la photographie couleur'
- Clément Chéroux 'Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique', 'Diplopie, l'image photographie à l'ère des medias globalisés'
'Snap + Share: Transmitting Photographs from Mail Art to Social Networks'
- Sylvain Dreyer 'URSS 1929, factographie, naissance d'un genre?'
- Michael Fried 'La place du spectateur', 'Why photography matters as art as never before'
- Jacqueline Guittard 'Roland Barthes: la photographie ou l'épreuve de l'écriture'
- André Gunthert 'La fabrique des images contemporaines'
- Julie Jones, Michel Poivert 'Histoires de la photographie'
- Rosalind Krauss 'Le photographique, pour une théorie des écarts'
- Luce Lebart 'Mold is Beautiful', 'Gold and Silver', 'CNRS'
- Olivier Lugon 'Le style documentaire', 'Avant la forme tableau' (le grand format dans l'exposition 'signs of life')
- Michel Poivert 'L'image au service de la révolution', 'La photographie contemporaine'
- Martin Parr 'Le documentaire conceptuel'
- Katrina Sluis 'Photography must be curated!' blog Wintertur Foto Museum
- Jeff Wall 'Essais et entretiens' 'liquid photography'

Roy Arden / Taysir Batniji / Iain Baxter /Valérie Belin / Laurence Bonvin / Mohamed Bourrouissa / Barbara Breitenfellner / Florence Chevalier / Gaëlle Cintré / Documentation Céline Duval / Sandrine Elberg / Roe Ethridge / Roni Horn / Harald Fernagu / Michel François / Paul Armand Gette / Lola Gonzales / Agnes Geoffray / Stephen Gill / Paul Graham / Andreas Gursky / Annette Kelm / Erik Kessells / Martin Kippenberger / Pierre Leguillon / Jochen Lempert / Thomas Mailaender /Jean-Charles Massera / Masaccio et Drowilal / Gustav Metzger / Gianni Motti / Boris Mikhailov / Jean-Luc Moulène / Luc Moulet / Peter Piller /Marco Poloni/ Paul Pouvreau / Julien Prévieux / Josephine Pryde / Walid Raad / Pablo Réol / Maya Rochat /Torbjorn Rodland / Thomas Ruff / Vivian Sassen / Joachim Schmid / Bruno Serralongue / Malik Sidibé / Roman Signer / Jules Spinatsch / John Stezaker / Hiroshi Sugimoto / Batia Sutter / Taroop et Glabel /Peter Tillessen / Patrick Tosani / Yves Trémorin / Anaëlle Vanel / Jeff Wall / and more

Support de cours :
Se déroule en 'salle de cours photo', videoprojecteur afin de montrer les travaux produits mais aussi les références possibles.

Objectifs pédagogiques :
En partant de connaissances fondamentales sur les lois spécifiques de la peinture et de son histoire, j'incite les étudiants à jeter un regard critique sur leur propre pratique : l'élargissement de la notion de peinture et la discussion qui s'ensuit, qui inclut également d'autres champs comme par exemple l'art conceptuel ou la critique institutionnelle, doivent constituer la base d'une confrontation fructueuse et d'un développement de leur propre travail artistique.
Outre le développement et la mise en évidence des positions individuelles par le biais de discussions individuelles et de groupe régulières, il convient également de veiller à l'élaboration des differents concepts des publications et de conditions de différents formats de présentation (Display). Une attention est également accordée à l'examen des pratiques collectives qui favorisent l'élargissement de la notion d'auteur et qui peuvent finalement être mises en œuvre dans des projets d'exposition communs.

- approfondir les connaissances sur la «peinture comme médium» dans le champ de l'art contemporain
- comprendre l'ancrage de la peinture dans son contexte historique (de l'art) en regardant des autres disciplines / médiums
- developpement d'une capacité à parler et défendre leur pratique personnelle de travail (discours) sur une base individuelle, mais aussi apprendre à débattre / discuter / défendre leurs points de vue au sein d'un groupe plus large.
- élargir les connaissances sur les structures existantes dans le domaine de l'art contemporain (institutionnel et à but non lucratif ainsi que les structures à base marquée / galerie)

Contenu :
- Discussions en studio le vendredi (sur une base hebdomadaire)
- Proposition des mini-lectures avec des artistes internationaux invités (via zoom) et discussion
- Proposition de la réalisation d'un projet collaboratif pendant le semestre/année
- Entretiens individuels avec des étudiants sur leur pratique de travail en studio
- Discussion et propositions de solutions pour des questions techniques au sein d'une pratique picturale
- Visites d'expositions (si possible)

Mode d'évaluation :
- Implication et participation

Bibliographie :
- des références et une bibliographie spécifiques seront remises dans le cadre du cours

Objectifs pédagogiques :
Acquérir une meilleure connaissance d'un contexte, capacité à nommer et situer ce qu'on produit, élaborer les outils théoriques et factuels pour structurer une pensée.

L'héritage et les impacts de la performance sur les arts visuels.

Que vaudrait la théorie si elle ne servait aussi à inventer la pratique ?'
Pris au sens d’un projet inachevé, celui de la modernité, la post-performance questionne l’âge du « post-médium » en ce début de 21e siècle, entre succession chronologique, postérité ou filiation historique, réemploi (de formes abstraites de leurs contenus) et rupture (comme changement de paradigme ou d’époque).
Apparue à la croisée de la philosophie analytique anglo-saxonne du langage et des champs de l’art et du spectacle, liée à des pratiques de langage, à des actions et à une rupture par rapport à un certain mode de représentation opérée au milieu des années 50, la notion de performance est polysémique. Il s’agira de questionner ce nom, ce qu’il recouvre, et l’évolution de pratiques liées à son usage.
Comment cet art de la performance évolue-t-il et comment évoluera-t-il dans les prochaines années, notamment avec les technologies numériques ? En quoi sommes-nous passés de sa dématérialisation à son « re-enactment »? Que se joue-t-il ici ?
PERFOURNIR: On abordera également les problématiques liées aux formes produites par la performance: objets scéniques, mobilier, écrits.
la trace de la performance, comme l’archivage (oral et vivant), le document, le film, l’objet scénique ou encore la photographie numérique.
Par ailleurs, la question du public comme forme, de l’audience à la fois destinataire et partie prenante (public captif) permettra de questionner une société du spectacle à l’heure du « spectateur émancipé ».

Cette année l'accent sera mis sur les objets de la performance: le PERFOURNIR: formes et vocabulaire: objets scéniques, sets, stage mais aussi textes: scripts pour la performance, à partir de workshops et d'analyse d'oeuvres, de présentations de travaux. Le cours se déroulera de façon polysémique et polyforme à partir de séquences. Un cours théorique, à partir du chapitrage en 8 axes, des exercices pratiques (voix, marche, déplacements, écoute, placements, travail de groupe...) toujours en lien avec l'objet du cours, un texte de référence philosophique ou critique, ou littéraire.

Une pédagogie innovante: des moments de 'cours inversé' permettront aux étudiants de tester leur mémoire (sur la base du Théâtre de la Mémoire mais aussi des moments de réflexivité par rapport à la question de la connaissance.
Un entrainement à l'oralité lors de séance collectives de lectures de textes jouant sur l'espace scénique et cénique, à partir du Divised Theater, sera mis en place.

Perfournir: les objets de la performance.
Obsolète, Objets dysfonctionnels, OOO.
Post Performance Painting.
Puppets: le théâtre et son double.

Contenu :
A partir de 8 axes de réflexion, le séminaire alternera les cours théoriques et les exercices pratiques.

1 - Body Politic: les nouveaux genres de la performance.
2 - Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
3 - Le public comme forme: audiomat et soap opéra: nouveaux scripts?
4 - Documenter/recréer: le même mais un autre.
5 - On stage /on line: HIc sed Nunc?
6 - Anarchives: spéculer sur le reste.
7 - Cineperformance.
8 - Espace public, question du commun.

Les Ana-Chroniques de la Post Performance : une autre histoire de la performance à l’âge du post médium (cours en amphi).

Les expériences pratiques en lien avec le programme de recherche Post Performance Future :
- workshop Voix Invisibles, 2 , 4-7 novembre, avec Edyta Jarzab, qui donnera une conférence le 5 novembre, restitution publique participative le 7 novembre au Réfectoire des Nonnes.
- séminaire: Set et Jeu: Ericka Beckman, début février.
- projet Tableaux Vivants, second semestre, à confirmer (Musée des Beaux Arts).

Les expériences croisées :
Passerelles avec le LaBo NRV avec conférences-débats, un workshop avec Jennifer Lacey.
La répétition : expérience de lecture cuisine, Comme un Mardi , à la cuisine, en construction (avec Elsa Boyer).
Disputatio Quolibet : discussions à partir d’un sujet commun: Sans Contact : comment jouir à l'ère du capteur ?
« Quartels » lectures en groupe inspirées des dispositifs de partage.
Utilisation des studio son et vidéo, avec la participation d’invités extérieurs, conduisant à une réflexion sur les processus de monstration, de réception et de transmission.

Mode d'évaluation :
Fiche de présence et lectures, présentation de travaux, travail en binômes ponctuels, Instagram ralenti.

Bibliographie :
Bibliographie complétée en cours :

- Andrea Fraser, Museum Highlights, 2002, MIT Press
- Anne Bénichou (dir.), « Ouvrir le document », Les presses du Réel, 2010
- Krauss Rolsalind, « Under Blue Cup », 2011
- Five Sisters, Blog Log case study, If I Can't Dance I won't be Parto f Your Revolution, 2013
- Claire Bishop, « Artificial Hells », Verso, 2012
- Conversation Marie de brugerolle, Marie Canet et Catherine Wood, « Mousse Magazine », 2014
- It needed to be tender and to be whipped, recueil d'écrits à propos de Julie Béna, 2016
- Cally Spooner, Scripts, 2014
- Post Performance Future, CH2, Mousse Magazine #66, may june 2018;

Catalogues :
- Hors Limites « L'art et la vie », 1994, Mnam/Centre Pompidou,
- Out of Action, 1998 , MOCA Los Angeles
« The World as a stage », Tate Modern, 2007, « Ne pas jouer avec les choses mortes », Villa Arson, 2008, « Un théâtre sans théâtre », MACBA, 2009, « I was a male Yvonne De Carlo », Musac, Léon, 2011, « A Bigger Splash », Tate Modern, 2012...

Objectifs pédagogiques :
Conjunto Folklórico Experimental Lyones (CFEL) est un espace de réflexion sur ce qui constitue une pratique artistique, ses possibilités et limites dans la sphère sociale.

L'objectif principal du CFEL est de développer une prise de conscience de ce qui nous entoure et nourrit notre travail artistique. En d'autres termes, le contexte social et politique dans lequel nous développons notre pratique artistique.

Contenu :
Le CFEL concerne principalement la réciprocité et l'échange d'idées, d'opinions et de références qui peuvent (ou non) aider à la construction d'un moi-artiste et de son imaginaire en constante expansion.
Le CFEL n’a pas de but spécifique autre que la circulation des connaissances (le cas échéant). Pour être impliqué dans le CFEL, il faut d'abord répondre à un questionnaire spécialement conçu pour le studio.

Mode d'évaluation :
Le questionnaire et la participation active sont les seules modalités d’évaluation du studio.

Bibliographie :
The Garden as Theatre as Museum, Dan Graham
Le topofil de Boa Vista-A Montage Photo-Philosophique, Bruno Latour
Le feu la prochaine fois, James Baldwin
Sinon l'hiver, Fragments de Sappho, Anne Carson
Jay DeFeo et The Rose, Martha Sherrill
Marisa Merz: Geometrie Sconnesse Palipiti Geometrici

Objectifs pédagogiques :
Expérimentation dans le domaine du son, de la musique et de la mise en situation des réalisations.

Contenu :
Usages du son au croisement des champs de la musique, des arts visuels et de l'ingénierie sonore ; acquisition des connaissances et compétences liées à la production et à la diffusion des sons ; études particulières liées à l'écoute de la voix parlée ou chantée, dans le cadre de l'interprétation en direct et de la radiophonie. L'essentiel est articulé autour de la production sonore des étudiants. Toutes les propositions sonores sont acceptées (vidéos, installations, improvisations, scène, etc.).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
http://michelchion.com/
http://firstsounds.org/
http://filmsound.org/
http://www.radiofrance.fr/

Support de cours :
http://gillesgrand.free.fr/
http://art45.ensba-lyon.fr/art/art.html

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Identifier la variété des contextes professionnels du champ de l'art, s'y familiariser à travers des rencontres avec des professionnels. Acquérir des connaissances pratiques sur l'environnement économique, juridique et social des activités professionnelles au sein du champ de l'art.

Contenu :
Programme de rencontres avec de professionnell.es du champ de l’art –artistes, commissaires d’exposition, écrivain.es, producteur.ices culturel.les, etc. – invité.es à l’école ou organisées à l’extérieur.
Ces journées explorent la grande variété des contextes et situations de travail au sein des univers artistiques.
Au cours de l’année, 4 masterclass d’une journée sont proposées, ainsi que des journées d’apprentissage pratique (statuts, factures, conception de budget, recherche de financement, relecture de portfolios, comment produire et diffuser, répondre à un appel d’offre, etc.
Enfin, ponctuellement des déplacements, des visites de lieux et de structures sont organisées selon l’intérêt et la curiosité des étudiant.es.

Mode d'évaluation :
Participation à deux journées entières de masterclass minimum ainsi qu'à deux journées entières d'apprentissage pratique minimum

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- L. Clandsfield, « Global English (Upper Intermediate, Advanced) », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- J. Berger, « About Looking », Vintage International

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche ACTH Art contemporain et temps de l'histoire. Il se propose de développer chez l’étudiant.e un point de vue d'artiste fondé sur une méthodologie théorique spécifique. Le séminaire s’organise autour de l’étude d’une œuvre particulière en convoquant les « régimes d’historicité » que cet objet met au travail.

Contenu :
Le séminaire a traité les années précédentes de la relation entre art et violence et a porté son attention sur ces moments particuliers où le langage et la perception sont suspendus. L'expérience cognitive du langage, comme celle de la production d’images, se fonde sur un travail d'élaboration, au sens de la transformation qui se produit en nous quand nous formulons, ou quand nous écoutons un récit et quand nous produisons, ou quand nous observons une image. C’est un travail de trans-laboration.
L’expérience de la violence, comme celle du rire, mettent le langage hors service. Notre corps éructe interrompant toute élaboration. Ces états de suspension peuvent être vitaux, comme le fait de rire pour sortir d’une situation intenable, ou alors profondément négatifs, comme une sidération qui affecte toute notre capacité motrice.

Nous allons nous intéresser cette année à une forme particulière du rire, celle que la divinité Baubô, arrivée en Grèce antique via l’Asie mineure, déclenche auprès de la déesse Déméter, réarmant sa vitalité et avec elle toute celle de la nature. Selon ce mythe grecque, la déesse a ainsi donné vie à l’agriculture.
Friedrich Nietzsche parle dans la préface du Gai Savoir (2e éd., 1886) de cette force vitale comme d’une vérité : « Peut-être la vérité est-elle une femme qui est fondée à ne pas laisser voir son fondement ? Peut-être son nom, pour parler grec, est-il Baubô ? »
Baubô était représentée comme une tête sur jambe dont les lèvres des deux orifices, celles de la vulve et celles de la bouche étaient si proches qu’on ne saurait pas dire laquelle des deux bouches est en train de nous parler. Ce fondement (Grund en allemand, ou « raison ») que la Nature dissimule à l’intellect des philosophes – comme elle le dissimule au regard des voyeurs et de l’omnipuissant patriarche – est au centre des travaux d’Anna Holveck et des recherches qu’elle porte au sein de l’unité ACTH sur la voix, la bouche, le corps féminin et le lieu du souffle d’où naît la parole.
Le séminaire se propose d’articuler ces contenus à partir de la lecture du film de Paul Vecchiali, Femmes femmes, de 1974 (https://www.youtube.com/watch?v=xJaadg2wBbw) qu’on va regarder et commenter avec Anna Holveck au premier semestre.
Le rapport irrésolu que le film décrit entre vie (vraie ou fausse, vécue ou rêvée, celle du corps ou celle de l’esprit) et mort (là aussi physique ou mnémonique, agie ou procrastinée) éclate dans un rire qu’on ne saurait pas classer. C’est ce rire, porté par les mêmes actrices jouant la même pantomime, que Pier Paolo Pasolini fait apparaitre comme une citation dans son dernier film Salò, où les 120 journées de Sodome. Il nous indique au début du dernier Giron du sang que devant tant d’horreur la seule solution vitale est le rire ; le rire de Femmes femmes.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- AAVV, “Découper le temps - AAVV, “Découper le temps en son lieu. Parcours expérimental / Cutting out Time in its Place. Experimental journey,” B.Rüdiger (dir.), éd. ENSBA Lyon, 2019, avec Y.Annicchiarico, A.Bonnard, J.Lauro‐Mariani.
- AAVV, “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, G. Careri et B.Rüdiger (dir.), éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016, avec les contributions de L.Acquarelli, Y.Annicchiarico, S.Bergala, B.Duvernay, A.Mengoni, J.Lauro-Mariani, Th.Léon, M.Montazami, Ph.Rousseau, E.L.Santner, A.Tournon et R.Ubl.
- AAVV, “Face au Réel, éthique de la forme dans l’art contemporain”, G.Careri et B.Rüdiger (dir.), un séminaire de recherche avec P.Montani, A.Gunthert, Th.Schütte, L.Fabro, A.Sekula, E.Van Alphen, M.Bal. Avec les contributions de B.Seror, A.Elis, F.Morandini, M.Montazami, A.Bourse, A.Janevski, É.Parendeau, Ph.Rousseau, A.Abramov, K.Poltowicz, É.Amet, A.Creissels.
- Yann Annicchiarico, “De papillons de nuit et de l’échelle de Muybridge / Of Moths and Muybridge’s Scale”, éd. ENSBA Lyon, 2022.
- Bernhard Rüdiger, 'Horizon de formes , langages vivants de l'art contemporain', Ensba Lyon, 2024
en son lieu. Parcours expérimental / Cutting out Time in its Place. Experimental journey,” B.Rüdiger (dir.), éd. ENSBA Lyon, 2019, avec Y.Annicchiarico, A.Bonnard, J.Lauro‐Mariani.
- AAVV, “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, G. Careri et B.Rüdiger (dir.), éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016, avec les contributions de L.Acquarelli, Y.Annicchiarico, S.Bergala, B.Duvernay, A.Mengoni, J.Lauro-Mariani, Th.Léon, M.Montazami, Ph.Rousseau, E.L.Santner, A.Tournon et R.Ubl.
- AAVV, “Face au Réel, éthique de la forme dans l’art contemporain”, G.Careri et B.Rüdiger (dir.), un séminaire de recherche avec P.Montani, A.Gunthert, Th.Schütte, L.Fabro, A.Sekula, E.Van Alphen, M.Bal. Avec les contributions de B.Seror, A.Elis, F.Morandini, M.Montazami, A.Bourse, A.Janevski, É.Parendeau, Ph.Rousseau, A.Abramov, K.Poltowicz, É.Amet, A.Creissels.
- Yann Annicchiarico, “De papillons de nuit et de l’échelle de Muybridge / Of Moths and Muybridge’s Scale”, éd. ENSBA Lyon, 2022.
- Bernhard Rüdiger, “PPP paradoxe” et “L’œil de Sodome”, in Initiales PPP, Pier Paolo Pasolini N.7, éd. ENSBA Lyon, 2016.
- Bernhard Rüdiger, Natura abhorret a vacuo” Initiales N.1 GM, George Maciunas ; éd. ENSBA Lyon, 2012.

Objectifs pédagogiques :
Accompagner de jeunes artistes dans la construction de leur espace de recherche et dans la fabrication de leurs outils conceptuels et esthétiques dans un monde en mutation.
Apprendre à penser ensemble les questions artistiques et les enjeux économiques, technologiques et sociaux.
Apprendre à questionner les imaginaires contemporains dans la perspective de mettre à jour les impensés issus de la fabrication des représentations coloniales.
Apprendre à se décentrer sans s'approprier.
Construire des relations d’instruction réciproque, évolutives et dynamiques autour d’un objet de recherche et des formes singulières émanant de la proposition artistique.

Contenu :
Le séminaire de cette année s’inscrit dans la continuité des axes de recherche amorcés l’année précédente visant à appliquer une démarche décoloniale à la construction des représentations. L’accent sera mis sur la possibilité de penser d’autres configurations, de comprendre comment adviennent des changements qui rendent la période / le présent obsolètes. Pour reprendre une direction inspirée par la figure d’Octavia Butler, les séances seront « l'occasion de réfléchir de manière critique aux outils et aux compétences dont nous avons besoin en tant qu'êtres humains pour créer le monde que nous voulons » (Adrienne Maree Brown à propos des livres d’Octavia E. Butler). Nous tenterons de penser ces enjeux à partir d’ouvrages clés et en croisant théorie des médias, positions féministes et militantes minoritaires et écologie décoloniale. Les questions de genre, de racialisation et d’expérience étant au cœur de ces prises de positions. Les ouvrages seront mis en regard de travaux d’artistes s’inscrivant et instruisant ces démarches. Une attention particulière est accordée à la puissance de la spéculation et à la production d'un savoir en commun.

Les titres du séminaire sont empruntés aux essais de Philip K. Dick, « Et si ce monde vous déplaît… et autres récits », (Traducteur) Christophe Wall-Romana, 2015, editions de l’éclat, et de Kwame Anthony Appiah, « Le code d'honneur - Comment adviennent les révolutions morales », (Traducteur) Jean-François Sené, 2012, Gallimard.

Objectifs pédagogiques :
A la jonction de l’anthropologie du visuel, de la sociologie et de la biologie, HA24 (92-2024) prospecte les bases et les intrications des formes du vivant, des productions humaines et des correspondances polymorphes (géo-spatio-temporelles). Pour une écologie de l’esprit, une science nouvelle. A partir de fondamentaux et de textes clefs, il s’agira de relire et relier des champs entrelacés par les pratiques artistiques du 21è siècle.
Entre rupture et symbiose, transformations des arts contemporains.


En 2022-2023 nous avions abordé la notion de cadre et dé-cadrage à partir de la figure/des figurations.
En 2023-24 la trame sera celle des nouveaux matérialismes, d'une histoire de l'art en strates, non linéaire et critique: transformationnelle.
A l'injonction de représentation une partie de la modernité a répondu par un art 'non représentationnel' Le post-structuralisme a convoqué le texte et la nature des langages pour 'lire le monde'. Qu'en est-il de la 'mondernité' comme projet inachevé à l'heure de la glocalisation et du global warming?
Quelles formes, projections et positions construisent les mythes d'aujourd'hui?
Non -linéaire:Il s'agira de déjouer le principe linéaire d'une histoire par dates pour une histoire en strates, qui fasse plis et replis de manière critique. Ainsi 2024 regarde 1994, mais aussi les différents 92 (1492, 1792 par exemple); dans une prospective où l'anachronisme, l'oralité et l'anecdote sont des outils tous aussi valides. Non pas une Histoire mais des histoires, par constellation, qui forment des polysphères.
De Post-Human (1992, Uncanny( 1992-93) Hors Limites l'art et la vie (1994) jusqu'aux rétrospectives de Mike Kelley (2024-2025), la biennale de Venise 2024, une pensée hors cadre, hors frontières nait et s'oppose. C'est à la fois celle du post-medium et de ce qu'on a nommé anthropocène, capitalocène, plantianocène....en quoi les oeuvres des artistes nous informent sur ces transformations.
En conjonction: du symbiotique au symbolique.
Sphère du vivant, organique, de l'économie, des formes, des désirs et des circulations, à la croisée de disciplines : poésie, épistémologie, anthropologie, sociologie, mais résolument ancrée dans les oeuvres. A partir de leur écoute, regard, il s'agira de préciser nos positions.
Située: puisant dans une pensée de l'Hominiscience (Michel Serres), des éco-féminismes (Karen Barad, Dona Harraway, Rosi Bradotti) mais surtout à partir de dialogues avec les artistes et les formes qu'ils fabriquent.

Pour cela, revenir sur des fondamentaux, contredire nos apriori et redéfinir nos acquis, parce que l'histoire se fait au présent.
Qu'en est-il de notre contrat naturel et des théories des formes à l'heure de l'exformation? En quoi le style, les styles peuvent-ils encore être des outils critiques? On verra comment les anachronismes et 'anarchives' constituent de nouvelles trames pour de nouveaux récits.



Fondamentaux:
injonction de représentation et mimésis: Qu'en est-il de l'image au temps du screen-time?
Canon/canons= questions de styles
Les Mots et la choses/on n'y voit rien: une image n'est pas la chose, revenir sur l'index
Cadre-hors cadre-hors champs-marges: extension du parergon

Contenu :
Cours magistral, textes de références, à partir de comparaison et de présentation d’artistes et d'œuvres.
En partant de l'actualité contemporaine et de figures clefs de celles-ci, qui en sont les acteurs, on s'interrogera sur des notions de style, d'image, de production et de formes. Métahistorique, l'histoire de l'art est un outil vivant qui évolue et se situe par rapport aux contextes. Au-delà des chronologies linéaires, et des listes on fera appel à la pluralité des approches , afin d'envisager des histoires des arts.

Mode d'évaluation :
Présence régulière, assiduité

Bibliographie :
Une bibliographie sera donnée dans le cours. Textes fondamentaux et écrits d'artistes.cf S7

Support de cours :
Projections images, films, textes. Visites d'expositions et d'ateliers encouragées.

Objectifs pédagogiques :
Réfléchir à partir de l'actualité de l'art contemporain et apprendre à s'y positioner de façon critique

Contenu :
Le séminaire est un lieu de réflexion et de discussion collective sur ce qui fait l’actualité de l’art contemporain. Celle-ci ne se résume pas, loin s’en faut, au calendrier des expositions « importantes », « marquantes », « influentes », etc. qui sont présentées, vernies, tout au long d’une année ici ou là. L’actualité est ici entendue davantage comme celle qui résonne et s’y mêlent aussi bien l’actualité artistique que théorique, ou politique. Le séminaire « les Ondes Courtes » s’intéressera principalement aux projets, aux pensées, aux pratiques et aux engagements de celles et ceux qui redéfinissent leurs environnements immédiats et le périmètre de leur terrain d’action, et notamment la notion de public qui reste toujours, et peut être plus que jamais à réinventer. Les pratiques contemporaines de radiodiffusion – les nouvelles radios libres, pirates, militantes, communautaires, indépendantes, webradios, et plus généralement les utilisations que les artistes ou non artistes font de ce medium/media aujourd’hui – servent de fil rouge au séminaire, non seulement car elles offrent quantité d’exemples où se traduisent et sont expérimentées de nouvelles manières de faire, de penser et d’agir, mais aussi car elles peuvent faire figure de modèles susceptibles d’inspirer toutes autres formes de pratiques artistiques sans lien direct avec la diffusion radiophonique.

Mode d'évaluation :
Assiduité et écrit remis en fin d'année

Objectifs pédagogiques :
Par un travail de réflexion commun, approfondir les questions liées au numérique en art et élaborer des projets en cohérence avec les enjeux contemporains d'une telle pratique.
Pour les étudiants en cycle recherche, l'objectif sera de poursuivre et d'approfondir leurs travaux en cours tout en s'inscrivant dans la dynamique commune de l'atelier.

Ce séminaire se déroulera dans les locaux du labo NRV de l'ENSBA Lyon.

Contenu :
Après un rappel historique des différents moments qui ont balisé les dernières décennies, il s'agira de :
- Connaître les artistes actuels qui privilégient le médium numérique sous toutes ses formes ou ceux qui font appel au numérique de manière singulière, conceptuellement ou techniquement.
- Repérer les œuvres ou les productions numériques signifiantes.
- Répertorier les lieux (institutions, galeries, festivals, site internet, etc.) qui présentent un intérêt pour le numérique ou qui affichent une spécialisation dans le domaine.
- Comprendre les réflexions contemporaines (théoriques, critiques, esthétiques...) liées aux pratiques et à la société numérique.
- S'inscrire par un projet dans ce contexte général en soulevant une problématique originale.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et présentation d'un projet élaboré durant l'année dans le cadre du séminaire.

Bibliographie :
BROWN (Paul), GERE (Charlie), LAMBERT (Nicholas) et MASON (Catherine) (Sous la dir. de), White Heat Cold Logic: British Computer Art 1960-1980, The MIT Press, coll. « Leonardo », Cambridge (MA)/Londres, 2008.
COX (Geoff), Antithesis : The Dialectics of Software Art, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus University, Danemark, 2010, http://www.anti-thesis.net/contents/thesis/antithesis.pdf
CRAMER (Florian), Words Made Flesh: Code, Culture, Imagination, Media Design Research, Piet Zwart Institute, Willem de Kooning Academy Hogeschool Rotterdam, Rotterdam, 2005, http://www.netzliteratur.net/cramer/wordsmadefleshpdf.pdf
FULLER (Matthew) (Sous la dir. de), Software Studies: A Lexicon, The MIT Press, Cambridge (MA)/Londres, 2008, http://dm.ncl.ac.uk/courseblog/files/2010/02/softwarestudies.pdf
GORIUNOVA (Olga) et SHULGIN (Alexei) (Sous la dir. de), Read_Me. Software Art and Cultures, catalogue Read_Me 2004, University of Aarhus, Digital Aesthetics Research Center, Aarhus, 2004.
HIMANEN (Pekka), L’éthique du hacker, Exils, Paris, 2001.
KITTLER (Friedrich ), Gramophone, Film, Typewriter, Les Presses du Réel, Dijon/Paris, 2018.
LIALINA (Olia) et ESPENSCHIED (Dragan) (Sous la dir. de), Digital Folklore, Merz et Solitude, Merz Akademie, Hochschule für Gestaltung, Stuttgart, 2009.
MAIGRET (Nicolas) et ROSZKOWSKA (Maria), The Pirate Book, Aksioma, Ljubljana, 2015.
MANSOUX (Aymeric) et VALK (Marloes de) (Sous la dir. de), FLOSS + ART, GOTO10, Poitiers, 2008.
STERLING (Bruce), 'An Essay on the New Aesthetic', Wired, 2 avril 2012, https://www.wired.com/2012/04/an-essay-on-the-new-aesthetic/
VIERKANT (Artie), The Image Object Post-Internet, http://jstchillin.org/artie/pdf/The_Image_Object_Post-Internet_us.pdf

(Bibliographie en cours)

Objectifs pédagogiques :
Mise en place progressive d'une méthode de travail de plus en plus individualisée tout au long du cursus et en relation avec les orientations de l'année et de l'option.
Cet objectif est présent à l'intérieur de chaque cours faisant appel à la fois au développement de la capacité perceptive et à l'élaboration d'une mise en œuvre de l'idée.
Une approche plus spécifique sur la méthodologie de recherche peut être développée dans le cadre de modules ou séminaires expressément conçus au croisement des enseignements pratiques et théoriques.

Contenu :
La question est de savoir comment construire un objet de réflexion, de travail et de recherche qui coïncide avec les intentions conceptuelles et plastiques initiales. Mais dans ce contexte, il s'agira probablement moins de répondre à cette question que de la volonté d' en énoncer sans cesse les termes et les conditions. Entre théorie et pratique, entre hypothèse et expérimentation se tissent progressivement les liens qui vont permettre la construction complexe d'une singularité agissante au sein du projet artistique au sens large du terme, qu'il relève du champ de l'art ou de celui du design.
Construire donc sa propre méthode et ses variations, à partir des éléments constitutifs spécifiques du champ de création dans lequel l'étudiant est engagé mais aussi de l'étude des divers dispositifs scientifiques et transversaux qui organisent les subjectivités contemporaines.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Savoir de quoi l'on parle et avec quoi on agit ; dans quelle mesure le corpus problématisé s'inscrit dans la réflexion et la création contemporaine inhérentes au champ de recherche dans lequel l'étudiant est en train de s'engager.

Contenu :
Il s’agit de questionner, dans le champ contemporain, à partir du monde réel et des singularités artistiques, dans un continuel aller-retour, à la fois les contenus significatifs mêmes du travail artistique et la façon de penser ce qui précisément le motive, le monde qui nous entoure et nous constitue.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Développer les capacités de travail à travers l'expérimentation et l'étude dans le cadre du projet personnel et du travail d'atelier.

Contenu :
Progressivement, tout au long du cursus, l'étudiant est amené à développer sa capacité de travail ainsi que la puissance et l'efficacité plastique de son projet personnel dans le cadre de l'organisation générale de ses divers travaux et expérimentations à travers un rythme et un processus de réalisation de plus en plus singularisés. L'ensemble des activités plastiques de l'étudiant est en résonance continue avec les enseignements de l'UE2 (problématique, méthodologie, projet).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Permettre à l'étudiant de concrétiser et finaliser les éléments issus de la recherche et du développement du projet ou du travail.

Contenu :
Le terme de production vient ici qualifier le travail d'atelier en phase projet et, dans un registre un peu différent, en phase préparatoire du diplôme DNAT.
On peut raisonnablement considérer que dans le cadre d'un projet personnel pleinement orienté du côté d'une activité de recherche, la finesse de la réflexion sur l'économie générale du travail et sa faisabilité d'une part, et, d'autre part,
l'ajustement du niveau de 'l'agir' dans la complémentarité au 'faire', pour la concrétisation des travaux, pièces et objets, conduisent l'étudiant à 'produire' les signes tangibles et manifestes de son projet.
Production donc, tant dans son acception de 'production de l'esprit', au double sens littéral et ici très adapté de 'génération' et de 'formation', que dans son acception de 'production d'objet' tel que tableau, film, etc.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Entretiens individuels et semi-collectifs en atelier.

Objectifs pédagogiques :
L’exercice d’accrochage se veut un moment d’échange qui vise à exposer le travail dans l’espace et dans la parole pour que son autonomie de pensée et sa singularité puissent émerger.

Contenu :
PUBLICO ! est un lieu, et un temps, pour tester et présenter des travaux en cours ou pas encore complètement terminés, comme s'il s'agissait d'une répétition en public, où les intuitions sont partagées et discutées avec l'ensemble de la classe du Master (élèves et enseignants) et ensuite avec l'école dans son ensemble.
Chaque session de Público est préparée à l'avance par le biais d'une discussion avec un binôme d'enseignants choisis, l'auteur d'un texte et la réalisation d'un poster annonçant la séance.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Objectifs pédagogiques :
Renforcer sa conscience critique et son positionnement en connaissance des enjeux du milieu de l’art contemporain et des problématiques sociétales actuelles.

Poser la question de « l’engagement » artistique aujourd’hui et trouver les formes les plus justes pour en traduire les enjeux.

Contenu :
STUDIO 00:00 (anciennement arpentage)


Studio 00:00 (minuit) est un moment d’échange autour des conditions de vie et de travail des artistes, sur l’étude du monde de l’art et de ses alternatives, sur son économie dites du « marché de l’art » et celles plus en marges, de ses économies parallèles.

Les années précédentes le studio s’est concentré en deux temps distincts: le lundi sur la réalité du monde de l’art et le mardi sur les alternatives à ce milieu, tout en visant l’intervalle entre les deux, à savoir : celle de trouver la justesse d’une position d’artiste dans le contexte de l’art et de ses institutions, mais aussi en dehors, en cohabitation avec des enjeux d’engagements, en éveil sur les potentiels écueils de la contradiction et en construction progressive d’un format à la fois autonome et collaboratif au sein de différents projets concrets.

Exemples de sessions passées :

Jeux de roles, arpentage de livres, inventaires des formes de refus, études de contrats, analyses de cas d’institutions et de pédagogies alternatives, observation des structures hiérarchiques, considérations des financements, reflexion autour du modèle coopératif, discussions autour de la question du salaire pour les artistes, ateliers avec divers.es invité.es actif.ves dans le monde de l’art et/ou en dehors, etc.

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Cette année Le studio 00:00 (minuit) aura lieu sur une dizaine de sessions les mardis des semaines impaires de 16h à 19h et réunira les mêmes questions abordées dans le studio mais cette fois-ci orientées autour d’un projet en collaboration avec L’école de philosophie (voir: ecoledephilosophie.org).


Ces sessions seront dédiées à la préparation d’un projet de workshops dont vous serez les initiateur-ices et dont la restitution aura lieu en juin 2024, à l’école de philosophie, à Verfeil, dans le Tarn.

Lors des sessions du mardi (planning à venir), parfois en présence de Ghislain Casas, d’un des fondateurs de l’école, nous mettrons en place le projet : réalisation de mini-workshop, arpentages de textes, invitations extérieures, reflexion sur la structure collective, gestion du budget, choix du format culinaire sur place, transport, etc. Notez qu’il est possible que ce projet demande de la préparation d’une session sur l’autre.

Une session de 3 jours aura lieu en Mars aux Laboratoires d’Aubervilliers.

En écho aux pratiques de l’école de philosophie et si souhaitée par le groupe, une chorale de chants de lutte pourra être mise en place.


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Les autres mardis seront parfois consacrés à des rendez-vous individuels, à des temps avec les membres du post-diplôme, ou à des sessions spéciales autour du marché de l’art et à ses alternatives (celles-ci seront davantage développées cette année en Masterclasses avec Thomas Boutoux). Un planning vous sera transmis au fil de l’année.


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Infos pratiques:

Studio limité à 10 places + alumnis

Quelques dates :
Première rencontre Projet École de philo: 24 octobre - 16h - Salle de cours du 1 er étage. En présence de Ghislain Casas

Mars 2024: 3 jours aux laboratoires d’aubervilliers
Juin 2014 : 3-5 jours à Verfeil, Tarn

Mode d'évaluation :
À définir avec les étudiant.es.

Bibliographie :
Maria Eichhorn, Cady Noland, Andrea Fraser, Hito Steyerl, Michael Asher, Ben Kinmont, Maurizio Lazzarato, Yves Citton, Chantal Mouffe, Giorgio Agamben, Georges Bataille, Grégoire Chamayou, Pierre-Michel Menger, Arundhati Roy, Wage, Wage for Wage Against, Art Worker’s coalition, Aurélien Catin…

Objectifs pédagogiques :
This course is a creative and critical exploration into the art of the moving images. Through viewing sessions we will focus on artist film and video works that are interdisciplinary in nature and relate to the rest of your body of work. We will discuss works that explore our relationship to positions of difference, opposition and empathy as well as the roles of personal and social narratives informing our practice. We will engage with the genre of memoir, auto-fiction and fictionalized realities, among other strategies. We will have open sessions inviting you to show your work and receive feedback.

Ce cours est une exploration créative et critique de l'art des images en mouvement. Au travers de séances de visionnage, nous nous concentrerons sur des films et des vidéos d'artistes qui sont interdisciplinaires par nature et qui se rapportent au reste de votre travail. Nous discuterons d'œuvres qui explorent notre relation aux positions de différence, d'opposition et d'empathie, ainsi que le rôle des récits personnels et sociaux dans notre pratique. Nous aborderons le genre des mémoires, de l'auto-fiction et des réalités fictives, entre autres stratégies. Nous aurons des sessions ouvertes qui vous inviteront à montrer votre travail et à recevoir de feedback.

Mode d'évaluation :
Présence, engagement et respect des autres.

Bibliographie :
So Far November 2022- Janvier 2023 this has been the contents // Jusqu'à présent, de novembre 2022 à janvier 2023, le contenu a été le même ::
Tropical Malady, Apichatpong Weerasethakul, 2004
That Obscure Object of Desire, Luis Buñuel, 1977
Vivir para Vivir/Live to Live, Laida Lertxundi, 2015
Raúl Ruíz, Poetics of Cinema, 2006
The Emancipated Spectator, Jacques Rancière 2004
Polycephaly in D, Michael Robinson, 2021
Memorias del Subdesarrollo - Memories of Underdevelopment
Tomás Gutierrez Alea 1968
Vanalyne Green, Saddle Sores, 1999
Alex Bag Untitled Fall, 1995
I love Dick, Chris Kraus, 1997
SEI SHONOGON, PILLOW BOOK
Peggy Ahwesh- From Romance to Ritual
Sophie Calle, Double Blind
Sadie Benning - Compilation
My Best Thing, Frances Stark, 2011 excerpt
Notes on Gesture, Giorgio Agamben
Simone Weil, Gravity and Grace. 1947
How to do Nothing, Jenny Odell, 2019
Radical Attention, Julia Bell, 2020
Audre Lorde, Sister Outsider
Nostalgia, Hollis Frampton, 1971
Om, John Smith, 1986
Red Hollywood, Thom Andersen and Noel Burch, 1996
Bas Jan Ader Selected Works, 1971
MGM, Jack Goldstein, 1975
Official Welcome, Andrea Fraser, 2003
Collapse of the Expanded Field, 2007, Alex Hubbard
Heads in the Dark, 2009, Alex Hubbard
Me Broni Ba, Akosua, Adoma, Owusu, 2009
Mount Sond, Shambhavi Kaul, 2013
Onions, Angie Keefer- from here recommend:
All that Heaven Allows, Douglas Sirk (film)
Why Fred Sandback Makes me Cry, Andrea Fraser

Objectifs pédagogiques :
Accompagner les étudiant.e.s dans leur réflexion sur la place du son, de la mise en son, de l'accrochage sonore ou de la performance vocale dans leurs travaux, au croisement entre pratiques savantes et populaires.

Contenu :
Le studio CANTOS (d’après le canto, qui signifie en poésie la partie principale d’un long poème, et vient étymologiquement de cantus en latin, le chant, la chanson) mettra en pratique des hypothèses de composition du texte et du son : voix proférées, field recordings, agencement de samples. Il fera la part belle à la technique de l’enregistrement et aux possibilités de transformation du signal qu’il offre, en pré ou en post-production. Sans jamais perdre de vue le jeu possible entre ce que se dit, à la marge ou au bord de ce que peuvent être une chanson ou un poème, CANTOS jouera sur ce qui résonne.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu

Bibliographie :
A Voice and Nothing More, Mladen Dolar, trad. éd. Nous, 2011
Le son et la voix entretien avec Michel Chion, L’Harmattan
Dire/chanter : passages : Etudes musicologiques, ethnomusicologiques et poétiques (XXe et XXIe siècles) (Français), 2014
Tacet n° 03 – De l'espace sonore, Numéro dirigé par Yvan Etienne, Bertrand Gauguet et Matthieu Saladin, 2014
Une Histoire de la modernité sonore, Jonathan Sterne, La rue musicale / La Découverte
The Rest is noise :à l'écoute du XXe siècle, Alex Ross, Actes Sud, 2010
Unsound, Undead, éd. Steve Goodman, Tobi Heys, Eleni Ikoniadou, Urbanomic, 2019
L’expérience de l’expérimentation, dirigé par Matthieu Saladin, Les presses du réel
Avant-Gardes sonores en architecture, Carlotta Daro, Les presses du réel
Dialectique de la pop, Agnès Gayraud, La Découverte, 2018

Support de cours :
Studio de 3h tous les quinze jours. Matériel : microphones pédaliers, samplers, etc.

Objectifs pédagogiques :
Il y a une première histoire de la photographie, qui commence avec la description et l’invention de la chambre noire. Sa première description remonte au quatrième siècle avant notre ère, par le philosophe chinois Mozi. Il explique comment une image inversée se forme à travers un sténopé, par l'intersection des rayons lumineux. Un peu plus tard, on trouve également mention de la camera obscura dans le livre XV des problèmes d'Aristote.
David Hockney, dans son livre « Savoirs Secrets : Les Techniques Perdues Des Maîtres Anciens, 2001 » et plus encore avec le film qu’il réalise avec la BBC « David Hockney’s secret knowledge » disponible sur YouTube, nous montre les techniques « pré-photographiques » que les peintres ont utilisé à partir de la renaissance. 
En 1827, Nicéphore Niepce avec le point de vue du Gras, qui représente la vue depuis sa maison à Saint-Loup de Varennes à côté de Chalon-sur-Saone. Il arrive à fixer cette image sur une plaque d’étain recouverte de bitume de Judée.
La rupture majeure dans cette histoire de la photographie est l’invention en 1969 par Georges Smith et Willard Boyle dans les laboratoires Bell du premier CCD (Charge Coupled Device) qui a permis la numérisation de l’image analogique.
Il faut attendre les années 90 pour que l’industrie propose ce matériel. L’historien de la photographie Michel Poivert parle de la photographie « anté-numérique » pour qualifier la période analogique.
À partir des années 2010, avec l’apparition des smartphones et des réseaux sociaux, la photographie devient un langage, où chaque individu peut produire et diffuser des images.
La dernière évolution de la photographie réside dans les innovations de l’intelligence artificielle. La notion cadrage peut disparaître au profit d’une notion de « centrage ». Le reste, le « hors-champs » peut être recréé, réinventé avec le remplissage génératif.
En 2024, nous en sommes là, avec cette longue histoire des représentations, de cette pulsion scopique (pas celle de Freud et de la psychanalyse, mais celle de l’optique).

C’est l’objet de ce studio Fragment : travailler avec vous, que vous fassiez des portraits avec une chambre photographique 18X24 cm ou que vous écriviez des prompts pour Stable Diffusion afin d'établir un dialogue permettant un achèvement suffisant des productions.

Contenu :
Le studio se construit, se nourrit des propositions des participants, de leur interaction. Les références se construisent autour des centres d'intérêt des participants et participantes. les projets éditoriaux, la « photographie horizontale », sont encouragés.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
Bibliographie

- Geoffrey Batchen, 'Suspending time', 'Snapshot, l'histoire de l'art et le tournant ethnographique'
- Nathalie Boulouch 'Histoire de la photographie couleur'
- Clément Chéroux 'Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique', 'Diplopie, l'image photographie à l'ère des medias globalisés'
'Snap + Share: Transmitting Photographs from Mail Art to Social Networks'
- Sylvain Dreyer 'URSS 1929, factographie, naissance d'un genre?'
- Michael Fried 'La place du spectateur', 'Why photography matters as art as never before'
- Jacqueline Guittard 'Roland Barthes: la photographie ou l'épreuve de l'écriture'
- André Gunthert 'La fabrique des images contemporaines'
- Julie Jones, Michel Poivert 'Histoires de la photographie'
- Rosalind Krauss 'Le photographique, pour une théorie des écarts'
- Luce Lebart 'Mold is Beautiful', 'Gold and Silver', 'CNRS'
- Olivier Lugon 'Le style documentaire', 'Avant la forme tableau' (le grand format dans l'exposition 'signs of life')
- Michel Poivert 'L'image au service de la révolution', 'La photographie contemporaine'
- Martin Parr 'Le documentaire conceptuel'
- Katrina Sluis 'Photography must be curated!' blog Wintertur Foto Museum
- Jeff Wall 'Essais et entretiens' 'liquid photography'

Roy Arden / Taysir Batniji / Iain Baxter /Valérie Belin / Laurence Bonvin / Mohamed Bourrouissa / Barbara Breitenfellner / Florence Chevalier / Gaëlle Cintré / Documentation Céline Duval / Sandrine Elberg / Roe Ethridge / Roni Horn / Harald Fernagu / Michel François / Paul Armand Gette / Lola Gonzales / Agnes Geoffray / Stephen Gill / Paul Graham / Andreas Gursky / Annette Kelm / Erik Kessells / Martin Kippenberger / Pierre Leguillon / Jochen Lempert / Thomas Mailaender /Jean-Charles Massera / Masaccio et Drowilal / Gustav Metzger / Gianni Motti / Boris Mikhailov / Jean-Luc Moulène / Luc Moulet / Peter Piller /Marco Poloni/ Paul Pouvreau / Julien Prévieux / Josephine Pryde / Walid Raad / Pablo Réol / Maya Rochat /Torbjorn Rodland / Thomas Ruff / Vivian Sassen / Joachim Schmid / Bruno Serralongue / Malik Sidibé / Roman Signer / Jules Spinatsch / John Stezaker / Hiroshi Sugimoto / Batia Sutter / Taroop et Glabel /Peter Tillessen / Patrick Tosani / Yves Trémorin / Anaëlle Vanel / Jeff Wall / and more

Support de cours :
Se déroule en 'salle de cours photo', videoprojecteur afin de montrer les travaux produits mais aussi les références possibles.

Objectifs pédagogiques :
En partant de connaissances fondamentales sur les lois spécifiques de la peinture et de son histoire,le studio 'peinture' incite les étudiants à jeter un regard critique sur leur propre pratique : l'élargissement de la notion de peinture et la discussion qui s'ensuit, qui inclut également d'autres champs comme par exemple l'art conceptuel ou la critique institutionnelle, doivent constituer la base d'une confrontation fructueuse et d'un développement de leur propre travail artistique.
Outre le développement et la mise en évidence des positions individuelles par le biais de discussions individuelles et de groupe régulières, il convient également de veiller à l'élaboration des differents concepts des publications et de conditions de différents formats de présentation (Display). Une attention est également accordée à l'examen des pratiques collectives qui favorisent l'élargissement de la notion d'auteur et qui peuvent finalement être mises en œuvre dans des projets d'exposition communs.

- approfondir les connaissances sur la «peinture comme médium» dans le champ de l'art contemporain
- comprendre l'ancrage de la peinture dans son contexte historique (de l'art) en regardant des autres disciplines / médiums
- developpement d'une capacité à parler et défendre leur pratique personnelle de travail (discours) sur une base individuelle, mais aussi apprendre à débattre / discuter / défendre leurs points de vue au sein d'un groupe plus large.
- élargir les connaissances sur les structures existantes dans le domaine de l'art contemporain (institutionnel et à but non lucratif ainsi que les structures à base marquée / galerie)

Contenu :
- Discussions en studio le vendredi (sur une base hebdomadaire)
- Proposition des mini-lectures avec des artistes internationaux invités (via zoom) et discussion
- Proposition de la réalisation d'un projet collaboratif pendant le semestre/année
- Entretiens individuels avec des étudiants sur leur pratique de travail en studio
- Discussion et propositions de solutions pour des questions techniques au sein d'une pratique picturale
- Visites d'expositions (si possible)

Mode d'évaluation :
- Implication et participation

Bibliographie :
- des références et une bibliographie spécifiques seront remises dans le cadre du cours

Objectifs pédagogiques :
Acquérir une meilleure connaissance d'un contexte, capacité à nommer et situer ce qu'on produit, élaborer les outils théoriques et factuels pour structurer une pensée.

L'héritage et les impacts de la performance sur les arts visuels.

Que vaudrait la théorie si elle ne servait aussi à inventer la pratique ?'
Pris au sens d’un projet inachevé, celui de la modernité, la post-performance questionne l’âge du « post-médium » en ce début de 21e siècle, entre succession chronologique, postérité ou filiation historique, réemploi (de formes abstraites de leurs contenus) et rupture (comme changement de paradigme ou d’époque).
Apparue à la croisée de la philosophie analytique anglo-saxonne du langage et des champs de l’art et du spectacle, liée à des pratiques de langage, à des actions et à une rupture par rapport à un certain mode de représentation opérée au milieu des années 50, la notion de performance est polysémique. Il s’agira de questionner ce nom, ce qu’il recouvre, et l’évolution de pratiques liées à son usage.
Comment cet art de la performance évolue-t-il et comment évoluera-t-il dans les prochaines années, notamment avec les technologies numériques ? En quoi sommes-nous passés de sa dématérialisation à son « re-enactment »? Que se joue-t-il ici ?
PERFOURNIR: On abordera également les problématiques liées aux formes produites par la performance: objets scéniques, mobilier, écrits.
la trace de la performance, comme l’archivage (oral et vivant), le document, le film, l’objet scénique ou encore la photographie numérique.
Par ailleurs, la question du public comme forme, de l’audience à la fois destinataire et partie prenante (public captif) permettra de questionner une société du spectacle à l’heure du « spectateur émancipé ».

Cette année l'accent sera mis sur les objets de la performance: le PERFOURNIR: formes et vocabulaire: objets scéniques, sets, stage mais aussi textes: scripts pour la performance, à partir de workshops et d'analyse d'oeuvres, de présentations de travaux. Le cours se déroulera de façon polysémique et polyforme à partir de séquences. Un cours théorique, à partir du chapitrage en 8 axes, des exercices pratiques (voix, marche, déplacements, écoute, placements, travail de groupe...) toujours en lien avec l'objet du cours, un texte de référence philosophique ou critique, ou littéraire.

Une pédagogie innovante: des moments de 'cours inversé' permettront aux étudiants de tester leur mémoire (sur la base du Théâtre de la Mémoire mais aussi des moments de réflexivité par rapport à la question de la connaissance.
Un entrainement à l'oralité lors de séance collectives de lectures de textes jouant sur l'espace scénique et cénique, à partir du Divised Theater, sera mis en place.

Perfournir: les objets de la performance.
Obsolète, Objets dysfonctionnels, OOO.
Post Performance Painting.
Puppets: le théâtre et son double.

Contenu :
A partir de 8 axes de réflexion, le séminaire alternera les cours théoriques et les exercices pratiques.

1 - Body Politic: les nouveaux genres de la performance.
2 - Objets scéniques: statuts des objets performatifs.
3 - Le public comme forme: audiomat et soap opéra: nouveaux scripts?
4 - Documenter/recréer: le même mais un autre.
5 - On stage /on line: HIc sed Nunc?
6 - Anarchives: spéculer sur le reste.
7 - Cineperformance.
8 - Espace public, question du commun.

Les Ana-Chroniques de la Post Performance : une autre histoire de la performance à l’âge du post médium (cours en amphi).

Les expériences pratiques en lien avec le programme de recherche Post Performance Future :
- workshop Voix Invisibles, 2 , 4-7 novembre, avec Edyta Jarzab, qui donnera une conférence le 5 novembre, restitution publique participative le 7 novembre au Réfectoire des Nonnes.
- séminaire: Set et Jeu: Ericka Beckman, début février.
- projet Tableaux Vivants, second semestre, à confirmer (Musée des Beaux Arts).

Les expériences croisées :
Passerelles avec le LaBo NRV avec conférences-débats, un workshop avec Jennifer Lacey.
La répétition : expérience de lecture cuisine, Comme un Mardi , à la cuisine, en construction (avec Elsa Boyer).
Disputatio Quolibet : discussions à partir d’un sujet commun: Sans Contact : comment jouir à l'ère du capteur ?
« Quartels » lectures en groupe inspirées des dispositifs de partage.
Utilisation des studio son et vidéo, avec la participation d’invités extérieurs, conduisant à une réflexion sur les processus de monstration, de réception et de transmission.

Mode d'évaluation :
Fiche de présence et lectures, présentation de travaux, travail en binômes ponctuels, Instagram ralenti.

Bibliographie :
Bibliographie complétée en cours :

- Andrea Fraser, Museum Highlights, 2002, MIT Press
- Anne Bénichou (dir.), « Ouvrir le document », Les presses du Réel, 2010
- Krauss Rolsalind, « Under Blue Cup », 2011
- Five Sisters, Blog Log case study, If I Can't Dance I won't be Parto f Your Revolution, 2013
- Claire Bishop, « Artificial Hells », Verso, 2012
- Conversation Marie de brugerolle, Marie Canet et Catherine Wood, « Mousse Magazine », 2014
- It needed to be tender and to be whipped, recueil d'écrits à propos de Julie Béna, 2016
- Cally Spooner, Scripts, 2014
- Post Performance Future, CH2, Mousse Magazine #66, may june 2018;

Catalogues :
- Hors Limites « L'art et la vie », 1994, Mnam/Centre Pompidou,
- Out of Action, 1998 , MOCA Los Angeles
« The World as a stage », Tate Modern, 2007, « Ne pas jouer avec les choses mortes », Villa Arson, 2008, « Un théâtre sans théâtre », MACBA, 2009, « I was a male Yvonne De Carlo », Musac, Léon, 2011, « A Bigger Splash », Tate Modern, 2012...

Objectifs pédagogiques :
Conjunto Folklórico Experimental Lyones (CFEL) est un espace de réflexion sur ce qui constitue une pratique artistique, ses possibilités et limites dans la sphère sociale.

L'objectif principal du CFEL est de développer une prise de conscience de ce qui nous entoure et nourrit notre travail artistique. En d'autres termes, le contexte social et politique dans lequel nous développons notre pratique artistique.

Contenu :
Le CFEL concerne principalement la réciprocité et l'échange d'idées, d'opinions et de références qui peuvent (ou non) aider à la construction d'un moi-artiste et de son imaginaire en constante expansion.
Le CFEL n’a pas de but spécifique autre que la circulation des connaissances (le cas échéant). Pour être impliqué dans le CFEL, il faut d'abord répondre à un questionnaire spécialement conçu pour le studio.

Mode d'évaluation :
Le questionnaire et la participation active sont les seules modalités d’évaluation du studio.

Bibliographie :
The Garden as Theatre as Museum, Dan Graham
Le topofil de Boa Vista-A Montage Photo-Philosophique, Bruno Latour
Le feu la prochaine fois, James Baldwin
Sinon l'hiver, Fragments de Sappho, Anne Carson
Jay DeFeo et The Rose, Martha Sherrill
Marisa Merz: Geometrie Sconnesse Palipiti Geometrici

Objectifs pédagogiques :
Expérimentation dans le domaine du son, de la musique et de la mise en situation des réalisations.

Contenu :
Usages du son au croisement des champs de la musique, des arts visuels et de l'ingénierie sonore ; acquisition des connaissances et compétences liées à la production et à la diffusion des sons ; études particulières liées à l'écoute de la voix parlée ou chantée, dans le cadre de l'interprétation en direct et de la radiophonie. L'essentiel est articulé autour de la production sonore des étudiants. Toutes les propositions sonores sont acceptées (vidéos, installations, improvisations, scène, etc.).

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Bibliographie :
http://michelchion.com/
http://firstsounds.org/
http://filmsound.org/
http://www.radiofrance.fr/

Support de cours :
http://gillesgrand.free.fr/
http://art45.ensba-lyon.fr/art/art.html

Objectifs pédagogiques :
Acquisition progressive des outils techniques et conceptuels d'analyse permettant à l'étudiant de proposer une lecture (orale et écrite) cohérente, rigoureuse et contextualisée de l'ensemble de ses travaux.

Contenu :
Le travail d'analyse critique a lieu tout au long de l'année mais est plus particulièrement mis en évidence lors des séances de présentation spatiale de travaux et lors des bilans semestriels. Ce n'est que progressivement tout au long du cursus que l'étudiant peut acquérir la maîtrise de cet outil.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Identifier la variété des contextes professionnels du champ de l'art, s'y familiariser à travers des rencontres avec des professionnels. Acquérir des connaissances pratiques sur l'environnement économique, juridique et social des activités professionnelles au sein du champ de l'art.

Contenu :
Programme de rencontres avec de professionnell.es du champ de l’art –artistes, commissaires d’exposition, écrivain.es, producteur.ices culturel.les, etc. – invité.es à l’école ou organisées à l’extérieur.
Ces journées explorent la grande variété des contextes et situations de travail au sein des univers artistiques.
Au cours de l’année, 4 masterclass d’une journée sont proposées, ainsi que des journées d’apprentissage pratique (statuts, factures, conception de budget, recherche de financement, relecture de portfolios, comment produire et diffuser, répondre à un appel d’offre, etc.
Enfin, ponctuellement des déplacements, des visites de lieux et de structures sont organisées selon l’intérêt et la curiosité des étudiant.es.

Mode d'évaluation :
Participation à deux journées entières de masterclass minimum ainsi qu'à deux journées entières d'apprentissage pratique minimum

Objectifs pédagogiques :
Mise en évidence pratique et conceptuelle du projet général de l'étudiant par le biais d'un support de communication.

Contenu :
Tout au long du cursus, il s'agit de mettre en œuvre, réaliser et régulièrement mettre à jour le dossier de travaux personnels que nécessite la communication d'une démarche et d'un projet d'artiste ou de designer.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Apprentissage progressif de la mise en espace et de la présentation plastique de l'ensemble des travaux de l'étudiant.

Contenu :
Selon l'année et le niveau des études, le travail de spatialisation est mis en œuvre régulièrement tout au long de l'année dans le cadre de séances de présentation de travaux ainsi que lors des bilans semestriels ou le cas échéant au moment d'expositions en dehors du cadre de l'école.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le stage permet d'acquérir une expérience des milieux de création et de production, d'approfondir la connaissance des milieux professionnels (entreprises, milieux culturels et institutionnels) et de développer les compétences pratiques en termes d'outils et de travail en équipe.

Contenu :
Ce temps de formation donne lieu à la rédaction par l' étudiant d'un 'rapport de stage' mettant en évidence sa propre approche du milieu professionnel en relation avec l'enseignement proprement dit.
Les périodes de stages obligatoires sont fixées par l'école.
Les périodes de stages hors obligation sont fixées de façon concertée entre l'étudiant, l'équipe pédagogique et l'entreprise.

Mode d'évaluation :
Bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Maîtriser la présentation personnelle ainsi que la présentation de ses travaux (écrit et oral).

Contenu :
Présentation de travaux (écrit et oral).
Rédaction et prise de parole.
Contribution au développement du portfolio artistique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu, oral et écrit. Traductions des textes français en anglais.

Bibliographie :
- « 20th Century Words », Oxford University Press
- L. Clandsfield, « Global English (Upper Intermediate, Advanced) », Macmillan Press
- « The Oxford Guide to English Usage », Oxford University Press
- J. Berger, « About Looking », Vintage International

Objectifs pédagogiques :
Blueprint est un temps consacré à l'accompagnement global des projets artistiques des étudiants de cinquième année au cours de l'année qui les mène au diplôme. L'objectif est de construire une conversation autour des différentes propositions et projections des étudiant.e.s, tout autant spatiales que conceptuelles et professionnelles.

Contenu :
Ce temps vise à encourager un regard critique et d'ensemble sur la production artistique de l'étudiant.e et préciser notamment l'adresse du travail, les manières dont celui-ci cherche à rencontrer un public, tant sur le plan formel que discursif. À cette fin, nous examinerons les projets, à travers différents angles et dans divers contextes, en essayant de se projeter -- ceci de manière très concrète aussi, par exemple avec des simulations en 3D, ou au sein d'espaces et de situations 'réels'. L'intention est donc de développer une réflexion à long terme à partir de l'ensemble des paramètres qui déterminent tout processus d'exposition, entendue ici au sens large.

Si Blueprint vise principalement à aider au développement des projets de diplôme qui auront lieu dans l'année, il est ouvert à tous les étudiants de 4ème année qui souhaitent y assister.

Mode d'évaluation :
Sans évaluation

Objectifs pédagogiques :
Connaissances de l'art contemporain, qu'il s'agisse des figures majeures ou émergentes de l'art actuel, ou de ses lieux de diffusion. Connaissances des cultures spécifiques propres aux designs (auteurs, structures, évènements et lieux de diffusion).

Contenu :
Un cycle hebdomadaire d'interventions du type conférence ou performance est programmé chaque mercredi après-midi à dix-sept heures dans le Grand amphithéâtre.
Sa programmation prend en compte les questionnements et les enjeux artistiques et intellectuels contemporains, ainsi que ceux des cultures spécifiques propres aux designs contemporains Elle est en relation directe avec les enseignements.
L'espace-temps de l'intervention est conçu comme une structure de « travail de la parole ».
La parole de l'intervenant peut relever du commentaire, de la recherche théorique ou de l'expérience artistique, littéraire, etc. L'image, projetée ou diffusée peut jouer le rôle de support, de complément ou de lanceur.
Pendant le temps de la conférence, tous les enseignements sont interrompus afin de permettre la participation de l'ensemble des étudiants et enseignants de l'École, toutes options et années confondues.

Les voyages d'études
auprès des centres majeurs de création soit sur la région soit sur l’international sont importants dans le cadre des études. Ils doivent permettre aux étudiants de découvrir les lieux de diffusion de l'art contemporain et sites remarquables du patrimoine moderne et contemporain ; la fréquentation régulière et autonome de ces lieux est fondamentale pour la poursuite des études.

Mode d'évaluation :
Tout au long du cursus de l'étudiant, la participation aux conférences fait l'objet d'une évaluation (notes et références au sein du dossier ou du mémoire), et de l'attribution d'un crédit semestriel (UE1).

Objectifs pédagogiques :
Les objectifs de ce cours sont la conception, l’élaboration et la rédaction d’un mémoire de fin d’études dont la soutenance constitue une des épreuves du Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP).
La rédaction du mémoire définit la perspective de recherche de l’étudiant, au sens large, et finalise un travail théorique en relation étroite ou distanciée, selon le cas, avec la pratique plastique.

Contenu :
La formalisation du mémoire relève du choix de l’étudiant, en lien avec l’équipe pédagogique, de son projet de diplôme, ou de tout sujet articulé avec celui-ci, et de ses objectifs ultérieurs. Le travail écrit est au centre de l’exercice, il peut être accompagné d’un travail sur d’autres supports.
Ce mémoire combine une exigence méthodologique de niveau Master avec des partis pris justifiés par le projet plastique d’une part, par un souci d’expression et de forme écrites d’autre part. Il s’agirait de rendre compte de la pensée comme de l’expérience de la pensée. L’étudiant s’engage dans une recherche qui permet de nourrir sa pratique, voire de l’expliquer mais aussi d’en formuler les enjeux. Il essaie de répondre à une série de questions : Comment puis-je problématiser ma réflexion ? Sur quelles références s’appuie-t-elle ? Comment les analyser en sorte qu’elles éclairent mes intentions ? Quelles sont mes hypothèses de travail, celles auxquelles répondront, le cas échéant, les réalisations du diplôme ?
Dans cette approche d’écriture, l’étudiant se positionne en auteur, par l’autonomie de de la phase d’écriture, par son appréhension sensible autant qu’analytique.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.
Communication du mémoire au collège des professeurs.

Bibliographie :
- Pierre Bayard, « Comment parler des livres que l’on n’a pas lus ? », Minuit, 2007
- Pierre Bourdieu, « Esquisse pour une auto-analyse », Raisons d’agir, 2004
- Jeanne Favret-Saada, « Les mots, la mort, les sorts : la sorcellerie dans le bocage », Gallimard, 1977
- Siegfried Kracauer, « L’histoire des avant-dernières choses », Stock, 2006
- Marcel Mauss, « Manuel d’ethnographie », Payot, 2002

Les références spécifiques sont discutées au cas par cas avec l’étudiant.

Objectifs pédagogiques :
Il s’agit d’acquérir ou de développer les éléments constitutifs d'une culture théorique (critique, esthétique et philosophique) en relation avec le projet général de l'étudiant et dans la continuité du travail entrepris en année 1 dans le cadre du projet-mémoire.

Contenu :
En année 2 et 3, et jusqu'à l'année 5 de l'option art, dans des registres spécifiques, les contenus des recherches théoriques, sont directement induits par le niveau de connaissances et d'engagement de l'étudiant et les enjeux conceptuels et artistiques de son projet.
Ce travail amène progressivement l'étudiant à la maîtrise des outils conceptuels nécessaires à la soutenance de son diplôme et permet en phase projet, d'aborder le mémoire de fin d'études avec les compétences minimum requises dans le cadre d'une introduction à la recherche.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu et bilan semestriel.

Objectifs pédagogiques :
Le séminaire se fonde sur les travaux menés par l'unité de recherche ACTH Art contemporain et temps de l'histoire. Il se propose de développer chez l’étudiant.e un point de vue d'artiste fondé sur une méthodologie théorique spécifique. Le séminaire s’organise autour de l’étude d’une œuvre particulière en convoquant les « régimes d’historicité » que cet objet met au travail.

Contenu :
Le séminaire a traité les années précédentes de la relation entre art et violence et a porté son attention sur ces moments particuliers où le langage et la perception sont suspendus. L'expérience cognitive du langage, comme celle de la production d’images, se fonde sur un travail d'élaboration, au sens de la transformation qui se produit en nous quand nous formulons, ou quand nous écoutons un récit et quand nous produisons, ou quand nous observons une image. C’est un travail de trans-laboration.
L’expérience de la violence, comme celle du rire, mettent le langage hors service. Notre corps éructe interrompant toute élaboration. Ces états de suspension peuvent être vitaux, comme le fait de rire pour sortir d’une situation intenable, ou alors profondément négatifs, comme une sidération qui affecte toute notre capacité motrice.

Nous allons nous intéresser cette année à une forme particulière du rire, celle que la divinité Baubô, arrivée en Grèce antique via l’Asie mineure, déclenche auprès de la déesse Déméter, réarmant sa vitalité et avec elle toute celle de la nature. Selon ce mythe grecque, la déesse a ainsi donné vie à l’agriculture.
Friedrich Nietzsche parle dans la préface du Gai Savoir (2e éd., 1886) de cette force vitale comme d’une vérité : « Peut-être la vérité est-elle une femme qui est fondée à ne pas laisser voir son fondement ? Peut-être son nom, pour parler grec, est-il Baubô ? »
Baubô était représentée comme une tête sur jambe dont les lèvres des deux orifices, celles de la vulve et celles de la bouche étaient si proches qu’on ne saurait pas dire laquelle des deux bouches est en train de nous parler. Ce fondement (Grund en allemand, ou « raison ») que la Nature dissimule à l’intellect des philosophes – comme elle le dissimule au regard des voyeurs et de l’omnipuissant patriarche – est au centre des travaux d’Anna Holveck et des recherches qu’elle porte au sein de l’unité ACTH sur la voix, la bouche, le corps féminin et le lieu du souffle d’où naît la parole.
Le séminaire se propose d’articuler ces contenus à partir de la lecture du film de Paul Vecchiali, Femmes femmes, de 1974 (https://www.youtube.com/watch?v=xJaadg2wBbw) qu’on va regarder et commenter avec Anna Holveck au premier semestre.
Le rapport irrésolu que le film décrit entre vie (vraie ou fausse, vécue ou rêvée, celle du corps ou celle de l’esprit) et mort (là aussi physique ou mnémonique, agie ou procrastinée) éclate dans un rire qu’on ne saurait pas classer. C’est ce rire, porté par les mêmes actrices jouant la même pantomime, que Pier Paolo Pasolini fait apparaitre comme une citation dans son dernier film Salò, où les 120 journées de Sodome. Il nous indique au début du dernier Giron du sang que devant tant d’horreur la seule solution vitale est le rire ; le rire de Femmes femmes.

Mode d'évaluation :
Contrôle continu.

Bibliographie :
- AAVV, “Découper le temps en son lieu. Parcours expérimental / Cutting out Time in its Place. Experimental journey,” B.Rüdiger (dir.), éd. ENSBA Lyon, 2019, avec Y.Annicchiarico, A.Bonnard, J.Lauro‐Mariani.
- AAVV, “Le temps suspendu ; Art contemporain et temps hors de l’histoire”, G. Careri et B.Rüdiger (dir.), éd. PUL Presses Universitaires de Lyon, 2016, avec les contributions de L.Acquarelli, Y.Annicchiarico, S.Bergala, B.Duvernay, A.Mengoni, J.Lauro-Mariani, Th.Léon, M.Montazami, Ph.Rousseau, E.L.Santner, A.Tournon et R.Ubl.
- AAVV, “Face au Réel, éthique de la forme dans l’art contemporain”, G.Careri et B.Rüdiger (dir.), un séminaire de recherche avec P.Montani, A.Gunthert, Th.Schütte, L.Fabro, A.Sekula, E.Van Alphen, M.Bal. Avec les contributions de B.Seror, A.Elis, F.Morandini, M.Montazami, A.Bourse, A.Janevski, É.Parendeau, Ph.Rousseau, A.Abramov, K.Poltowicz, É.Amet, A.Creissels.
- Yann Annicchiarico, “De papillons de nuit et de l’échelle de Muybridge / Of Moths and Muybridge’s Scale”, éd. ENSBA Lyon, 2022.
- Bernhard Rüdiger, “PPP paradoxe” et “L’œil de Sodome”, in Initiales PPP, Pier Paolo Pasolini N.7, éd. ENSBA Lyon, 2016.
- Bernhard Rüdiger, Natura abhorret a vacuo” Initiales N.1 GM, George Maciunas ; éd. ENSBA Lyon, 2012.

Objectifs pédagogiques :
Accompagner de jeunes artistes dans la construction de leur espace de recherche et dans la fabrication de leurs outils conceptuels et esthétiques dans un monde en mutation.
Apprendre à penser ensemble les questions artistiques et les enjeux économiques, technologiques et sociaux.
Apprendre à questionner les imaginaires contemporains dans la perspective de mettre à jour les impensés issus de la fabrication des représentations coloniales.
Apprendre à se décentrer sans s'approprier.
Construire des relations d’instruction réciproque, évolutives et dynamiques autour d’un objet de recherche et des formes singulières émanant de la proposition artistique.

Contenu :
Le séminaire de cette année s’inscrit dans la continuité des axes de recherche amorcés l’année précédente visant à appliquer une démarche décoloniale à la construction des représentations. L’accent sera mis sur la possibilité de penser d’autres configurations, de comprendre comment adviennent des changements qui rendent la période / le présent obsolètes. Pour reprendre une direction inspirée par la figure d’Octavia Butler, les séances seront « l'occasion de réfléchir de manière critique aux outils et aux compétences dont nous avons besoin en tant qu'êtres humains pour créer le monde que nous voulons » (Adrienne Maree Brown à propos des livres d’Octavia E. Butler). Nous tenterons de penser ces enjeux à partir d’ouvrages clés et en croisant théorie des médias, positions féministes et militantes minoritaires et écologie décoloniale. Les questions de genre, de racialisation et d’expérience étant au cœur de ces prises de positions. Les ouvrages seront mis en regard de travaux d’artistes s’inscrivant et instruisant ces démarches. Une attention particulière est accordée à la puissance de la spéculation et à la production d'un savoir en commun.

Les titres du séminaire sont empruntés aux essais de Philip K. Dick, « Et si ce monde vous déplaît… et autres récits », (Traducteur) Christophe Wall-Romana, 2015, editions de l’éclat, et de Kwame Anthony Appiah, « Le code d'honneur - Comment adviennent les révolutions morales », (Traducteur) Jean-François Sené, 2012, Gallimard.